¿Qué Mangas Enemies To Lovers Son Tendencia En España?

Hoy me pillas con ganas de hablar de cine y romances inesperados: el tropo 'enemies to lovers' aparece en el cine español, aunque muchas veces viene disfrazado de choque cultural, celos o rivalidad social más que de odio declarado. He visto que, en España, los guionistas tienden a jugar con barreras externas —familia, regiones, clases— y a partir de ahí construyen la fricción que luego se convierte en atracción. Eso hace que algunas comedias románticas modernas funcionen perfectamente como versiones del trope, sin serlo de forma académica. Un ejemplo claro es «Ocho apellidos vascos»: la relación entre Rafa y Amaia empieza con engaños, confusiones y un choque cultural permanente; no son enemigos a muerte, pero la dinámica de rechazo-incomprensión que deriva en cariño encaja muy bien con lo que buscamos. En la misma línea, «Ocho apellidos catalanes» repite la fórmula con matices distintos. Por otro lado, «El otro lado de la cama» no es un enemies-to-lovers puro, pero tiene esa tensión entre personajes que se odian/compiten y acaban enredados sentimentalmente; es más enredo y celos que odio real, pero funciona. También pienso en «Tres metros sobre el cielo»: Hache y Babi vienen de mundos opuestos y su relación arranca con choques y malentendidos que alimentan la pasión. No son antagonistas en plan villanos, pero sí rivales sociales y personales que se atraen. Si lo que buscas es el conflicto romántico más crudo, a veces hay que mirar a series o a adaptaciones literarias recientes, donde el formato largo deja más espacio para desarrollar el viaje de odio a amor. Aun así, el cine español tiene esa forma particular de transformar antagonismo en cariño, mezclándolo con humor, orgullo regional o diferencias de clase. Yo disfruto mucho cuando el guion aprovecha ese contraste para crear química auténtica: se siente más humano y menos artificioso.

Me encanta que hayas preguntado sobre «Dead to Me», porque justo estaba revisando el calendario de estrenos de Netflix. La tercera y última temporada llegó a España el 17 de noviembre de 2022, así que ya está disponible para maratónear. Es una pena que sea el final, pero qué buen viaje ha sido con Jen y Judy. Si aún no has visto las temporadas anteriores, te recomiendo empezar desde cero. La química entre Christina Applegate y Linda Cardellini es simplemente adictiva. Cada capítulo mezcla comedia negra con momentos emocionales que te dejan pegado al sofá. ¿Ya has visto algún episodio de esta última temporada?

Me quedé enganchado desde la primera mitad del libro: «The Way to Paradise» —publicado originalmente como «El paraíso en la otra esquina»— es un entramado biográfico que Vargas Llosa despliega con paciencia y ambición, alternando las vidas de Flora Tristán y Paul Gauguin para buscar un sentido común entre dos quimeras. Relato brevemente: la novela salta entre la lucha social de Flora, que peregrina por Europa reclamando derechos y justicia para los trabajadores, y la odisea artística y personal de Gauguin, que huye hacia Tahití en busca de una libertad estética y existencial. Vargas Llosa mezcla hechos documentados con invención novelística; el resultado es una especie de diálogo sin voces directas entre dos personajes que nunca se encuentran pero cuyas obsesiones se reflejan mutuamente. Lo que más me interesa es el juego de espejos: ambos buscan un paraíso —uno social, otro estético— y ambos se enfrentan a la imposibilidad de esa utopía. El autor no los idealiza ni los destruye; los humaniza. Me parece una novela generosa en información histórica y crítica con las contradicciones de sus protagonistas, especialmente con la mirada colonial de Gauguin y la pasión reformista de Flora. Terminé con la sensación de que el paraíso, en la práctica, es menos un lugar que una idea que empuja a la acción.

Me encanta indagar en los orígenes de las series, y «Dead to Me» es una de esas joyas que siempre genera curiosidad. La historia gira alrededor de dos mujeres con vidas complicadas que forman una amistad inusual, llena de secretos y giros dramáticos. Sin embargo, no está basada en hechos reales ocurridos en España ni en ningún otro lugar específico. La creadora, Liz Feldman, ha mencionado que la trama surge de experiencias personales y de explorar temas como el duelo y la culpa, pero es ficción pura. Lo interesante es cómo la serie mezcla tonos dramáticos y cómicos, algo que atrapa al espectador. Si bien no hay conexión con eventos reales españoles, la universalidad de sus emociones hace que cualquiera pueda sentirse identificado. La química entre las protagonistas y los diálogos afilados son lo que realmente elevan esta producción.

Nunca dejo de comparar cómo cambian los matices según quién interprete a los personajes centrales. En la versión moderna de «3:10 to Yuma» (2007), los nombres más destacados son Russell Crowe como Ben Wade y Christian Bale como Dan Evans: ellos son el corazón del duelo moral y físico de la película. Junto a ellos, Ben Foster brilla como Charlie Prince, el segundo de a bordo violento y carismático, mientras Logan Lerman interpreta al hijo de Dan, Will Evans, aportando el componente familiar y emotivo. Vinessa Shaw completa el núcleo cercano con el papel de Alice, la esposa de Dan, y varios rostros veteranos como Peter Fonda ofrecen pequeñas pero significativas apariciones. Si me preguntas por la versión clásica, dirigida por Delmer Daves en 1957, los protagonistas son Glenn Ford (Ben Wade) y Van Heflin (Dan Evans), y el reparto incluye a Felicia Farr y Richard Jaeckel en papeles importantes. Esa película tiene un tono más sobrio y centrado en la tensión psicológica, mientras que la de 2007 añade pulso visual y acción moderna. Personalmente disfruto ambas lecturas: la química entre Bale y Crowe en la versión nueva me parece electrizante y distinta a la contención del Ford–Heflin original, pero las dos funcionan porque el reparto principal sabe sostener el conflicto central con convicción.

