¿La Crítica Valoró Duro De Matar 4 Por Su Acción?

Una de las cosas que más me dejó pensando fue cómo «Duro de Matar 2» expande la escala del original sin perder el pulso del protagonista. He visto la película con ojos de fan y con ojos críticos, y lo que más valoran los críticos es esa combinación: espectáculos de acción grandes y bien montados, pero con una tensión que nunca se desvanece porque todo gira alrededor de una amenaza creíble —aviones que no pueden aterrizar— y un héroe que sigue siendo humano. Eso hace que los momentos más salvajes tengan peso emocional. Además, el ritmo y la estructura ayudan mucho. Los set pieces están pensados para ir subiendo la apuesta, hay claridad espacial en el montaje (sabes siempre dónde están los personajes y qué riesgo corren), y la mezcla de humor y peligro mantiene el interés. Terminé la sesión con la sensación de haber asistido a una película que entiende muy bien su propio lenguaje y eso siempre seduce a la crítica.

Me sorprendió cómo en España se mezclaron elogios y quejas alrededor de «Duro de matar 4.0»; la película llegó como un blockbuster moderno que actualizaba a John McClane al mundo digital, y eso encendió muchas discusiones. Gran parte de la crítica española reprochó que el film sacrificaba la tensión y el suspense por escenas de acción cada vez más grandilocuentes: se habló de un guion lleno de lugares comunes, diálogos previsibles y villanos poco profundos que funcionan más como arquetipos que como amenazas creíbles. La trama centrada en el ciberterrorismo también recibió palos por simplificar y convertir la tecnología en un argumento de escaparate, con mucho tecnobable y soluciones demasiado cinematográficas. Al mismo tiempo, no todo fue negativo: se reconocieron montaje rápido, set pieces bien ejecutadas y el carisma incuestionable de Bruce Willis, que sigue sosteniendo al personaje aunque el entorno cambie. Algunos críticos comentaron que la dirección visual tenía más músculo que alma, y que la película funciona si la tomas como cine de palomitas en lugar de un thriller psicológico. En salas españolas hubo buena afluencia de público, lo que reflejó que, pese a los reparos de la prensa, mucha gente disfrutó el espectáculo. Para terminar, mi sensación personal es que «Duro de matar 4.0» es entretenida cuando bajas las expectativas narrativas: es un remake de la fórmula clásico-acción con estetización moderna, y en España eso dividió a la crítica entre quien valora la renovación y quien echa de menos la crudeza de las entregas iniciales.

Lo que más me atrapa de «Duro de matar» es cómo consigue ser cine de acción puro sin renunciar a la inteligencia narrativa. Yo, con cuarenta y tantos y una colección de VHS y ediciones en blu-ray que atestiguan mis obsesiones, sigo volviendo a esa mezcla perfecta: un guion que no se pierde en fuegos artificiales, una dirección que respira (gracias, John McTiernan) y actuaciones que elevan el material, sobre todo la frialdad elegante de Alan Rickman frente al desgaste humano de Bruce Willis. La construcción del edificio Nakatomi como un personaje más, la progresión de la tensión y el manejo del espacio confinado son detalles que, en conjunto, armonizan la adrenalina y la verosimilitud. En España la crítica suele valorar «Duro de matar» por esa combinación: es cine popular pero trabajado con oficio. Aquí hubo un momento cultural en los ochenta y noventa en el que la crítica agradeció los filmes que no trataban al público como tontos, que sabían equilibrar espectáculo y estructura. Además, el filme encaja con una sensibilidad europea que aprecia el pulso narrativo y la economía de recursos —no hace falta un millón de localizaciones cuando puedes tensar una historia en un solo edificio—. Al final me sigue gustando porque no se queda solo en la hazaña técnica; hay humor, desgaste emocional y una villanía con matices. Esa mezcla es la que convierten a «Duro de matar» en algo más que una película de acción para muchos críticos españoles, y por eso la tratan con respeto y cariño.

Siempre me ha llamado la atención cómo las películas de acción modernas tratan de meter amenazas tecnológicas sin profundizar demasiado en la psicología del villano. En «Duro de matar 4» la motivación del antagonista queda esbozada de forma clara pero funcional: es un experto en sistemas que conoce las vulnerabilidades de infraestructuras críticas y decide explotarlas para demostrar cuán frágil es todo. La película presenta esa idea con el famoso término de la trama —el “apagón” o el ataque en cadena a servicios— y eso basta para entender su objetivo operativo. Sin embargo, la cinta no dedica muchas escenas a explorar por qué ese personaje llegó a ese punto emocionalmente; más bien lo usa como motor para la acción. Hay destellos de resentimiento versus instituciones y delirio de grandeza tecnológica, pero nunca se convierte en un villano con una biografía compleja. A nivel de personajes secundarios, la motivación es todavía más simple: compañeros y mercenarios actúan por dinero, lealtad profesional o supervivencia. Eso funciona para mantener el ritmo, aunque personalmente me hubiera gustado una capa más humana que hiciera la amenaza más inquietante. En definitiva, la explicación está ahí en lo práctico, pero no en lo íntimo; la película prefiere la adrenalina a la introspección, y a mí me dejó con ganas de saber más sobre los porqués internos del antagonista.

