¿Dónde Expone Marta Segrelles Sus Ilustraciones Actuales?

Llevo años fijándome en su trabajo y, siendo sincero, la información pública sobre premios concretos de Marta Segrelles no está tan centralizada como me gustaría. He revisado su página oficial y varios catálogos de exposiciones donde aparece su currículum artístico: allí suelen aparecer menciones a reconocimientos regionales, becas de creación y selecciones en concursos de ilustración y pintura, además de encargos para editoriales y exposiciones colectivas. En muchos casos esos reconocimientos no siempre son grandes galardones nacionales, sino premios locales, residencias o menciones en certámenes que valoran su técnica y su propuesta visual. Si buscas nombres concretos, lo más fiable es consultar su CV en su web o en la ficha de la galería que la representa, porque algunas reseñas en prensa mezclan exposiciones con premios y eso confunde. También he visto referencias a su participación en ferias y en muestras de ilustración, y a colaboraciones con editoriales que a veces se traducen en premios o distinciones profesionales. Personalmente valoro mucho más cómo se reconoce su obra en exhibiciones y encargos que una lista larga de trofeos: para mí, su fuerza está en la coherencia del lenguaje visual y en cómo coleccionistas y críticos han seguido su evolución.

Me he pasado tardes enteras siguiendo a artistas en Instagram y, con Marta Segrelles, la ruta para encontrar obra original suele ser bastante clara: directamente a través de sus canales oficiales y en exposiciones puntuales. Normalmente, la primera vía es su propia presencia en línea; muchas artistas mantienen una sección de tienda o un catálogo de obras en venta en su web, o usan Instagram para mostrar piezas y coordinar ventas por mensaje privado o correo. Además, las obras originales aparecen en exposiciones temporales en galerías y ferias de arte dentro de España, donde se venden en sala o se anotan como disponibles para compra posterior. Otra opción que yo uso siempre es suscribirme a su newsletter o seguir las publicaciones de las galerías que la representan, porque así me entero de lanzamientos y aperturas privadas antes que el público general. También conviene preguntar por piezas fuera de catálogo o por encargos: muchas veces la artista acepta comisiones o tiene obras en depósito en galerías de Madrid o en otras ciudades. En lo personal, me gusta combinar la búsqueda online con visitar la galería para ver la obra en directo antes de cerrar la compra; la textura y el color en persona no tienen comparación. En general, si buscas una original de Marta Segrelles, empieza por su web y redes, mantén el radar en galerías locales y apúntate a eventos donde exponga; así aumentas las probabilidades de encontrar la pieza que te interese.

He estado siguiendo sus apariciones públicas y me da la sensación de que Marta Segrelles está trabajando en varios frentes creativos al mismo tiempo. En sus redes y en entrevistas recientes ha dejado pistas sobre una edición ilustrada que recupera relatos y textos cortos, con nuevas ilustraciones y materiales extras; parece pensada como un libro de autor cuidado, con reproducciones de bocetos y notas que apelan tanto a lectores como a coleccionistas. Esa idea casa con su interés por el detalle gráfico y la edición de calidad, así que no me extrañaría que apostara por una tirada limitada con algún prólogo inédito. Además, he visto referencias a colaboraciones con otros autores y con sellos independientes: menciona proyectos colectivos y antologías donde participa con textos e imágenes. También parece estar explorando formatos digitales y audio, porque en mensajes recientes sugiere que habrá versiones en audiolibro y contenidos complementarios en plataformas online, quizá entrevistas o pequeños documentales sobre el proceso creativo. En conjunto, todo apunta a una etapa muy activa y diversa para ella, entre reediciones cuidadas, álbumes ilustrados y piezas en colaboración. Personalmente, me emociona ver que mezcla lo físico con lo digital: es la mejor forma de llegar a distintos tipos de público y conservar la esencia de su trabajo.

