من قدم أدوارًا مثيرة في السينما خلال العقد الماضي؟

لقد جمعت لائحة من المخرجين اللي أعتقد إن أعمالهم خلال العقد الماضي لا تُفوّت، وكل واحد منهم يقدم تجربة مختلفة تخطف العين والقلب. أنا من النوع اللي يأخذ متعة في تتبّع صانعي الصورة الكبرى: مثلاً كريستوفر نولان مع 'Dunkirk' و'Tenet' وخصوصاً 'Oppenheimer'، دائماً يمنحك تجربة سينمائية تعتمد على البناء الزمني الضاغط والمؤثرات الصوتية اللي تحبس الأنفاس. دينيس فيلنوف قدّم لي فضاءات بصرية وفكرية عبر 'Blade Runner 2049' و'Arrival' و'Dune'، مخرج يشتغل على الخيال العلمي كمنصة للتأملات الكبيرة. بونغ جون-هو غيّر قواعد اللعبة اجتماعيًا وفنيًا مع 'Parasite'، فيلم ذكي ومباشر في آن واحد. كمان أحب أن أشير لمخرجات هن قدمن أفلام بتنوع وجرأة: غريتا غيرويغ مع 'Lady Bird' و'Little Women' و'Barbie' قدمت مزيجًا من الحس الشخصي والفكاهي، وتشيلوي تشاو قدمت هدوءًا شاعريًا في 'Nomadland'. يورغوس لانثيموس وبارك تشان-ووك وهاكازو كوريدا أسهموا في تجارب عاطفية وغريبة ومظلمة أحيانًا، وكل واحد منهم يستدعي أسلوباً بصرياً مختلفاً. بول توماس أندرسون مع 'Phantom Thread' و'Licorice Pizza'، ومارتن سكورسيزي مع 'The Irishman'، وسام مندز مع '1917'—كلٌ له سبب يجعلك تتابعه. أنا أنصحك تختار بحسب المزاج: لو تريد إثارة ذهنية شاهد فيلنوف أو نولان، لو تريد ضربة اجتماعية شاهد بونغ، ولو تريد حنين إنساني شاهد تشاو أو كوريدا. النهاية؟ السينما الآن غنية، وهذه الأسماء مجرد مدخل لعالم مليان مفاجآت ستكسر روتين المشاهدة عندك.

السينما المصرية خلال العقد الماضي كانت بالنسبة لي مرآة مشوَّهة تتبدل ببطء، تحمل آثار رقابة قديمة وصراعات اجتماعية جديدة. في مشاهد كثيرة لاحظت كيف أن المخرجين يميلون إلى التعامل مع موضوع المثلية بوصفه ظاهرة تُروَى من وراء الرموز: نظرات مبطنة، علاقات صداقة مكثفة تُسوَّق كـ'قرب' أكثر من كونها حباً صريحاً، ونهايات مأساوية أو تحذيرية تبرر للرقابة أنها ليست تشجيعاً على السلوك. هذا الأسلوب الرمزي نجح وقتاً في الوصول إلى جمهور محدود، لكنه أخفق في بناء خطاب مرئي صريح وآمن للمجتمع. مع ذلك، ما لفت انتباهي فعلاً هو ازدهار المشهد المستقل والمنصات الرقمية. أفلام قصيرة ووثائقيات على الإنترنت وخارج مصر في مهرجانات دولية بدأت تمنح أصوات لأشخاص كانوا مخفيين داخل المدن؛ قصص عن عنف قانوني واجتماعي وعن اكتشاف الهوية، تُروى بصراحة أكبر مما نشاهده في الإنتاج التجاري. هذا التحوّل الرقمي أعطى مساحة للقصص الحقيقية، لكن أيضاً وضع صناعها تحت خطر المتابعة والملاحقة، فالكثير منهم يختارون التمثيل بالوجه المموّه أو النشر من الخارج. في المجمل، أرى أن السينما المصرية تتحرك من حالة صمت ورمز نحو تنوع وتعقيد تدريجي، لكن الطريق لا يزال طويلاً. التغيير الحقيقي لن يأتي من فيلم واحد فقط، بل من تتابع أعمال شجاعة ومن دعم مجتمعي وقانوني يضمن سلامة الناس الذين يظهَرون على الشاشة.

