¿Francisco De Asís De Borbón Dejó Legado En La Monarquía?

Me cuesta separar la fascinación del disgusto cuando pienso en Francisco Paesa: su figura encarna lo mejor y lo peor de ese país de pasillos oscuros que conocemos. He leído recortes viejos, entrevistas y alguna que otra biografía no oficial, y lo que se queda claro es que Paesa fue un personaje híbrido —inteligencia, negocios, engaños— que se movía entre el poder y la marginalidad con una soltura que asusta. Trabajó con servicios, tuvo contactos en el Estado y, al mismo tiempo, estuvo cerca de redes de corrupción; esa doble vida alimentó su mito y su impunidad. Los grandes hitos que la gente recuerda —la trama con Luis Roldán, la supuesta simulación de su muerte y la famosa operación que explotó en los medios— muestran a alguien que no solo sabía manejar información, sino también las narrativas a su favor. La película «El hombre de las mil caras» popularizó esa versión cinematográfica: un maestro del disfraz, un prestidigitador de identidades. La verdad judicial fue más torpe y menos glamourosa: hubo investigaciones, acusaciones y procesos, pero también lagunas, acuerdos y un rosario de papeles que rara vez llegaron a una condena contundente. Al final, para mí la verdad sobre Paesa en España es que su caso es un espejo: refleja fallos institucionales, la facilidad para moverse en la frontera entre legalidad y delito, y la manera en que el poder puede proteger o consumir a los suyos. No es solo la historia de un estafador o un espía legendario, es la historia de cómo la sociedad y sus instituciones lidian con los secretos y las mentiras. Me quedo con la sensación de que gran parte de su leyenda sobrevivirá porque, en esencia, habla de nosotros y de nuestras sombras.

Me he topado con su nombre en muchos artículos y, sí, Francisco Marhuenda también tiene publicaciones en formato libro. He visto que su obra se centra principalmente en ensayos y textos de opinión sobre política, comunicación y memoria personal; suele abordar temas relacionados con la derecha española y la prensa. No voy a listar títulos concretos para no meter la pata con fechas o ediciones, pero es fácil encontrar colecciones de sus columnas y algún ensayo que firmó en solitario o en colaboración con otros autores. Si te interesa su enfoque, busca en catálogos de librerías o bibliotecas bajo su nombre: allí aparecen sus libros y las reediciones. Personalmente, me llama la atención cómo sus textos mezclan reflexión política con anécdotas del día a día, y eso hace que, aunque no compartas su postura, resulten lectura viva y directa.

Me sorprende lo poco que se suele decir sobre lo que Brines escribió pensando en un público joven; en realidad, no dejó una colección dirigida específicamente a adolescentes, pero sí hay poemas y libros que conectan muy bien con lectores jóvenes por su sencillez emocional y su honestidad ante el paso del tiempo. Si tuviera que recomendar desde mi experiencia, empezaría por las obras tempranas como «Las brasas» y «Palabras a la oscuridad», donde la voz poética es directa y tiene imágenes potentes que no requieren un bagaje académico para conmover. Muchos jóvenes se sienten atraídos por la manera en que Brines habla del amor, la ausencia y la memoria sin adornos excesivos: son poemas que se leen en voz alta y funcionan muy bien en el primer contacto con la poesía contemporánea española. Más adelante, títulos como «Aún» muestran una madurez que también engancha a lectores jóvenes porque tratan el tiempo y la identidad con claridad. No esperes rimas fáciles ni consignas juveniles: lo valioso es que sus textos invitan a la reflexión sin imponerla. Personalmente, recomiendo explorar estos libros con calma y subrayar los versos que resuenen; para muchas personas que empiezan en la poesía, Brines es una puerta honesta y emocionante.

No me sorprende que, cuando los profesores preparan una bibliografía, siempre vuelvan a ciertas obras de Quevedo; son como atajos hacia el Barroco español. Yo recomendaría empezar por «La vida del Buscón llamado Don Pablos», porque es el ejemplo más claro del género picaresco y de cómo Quevedo usa la ironía para criticar la sociedad. Luego suelen incluir «Los sueños», una colección de visiones mordaces sobre la condición humana; ahí se ve su miseria y su agudeza moral. Para poesía, las antologías con sus sonetos y epigramas son indispensables, especialmente piezas famosas como «Poderoso caballero es Don Dinero». En los cursos avanzados piden ediciones anotadas: una buena «Obras completas» o una edición crítica con notas facilita entender el lenguaje barroco y los juegos conceptistas. Mis lecturas de clase mejoraron muchísimo con esas notas, y me quedé con ganas de releer sus sátiras una y otra vez.