Me fascina la manera en que Marta Segrelles describe su proceso creativo: lo cuenta como si fuera una conversación íntima entre luz, memoria y herramienta. Ella habla de empezar muchas veces por lo pequeño —un apunte rápido, una mancha, un gesto alrededor del que todo puede crecer— y dejar que ese rastro inicial marque el pulso de la obra. No es un plan rígido; más bien una serie de decisiones sucesivas donde la intuición y la técnica se van alternando como compañeros de taller. Cuenta que trabaja con capas, con la superposición de veladuras y texturas hasta que la pieza logra ese equilibrio entre claridad y misterio. Me gusta cómo enfatiza la paciencia: reescribe, borra, vuelve a escribir; acepta que el error puede ser material y, a la vez, una ruta para llegar a algo inesperado. También menciona la importancia de la luz natural y del horario en el que pinta, como si cada momento del día dejara una firma distinta en los colores. Lo que más me impacta es cómo integra la observación directa con recuerdos y pequeñas historias personales. No se trata solo de representar: se trata de transcribir una emoción visual. Al final, su descripción del proceso suena a ritual doméstico y a laboratorio experimental, y eso le da a sus piezas una presencia muy humana. Me quedo con la sensación de que pintar para ella es tanto un oficio como una forma de pensar en voz alta.

Me entusiasma ver cómo Marta Segrelles mezcla raíces clásicas y cultura popular cuando habla de sus influencias; en varias entrevistas ella sitúa su formación en un cruce entre la pintura tradicional y el cómic. Cuenta que crecer en un entorno donde el dibujo era moneda corriente marcó mucho su mirada: la tradición gráfica europea y la atención al detalle en el tratamiento del volumen y la luz aparecen como referencias constantes. También menciona el peso de la ilustración contemporánea y de ciertos maestros del claroscuro, que le enseñaron a pensar la figura en términos de masa y contraste. Además, en otras conversaciones se percibe una fascinación por la narrativa visual propia del cómic y del álbum ilustrado: le interesa cómo una imagen puede sostener una historia y cómo la composición guía la lectura. No rehúye nombrar influencias más modernas, como la animación japonesa y la estética de algunos ilustradores actuales, sobre todo en lo que tiene que ver con economía de trazo y expresión emocional. Al final lo que más me gusta es que en sus entrevistas siempre aparece la mezcla de técnica y cuento; esa combinación ilumina su trabajo y me deja con ganas de volver a mirar sus piezas con lupa.

Últimamente me he puesto a buscar información sobre Paloma Segrelles y, siendo honesto, la pista pública sobre exposiciones recientes no es tan clara como esperaba. He consultado su presencia en redes y en los listados de galerías más visibles, y no aparece una gran gira o una muestra individual anunciada en el último año. Puede que su actividad más reciente haya sido en formatos más discretos: colaboraciones, colectivas locales o proyectos con instituciones pequeñas que no siempre llegan a los grandes circuitos de prensa. Si te interesa seguirla de cerca, yo suelo revisar con frecuencia las páginas oficiales de artistas, los perfiles en Instagram y las agendas culturales de las ciudades donde suele mostrarse trabajo contemporáneo. Me gusta pensar que a veces el arte de calidad circula sin hacer mucho ruido, y que encontrar esas muestras pequeñas es parte del placer de la búsqueda; a mí me emociona más cuando descubro una obra en un espacio íntimo que en un evento masivo.

No sé si te sorprende, pero en mi búsqueda he encontrado que las obras de Paloma Segrelles suelen aparecer en varios circuitos: su propio estudio/representación directa, galerías locales en la Comunidad Valenciana y algunas casas de subastas que trabajan regularmente con arte contemporáneo español. Hace unos años seguí una exposición pequeña en Valencia y recuerdo que la comunicación con su entorno fue directa: muchas piezas salen primero por encargos desde el estudio o por contactos con galerías que apuestan por la figuración contemporánea. Además, casas de subastas como Durán en Madrid o Balclis en Barcelona han sacado obras de artistas españoles de su generación, así que es habitual ver su obra por esos canales. Si buscas algo concreto, te aconsejo mirar las agendas de galerías de Madrid, Barcelona y Valencia que trabajan pintura figurativa y, sobre todo, contactar con el Museo Segrelles en Albaida para confirmar ediciones y procedencia. Personalmente me parece un camino más seguro y cercano que depender solo de ventas online.