السينما العربية في العقد الماضي لم تبقَ ثابتة؛ تحركت خطوة كبيرة إلى الأمام بكل وجوهها — فنية، إنتاجية، وتوزيعية — رغم العقبات الكبيرة. أول شيء لاحظته هو تنوع الأصوات والمصادر: مخرجات ومخرجات شابات وشباب من دول مختلفة صار لهم حضور واضح على الساحة الدولية. أفلام مثل 'Capernaum' و'For Sama' و'Papicha' لم تظهر من فراغ، بل جاءت بعد سنوات من تراكم التجارب وافتتاح أبواب لتمويل مشروعات جريئة، سواء عبر صناديق وطنية أو شراكات دولية مع أوروبا والولايات المتحدة. برأيي، هذا الارتباط بالمهرجانات العالمية أعطى لصانعي الأفلام العرب منصة لعرض موضوعاتهم الأساسية — من قضايا اللاجئين والفقر إلى مطالب الحريات الفردية — بل وأكد أن السوق الدولي صار أكثر اهتمامًا بما يُنتج هنا. من ناحية البنية التحتية والإنتاج، شهدنا دفعات استثمارية مهمة: ظهور مهرجانات جديدة مثل مهرجان البحر الأحمر ومهرجان الجونة وتوسّع مهرجانات دبي ومراكش والقاهرة جعل السوق الإقليمية أكثر نشاطًا، كما أن إنشاء لجان ووقوف مؤسسات حكومية وخاصة لدعم الإنتاج السينمائي أفاد كثيرًا. وفي ظل صعود منصات البث مثل نتفليكس ووجود منصات إقليمية مثل شاهد، صار بالإمكان تمويل أعمال طويلة وسلاسل تلفزيونية تلامس جمهورًا كبيرًا، وهذا بدّل قواعد اللعبة لأن صانعي المحتوى صاروا يفكرون بعيدًا عن الاعتماد الكلي على دور العرض المحلية فقط. الجانب التقني والمهني اتطور أيضًا؛ رؤية تصويرية أفضل، تركيب صوت أكثر احترافية، وإخراج يصبغ العمل بطابع سينمائي واضح، وكل هذا نتيجة لتبادل الخبرات مع صناعات أكبر وتدريب جديد وإمكانية الوصول إلى معدات أفضل. ومع ذلك، التحديات باقية: الرقابة في بعض الدول، محدودية أسواق التوزيع المحلية، صعوبات التمويل المستدامة، وتأثير الأزمات السياسية والاقتصادية على اختلاف البلدان. كذلك لا يزال المشهد يعاني من ظاهرة القرصنة وضعف البنوك المحلية الداعمة لصناديق الإنتاج. بالمحصلة، أرى تقدمًا حقيقيًا ومثيرًا: صناعة أقرب إلى النضج، مع مزيد من الجرأة في اختيار المواضيع وظهور أنماط جديدة مثل الرعب الإجتماعي والدراما الواقعية ودراما نسوية وصياغات أكثر جرأة لقضايا الهوية. إذا واصلت الدول والمؤسسات دعمها للفن والموهوبين والسرديات المحلية، فالمشهد العربي قادر على أن يتحول خلال السنوات القادمة إلى لاعب له وزنه على الخريطة السينمائية العالمية، مع أسماء وإبداعات جديدة تنبض بالحياة وتعكس حقيقة مجتمعاتنا المتغيرة.