Tengo una copia polvorienta de una biografía sobre la casa de Borbón que saco de vez en cuando cuando quiero entender mejor cómo terminó todo. Don Juan de Borbón suele aparecer ahí como una figura digna y algo melancólica: descendiente directo de Alfonso XIII, reclamante del trono como Conde de Barcelona, hombre que vivió gran parte de su vida fuera de España y que, a lo largo de las décadas, mantuvo una postura firme sobre la legitimidad dinástica. En círculos monárquicos tradicionales se le recuerda con respeto por su coherencia; muchos le atribuyen un talante de principista que no cedió fácilmente ante Franco, y valoran su decisión de preservar la legalidad dinástica hasta que la realidad política empujó hacia otras soluciones. Por otro lado, entre sectores más críticos se le ve como alguien excesivamente conservador o incluso algo inactivo políticamente en momentos clave. Al final, para mí su reputación histórica es la de un hombre que encarnó la nostalgia de una monarquía que regresó por caminos inesperados, y cuya figura quedó teñida, inevitablemente, por la ascendencia pública y las polémicas posteriores de su hijo. Esa mezcla de dignidad y tragedia personal me sigue pareciendo muy humana y compleja.

Me flipa rastrear cómo el cine español se atreve —o elige no hacerlo— con la figura de Franco, porque hay toda una jerarquía de tratamientos: desde la aparición literal hasta la presencia simbólica o propagandística. Si hablamos de representaciones directas en ficción, lo más claro que encuentro es «Mientras dure la guerra», de Alejandro Amenábar, donde la figura de Franco y el clima político de la posguerra están presentes en la trama y empujan el conflicto central. Esa película retrata el choque entre intelectuales y el nuevo orden, y Franco aparece más como fuerza política que como personaje íntimo; la puesta en escena decide mostrar el contexto y las consecuencias del régimen más que hacer un biopic del dictador. Luego están títulos que no ponen a Franco en primer plano, pero sí muestran su sombra: «La lengua de las mariposas», «La voz dormida» y «Las trece rosas» (o «Las 13 rosas») son ejemplos donde el franquismo marca destinos, miedos y represalias, aunque el dictador no sea un personaje que dialogue en pantalla. En otro registro, «Raza» es un caso singular: fue escrita bajo seudónimo por el propio Franco y es propaganda fílmica de la época, así que no es tanto una “representación” sino una herramienta de exaltación del régimen. También hay películas que usan la época franquista como telón de fondo para historias fantásticas o alegóricas —pienso en «El laberinto del fauno»— donde la dictadura se siente a través de personajes que encarnan la violencia y la represión, sin necesidad de mostrar al general en persona. En resumen, encuentro pocas ficciones que pongan a Franco como figura central teatralizada; muchas electivas prefieren mostrar su impacto social, usarlo como motor dramático o reapropiarse de su legado para criticarlo. Mi impresión personal es que eso ha permitido al cine español reflexionar sobre el franquismo desde ángulos más humanos y variados que el biopic tradicional.

Me llamó la atención que en España se estrenaran varias películas centradas en el papa Francisco; no es un tema muy frecuente y, aun así, la pantalla se llenó de propuestas muy distintas. La más conocida en salas fue la película italiana «Chiamatemi Francesco» (2015), un biopic que narra la juventud y el camino de Jorge Bergoglio hasta el papado. En muchas programaciones españolas apareció traducida como «Llámame Francisco» o se proyectó con su título original, dependiendo de la sala y del festival donde se exhibiera. Fue la que generó más debate por dramatizar episodios sensibles de su vida. Un enfoque totalmente distinto llegó con el documental de Wim Wenders, «Pope Francis: A Man of His Word» (2018), que en España se estrenó como «Francisco, un hombre de palabra». Aquí no hay dramatización: es una película más reflexiva y visual que recoge el mensaje y el discurso del papa, pensada para salas y para público que busca una mirada contemplativa. Ambas me dejaron la impresión de que se pueden contar muchas historias sobre la misma figura, según el tono elegido.

Goya es una figura que siempre me ha fascinado por cómo rompió con lo establecido. Su obra temprana, como los cartones para tapices, muestra una elegancia rococó, pero donde realmente impacta es en sus pinturas negras y grabados. «El coloso» o «Los desastres de la guerra» reflejan una crudeza y emotividad que no se veía antes en España. No solo retrató la sociedad, sino que cuestionó sus contradicciones. Lo que más admiro es cómo su estilo evolucionó hacia algo más personal y oscuro, anticipando el romanticismo y hasta el expresionismo. Sin Goya, el arte español perdería parte de su identidad crítica y esa mezcla única de belleza y horror.