Me sigue fascinando cómo una obra puede condensar tanto mundo interior; por eso siempre que hablo de «El gran masturbador» me sale una sonrisa nerviosa. Lo vi por primera vez en fotos, pero hoy sé que la versión más conocida de 1929 forma parte de la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid. Allí suele estar en exposición dentro de las salas dedicadas al arte moderno y al surrealismo, aunque a veces la prestan para grandes muestras internacionales. Hace poco revisé catálogos y fichas del museo y confirman que «El gran masturbador» pertenece a su fondo permanente, así que si estás planeando una visita a Madrid es el lugar más fiable para encontrarla. Eso sí, el museo rota piezas y presta obras a otros centros, así que no está demás consultar la programación actual antes de ir. De cualquier modo, ver esa tela en la sala, con la iluminación y la escala, tiene un impacto distinto a cualquier reproducción; sigue siendo una experiencia que me deja pensativo y un poco inquieto, en el mejor sentido.

Me encontré con la exposición de Juanjo Sáez en un día de esos en los que la ciudad se siente pequeña y las salas grandes te devuelven calma: la muestra más reciente se montó en CentroCentro, en el Palacio de Cibeles de Madrid, y también estuvo disponible en formato digital en su web y redes sociales. Recuerdo el contraste entre las paredes blancas del espacio y sus trazos, que conservan esa mezcla de ironía y ternura que siempre le ha caracterizado. Había ilustraciones a gran escala colocadas como si fuesen viñetas desplegadas en el muro, junto a pequeñas páginas originales clavadas en vitrinas; la curaduría jugaba con la intimidad del cómic y la monumentalidad del formato expositivo, lo que me permitió caminar entre piezas y sentir que cada una respiraba por sí sola. Las láminas incluían apuntes rápidos y piezas acabadas, muchas con acuarelas pálidas y líneas a tinta suelta; además, en un rincón vendían pequeñas ediciones y fanzines que él firmó durante la inauguración. Me pareció especialmente fresco cómo acercó el proceso: bocetos, notas manuscritas y pruebas de color acompañaban a los originales, mostrando el “detrás de” sin perder misterio. La noche de la presentación hubo una charla breve donde compartió anécdotas sobre algunas viñetas y el público pudo preguntarle; fue un ambiente relajado, casi de vecindario, que combinaba aficionados al cómic, estudiantes de ilustración y gente que solo quería saber de dónde salen esas imágenes tan próximas. Aparte de la sala física, seguí su perfil y su sitio oficial donde subió versiones digitales de las obras y fotografías de la instalación en CentroCentro. Para los que no pudimos viajar fue una solución fantástica: fotos detalladas, comentarios del autor y venta online de impresiones numeradas. En lo personal me quedo con la sensación de que ver sus piezas en papel y en pared es distinto a verlas en pantalla: en la sala sentí la escala, la textura del papel y los pequeños errores que hacen humanas sus ilustraciones. Salí con ganas de repasar su obra antigua y de comprar uno de esos fanzines firmados, pensando en cómo pocas veces una muestra consigue ser a la vez cercana y elegante.

Recuerdo perfectamente cuando la vi en persona en Florencia; fue uno de esos momentos que se quedan pegados en la memoria. «El nacimiento de Venus» de Botticelli se expone actualmente en la Galería Uffizi, en Florencia, Italia, y es una de las obras estrella del museo. La escala y la delicadeza de las líneas, junto con esos tonos casi etéreos, no se transmiten igual en pantalla: ver la superficie y la manera en que la luz juega sobre la pintura es otra experiencia completamente distinta. Entré al Uffizi con la idea de ver cuadros famosos, pero la sala donde está «El nacimiento de Venus» tiene una energía especial; hay una mezcla de turistas curiosos y gente que se queda en silencio, contemplando. Desde hace siglos la colección de los Medici —y luego el propio Uffizi— ha conservado piezas como ésta, que siguen convocando a públicos de todo el mundo. Si te interesa la historia del arte, saber que esta obra es un referente del Renacimiento italiano añade otra capa a la visita. Al salir, me quedé pensando en cómo una imagen puede resumir un momento cultural: la mitología, la estética y la técnica convergen en ese lienzo. Verla en la Galería Uffizi es más que ver un cuadro famoso; es conectar con una tradición visual que todavía provoca emoción y curiosidad.