أستطيع أن أقرأ تأثير ممثل واحد على فيلم مثلما أقرأ توقيع رسّام. في رأيي، أكبر اسم أضاف قيمة لا تُنسى للأفلام الأجنبية في العقد الأخير هو الممثل الكوري 'سونغ كانغ-هو'. أداءه في 'Parasite' لم يكن مجرد تجسيد لشخصية؛ بل كان القلب النابض لكل تحوّل في النغمة بين الكوميديا السوداء والمأساة. وجوده جعل الفيلم قادرًا على الانتقال بسلاسة من لحظات الضحك غير المريحة إلى الألم الاجتماعي العميق دون أن يفقد الجمهور إيمانه بالشخصيات. ما يعجبني في ممثلين مثل سونغ هو تاريخه الطويل من التعاون مع مخرجين مميزين؛ هذا يمنحه قدرة نادرة على قراءة النص وتحويله إلى إنسانية محسوسة. بالمقابل، شاهدت تأثير ممثل ياباني مثل هيديتوشي نيشيميجا في 'Drive My Car' وأدركت أن الصمت يمكن أن يكون أداءً قويًا بحد ذاته. أسلوبه الاحتشامي والصامت منح الفيلم طبقة من الحزن والرغبة في الانفجار الداخلي. ولا أستطيع تجاهل من أتى من عالم السينما الأوروبي مثل أنطونيو بنديراس في 'Pain and Glory' الذي جعل المشاهدين يتعاطفون مع شخصية معقدة ومبدّلة بين الذاكرة والخيال. في النهاية، الممثل الذي يضيف قيمة حقًا هو من يحوّل الكادر إلى تجربة إنسانية لا تُنسى — وهذا ما شاهدته أكثر من مرة خلال العقد الماضي.

أعتقد أن هناك أسماء قليلة قادرة فعلاً على رفع فيلم من مجرد عرض إلى حدث لا يُنسى. عندما تفكّر في 'Oppenheimer'، لا يمكنك تجاهل كيف أن أداء سيليان ميرفي جعل القصة العلمية تتحوّل إلى دراما إنسانية مشدودة؛ حضوره الهادئ والمكثف هو الذي جذب جمهورًا أوسع ونبه من لم يهتم بالتاريخ العلمي إلى أهمية الفيلم. وبالمثل، دور مارجو روبي ورايان غوسلينغ في 'Barbie' لم يقتصر على الأداء فقط، بل امتد إلى لغة بصرية وحضور تسويقي جعل الفيلم يتصدّر المحادثات اليومية. الطريقة التي تفاعلا بها مع الإعلام والـ memes جعلت الفيلم يصل لأشخاص لم يكونوا ليشاهدوه لو لم يكن الثنائي موجودًا. أما تيموثي شالامي فنجح في تحويل أفلام مثل 'Wonka' و' Dune: Part Two' إلى مناسبات شبيهة بالموضة والثقافة الشبابية؛ وجوده يجذب جمهور الشباب ويحوّل عرض الفيلم إلى حدث اجتماعي. لا أنسى أيضًا أسماء مثل إيما ستون في 'Poor Things' التي أعطت الفيِلميّة بعدًا غريبًا ومثيرًا، أو كي هيو كوان وميشيل يوه في فيلم سابق جعلت الانتباه يتحوّل نحو التفرد والجوائز. في النهاية، الممثل الجيد لا يكتفي بتجسيد الشخصية، بل يضيف للّغة البصرية للفيلم ويخلق حوارات وشغفًا حوله، وهذا ما يميّز الأفلام التي تظل عالقة في الذهن بعد انتهاء الشارة.

كنت أتابع الموسم الجديد وكأنني أبحث عن علامات تبشّر بتشكيلة من نجوم المستقبل، وصدمت بقدرة بعض الوجوه الشابة على فرض حضور قوي من أول مشهد. أول اسم يطفو على بالي هو 'بيلا رامزي' في 'The Last of Us'؛ مشاهدها تحمل توازنًا نادرًا بين فطرية الطفولة وقساوة التجارب، وهي لم تُقدّم دورًا تقليديًا بل صنعت شخصية معقدة تتأرجح بين زهو المبادرة وهشاشة الألم. الموقف الذي تسبّبت فيه بالتعاطف كان محركًا للمشهد بأكمله، وأحببت كيف استخدمت لغة الجسد أكثر من الكلمات لتقنع المشاهد. ثانيًا، 'آيو إديبيري' في 'The Bear' قدّمت درسًا في التنقّل بين الكوميديا والدراما دون أن تبدو مشكلة التبديل مصطنعة. هي تجلب وتيرة سريعة وحسًا عصابيًا محببًا مع رُشقات إنسانية تجعل كل لحظة قابلة للتصديق. أما 'بول ميسكال' في 'Aftersun' فكان مثالًا على الأداء الذي يهمس بدلًا من الصراخ؛ دقّته في التفاصيل وعمق الحزن الذي يحملانه في العينين جعلاني أعود للمشهد أكثر من مرة. أحب مثل هذه الانتقالات في صناعة السينما والتلفزيون، حيث الوجوه الجديدة لا تكتفي بالبروز بل تقطع اختصار الطريق إلى القلوب. هذه المواهب تذكّرني أن الأفضل قد يكون أمامنا، وأن متابعة أعمالهم القادمة ممتعة بقدر ما هي مليئة بالفضول.