No puedo evitar sonreír cuando pienso en esas historias donde la tensión se convierte en algo más complejo: aquí te dejo títulos que, en mi experiencia de lectora empedernida, funcionan muy bien dentro del tropo enemies-to-lovers y tienen protagonistas LGBTQ+ claramente definidos o queer-codificados. Empiezo con una mezcla de fantasía, contemporáneo y ciencia ficción para que haya de todo según el mood. «Captive Prince» (C. S. Pacat) es prácticamente la referencia obligada en enemies-to-lovers dentro de la fantasía m/m: la dinámica de captor y capturado se transforma en una relación llena de poder, humillación, alianzas forzadas y, con el tiempo, una complicada intimidad. Es cruda y política, con un desarrollo lento que recompensa la paciencia; no es light, pero para quien disfruta de tensión, estrategia y una transformación emocional intensa, funciona perfecto. En un registro más luminoso y contemporáneo está «Red, White & Royal Blue» (Casey McQuiston). Aquí la premisa parte de rivalidad pública entre dos figuras en posiciones opuestas; la hostilidad inicial y las pullas públicas derivan en encuentros más personales y tiernos. Aunque el tono es mucho más cómico y romántico que en «Captive Prince», sigue cumpliendo ese viaje de enemigos a amantes con verdadero corazón y mucha química. Si buscas algo con humor británico y banter afilado, «Boyfriend Material» (Alexis Hall) juega con fake dating y chisporroteo entre dos hombres que no empiezan llevándose bien; hay sarcasmo, orgullo y orgullo propio que deben desmoronarse antes de que pueda crecer algo real. Para algo totalmente diferente en estilo y lenguaje, «This Is How You Lose the Time War» (Amal El‑Mohtar y Max Gladstone) propone a dos agentes rivales —con una estética femenina y queer muy marcada— que se escriben cartas a lo largo del tiempo y terminan enamorándose: es lírico, extraño y profundamente íntimo. Finalmente, para sapphic fantasy recomiendo «Crier’s War» (Nina Varela): aquí las protagonistas pertenecen a bandos opuestos y la tensión política se mezcla con atracción prohibida; la transformación de enemistad a afecto es poderosa porque viene cargada de contexto social y consecuencias. En resumen, hay desde épica cruda hasta comedia romántica ligera y ciencia ficción poética: escoge según cuánto drama quieras en tu enemies-to-lovers. Yo regreso a estas historias cuando necesito recordar que los encuentros más ásperos a veces esconden conexiones sorprendentes.

Me parece divertido fijarse en los pequeños rostros que aparecen en las películas, y con «Jumanji: Welcome to the Jungle» pasa algo parecido: no es una cinta llena de cameos sorpresa al estilo de películas de comedia con un desfile de celebridades, sino que prioriza su elenco principal y algunos papeles cortos que sorprenden por su carisma. En concreto, los nombres que suelen mencionarse como apariciones breves o escenas cortas (más que cameos sorpresa tipo estrella invitada) son Rhys Darby, que tiene un papel gracioso y puntual como Nash, y Bobby Cannavale, que aparece en el rol del padre de Spencer con una presencia breve pero clave. También se ven las versiones «reales» de los adolescentes dentro del mundo fuera del juego: Alex Wolff, Morgan Turner y Ser'Darius Blain, que, aunque no son cameos en el sentido estricto, sí son apariciones de poca duración comparadas con los protagonistas dentro del juego como Dwayne Johnson, Kevin Hart, Jack Black, Karen Gillan y Nick Jonas. Al final, más que buscar cameos escondidos, la película se apoya en esos rostros para mantener el equilibrio entre el mundo real y el videojuego; a mí me gustó cómo funciona esa mezcla y cómo esos papeles cortos refuerzan el gag central sin robarle protagonismo a los héroes del juego.

Recuerdo que la conversación alrededor de «3:10 to Yuma» en 2007 giraba mucho en torno a sus dos estrellas. Vi varias reseñas de la época y, en general, la crítica valoró positivamente al reparto: Christian Bale y Russell Crowe recibieron elogios casi unánimes por la intensidad y el contraste que aportaron a la película. Muchos críticos señalaron que la química entre ellos elevó una historia que, en su estructura, es bastante clásica del western, y que ambos llevaron sus personajes con una mezcla de dureza y matices emocionales que no siempre se ve en remakes modernos. También me llamó la atención que los comentarios no se quedaron solo en los protagonistas; el elenco secundario, sobre todo Ben Foster, fue señalado como un elemento que aportó tensión y cierta imprevisibilidad. Los críticos destacaron la dirección de James Mangold y la puesta en escena como acompañantes efectivos para las actuaciones, incluso cuando algunos opinaban que el guion no innovaba del todo. En conjunto, la recepción fue favorable: se habló de un western sólido, bien actuado y entretenido. Personalmente, recuerdo salir del cine con la sensación de que el reparto justificaba el remake y que las actuaciones eran lo que realmente dejó huella. No fue el western más revolucionario, pero sí uno con un cast que mereció los aplausos de la crítica.