No esperaba encontrarme con un cambio tan extremo entre ambas películas cuando hice el maratón de la saga; «Duro de Matar 4.0» se siente como otra bestia frente al clasicazo que es «Duro de Matar». En el original la tensión es contenida y precisa: un solo edificio, un villano elegante, y la sensación constante de asfixia emocional y física. Todo gira alrededor de la supervivencia inmediata y del ingenio, con escenas que funcionan porque son compactas y eficientes, casi como un thriller en tiempo real. En contraste, «Duro de Matar 4.0» expande el tablero hasta convertirlo en un ataque a la infraestructura nacional. El enemigo deja de ser un ladrón con estilo para ser una amenaza digital, algo que golpea las redes eléctricas, los sistemas de tráfico y la vida conectada de millones. Eso cambia el ritmo: menos suspense íntimo, más secuencias de acción épica, persecuciones por carretera y explosiones a lo grande. También se nota a un John McClane distinto; sigue siendo ingenioso y gruñón, pero ahora su vulnerabilidad se expresa de otra manera —no tanto atrapado en un edificio, sino como un pez fuera del agua frente a la tecnología moderna. Técnicamente hay más efectos y montaje acelerado en la versión 4.0, lo que puede dividir a los puristas del cine de acción clásico. Aun así, me parece que ambas funcionan si las tomas por lo que son: la original, un ejercicio de tensión y sangre fría; la cuarta entrega, una adaptación al miedo contemporáneo por el que dependemos de sistemas que no vemos. Para disfrutar, conviene bajar expectativas distintas y dejarse llevar por el tipo de adrenalina que cada una ofrece.

Me pongo nostálgico al recordar las cintas de Van Damme y cómo, en las tardes de VHS, se sentía casi imposible separar al tipo que pateaba en pantalla de la figura pública que vendía ese mito. Yo vi a los críticos aplaudir su entrega física desde los inicios: en «Bloodsport» y «Kickboxer» era difícil que la prensa no reconociera la valentía de las coreografías y el entrenamiento brutal que había detrás. Al mismo tiempo, muchos analistas se mostraron severos con los guiones, la dirección y su limitada expresión dramática; esa dicotomía siguió marcando su carrera. Más adelante, con películas como «Universal Soldier» y sobre todo «Timecop», la crítica mainstream alternó entre disfrutar del espectáculo y lamentar la fórmula repetida. Pero la sorpresa crítica llegó con «JCVD»: ahí algunos reseñistas cambiaron el tono y empezaron a valorar su autoconciencia y capacidad para ironizar con su propia imagen. Personalmente pienso que su legado crítico es híbrido: respetado por la entrega física y la influencia, cuestionado por la falta de papeles bien escritos, y finalmente redimido en momentos de honestidad frente a la cámara.

Me encanta cómo la música empuja cada escena en «Duro de Matar 4», y lo digo desde el sillón como alguien que todavía disfruta de la adrenalina pura del cine de acción. Marco Beltrami arma aquí una mezcla bastante moderna: percusión contundente y sintetizadores que le dan ese pulso digital a las secuencias de hacking, y se apoya en cuerdas y metales para los momentos más heroicos de McClane. En escenas de persecución la banda sonora funciona como un acelerador: no solo marca el ritmo, sino que dirige la sensación de urgencia. Hay pasajes donde el score se sincroniza con los cortes de montaje y con los efectos de sonido, y eso hace que las explosiones y maniobras parezcan más rápidas y afiadas. No todo es perfecto; en algunos tramos la música puede sentirse un poco invasiva, compitiendo con el sonido diegético en lugar de sostenerlo. Aun así, creo que el enfoque contemporáneo le sienta bien a la película: actualiza la franquicia sin borronear lo que ha funcionado antes. En lo personal, salí con la sensación de que la música convirtió varias escenas buenas en escenas realmente memorables.

Me encanta cuando una película clásica se mantiene en el radar de las plataformas, aunque con «Duro de Matar 4» la situación en España suele ser bastante fluctuante. En los últimos años la película ha aparecido de maneras diferentes: a veces se integra en la oferta de algún servicio de suscripción completo y otras veces sólo está disponible para alquiler o compra digital. Por lo general, títulos de 20th Century (ahora bajo el paraguas de Disney) tienden a aparecer en el catálogo de Disney+ dentro del hub Star, así que ese es un buen lugar donde fijar la vista si buscas verla sin coste extra más allá de la suscripción. Si no la encuentras incluida en ninguna suscripción, casi con seguridad la verás disponible en tiendas digitales como Amazon Prime Video (alquiler/compra), Apple TV, Google Play o Rakuten TV. También he visto que Movistar+ la incorpora de vez en cuando dentro de sus canales o paquetes de cine. En mi experiencia, lo más práctico es comprobar primero Disney+ y Movistar+ y, si no aparece, tirar de alquiler digital; así evitas perder tiempo y puedes verla esa misma noche. Personalmente disfruto revisitarla en streaming con palomitas y sin complicaciones, aunque siempre con la expectativa de que volverá a moverse entre plataformas más adelante.

Me sorprendió cuánto se habló de «El irlandés» en la prensa española cuando llegó; no fue un golpe uniforme de alabanzas, pero sí hubo consenso en que era una película importante. En mi lectura de varios artículos y críticas, muchos periodistas la situaron como una obra destacada dentro de la filmografía tardía de Scorsese: el oficio, la ambición narrativa y la elegía sobre el paso del tiempo resonaron fuerte en medios grandes y especializados. No obstante, no puedo fingir que todo fueron vítores. Vi opiniones que la llamaban obra maestra y otras que, sin negarle méritos, la criticaban por su ritmo dilatado, su tratamiento frío de los personajes y el uso polémico del «de-aging». En España hubo debates sobre si su tamaño (más de tres horas) justificaba cada minuto; para ciertos críticos era un ejercicio monumental, para otros una acumulación de grandes momentos que no siempre suman. Al final, yo me quedé con la sensación de que sí fue valorada como una gran película por buena parte de la crítica española, aunque no de forma unánime como “obra maestra” inapelable. Fue tratada como un acontecimiento cinematográfico que merecía discusión, y personalmente creo que ese reconocimiento crítico es justo incluso con las reservas que algunos señalaron.