كثيرًا ما أعود لأفلام القاهرة القديمة لأبحث عن الأم المصرية كما صوّرتها الشاشة، وأتفحّص كيف تقاطعت التمثيلات مع السياسة والمجتمع والاقتصاد عبر عقود. في أفلام الخمسينيات والستينيات كانت الأم غالبًا تُقدّم كرمز للتضحية والعطف بلا حدود: ضوء ناعم على وجهها، موسيقى حزينة عند لحظات معاناتها، وحوارات تُركّز على صبرها وصمودها. هذه الصورة خدمت سردًا وطنيًا كان يحتاج إلى رمز استقرار داخل البيت بينما تتغير خارجه الحياة السياسية. مع دخول السينما في موجات مختلفة، تحوّلت الأدوار. في بعض الأعمال الاجتماعية والواقعية بدأت الأم تُرى كبشرة تحكي صراعات الطبقات، كأم ريفية تُجابه الحداثة أو كأم عاملة تعبث بها الضغوط الاقتصادية. وحين تعالج الأفلام قضايا زواج وطلاق وقوانين الأسرة، يصبح دور الأم مشحونًا بأبعاد قانونية وأخلاقية، ليس فقط كرمز للطيبة ولكن كطرف له مطالب وآلام. لا يمكنني أن أغفل أيضًا كوميديا الأفلام التي عرضت الأم كـ'كبيرة العيلة' صارمة أو حسنة النية، وأدوار الحماة التي كانت جزءًا من التراث السردي. على مدار القرن، كان ما يغيّر الصورة ليس فقط المخرجون والممثلون ولكن التحولات الاجتماعية: نُشوء الطبقة الوسطى، التعليم للنساء، وسياسات الدولة. أمّي السينما المصرية تبقى مزيجًا من أسطورة التضحية ومرآة للتناقضات، وأحبُّ كيف تتبدّل هذه المرآة وتكشف لنا شيئًا عن المجتمع كلما عدنا إليها.

أغوص دائمًا في أداء الممثلين الذين يعطون للشاشة وزنًا خاصًا، ومأمون الرفاعي بالنسبة لي واحد من هؤلاء الذين تظهرهم اللقطات بقيمة إضافية. في السينما، قدّم مأمون طيفًا واسعًا من الأدوار التي تتراوح بين الشخصيات الأبوية والسلطوية إلى الرجال المكسورين والمتأملين. شخصيته الصوتية وحضوره الفيزيائي ساعداه على تجسيد زعماء محليين وضباطًا ومسؤولين بواقعية تجعل المشاهد يصدقهم فورًا. مع مرور الزمن تطورت أدواره من شاب يميل إلى العلاقات الإنسانية ثم إلى أدوار ناضجة تمنح العمل عمقًا دراميًا. كما أنه كان غالبًا وجهًا قويًا في المشاهد الداعمة — أدوار ثانوية لكنها مؤثرة تسرق المشهد بمفردها. أستمتع خصوصًا حين يلعب شخصية تملك تناقضات داخلية: رجل يبدو عنيفًا لكنه يحمل ضعفًا خفيًا، أو قائد ظاهر له صرامة لكنه يتألم سرًا. هذه التناقضات تظهر قدرته على التفاصيل الدقيقة في الأداء. لا أنسى أن حضور مأمون في الأفلام يشعرني دائمًا أنه جزء من نسيج المجتمع الذي تُعرض عنه القصة، سواء في أعمال اجتماعية أو تاريخية. هو ليس دائمًا البطل التقليدي، لكنه بالتأكيد العنصر الذي يثري العمل ويمنحه ثقلًا ومصداقية؛ وهذا ما يجعلني أتابع أعماله بشغف كل مرة.