¿Quién Coreografió 'Que Rico' Para El Challenge?

Esta noche la coreografía que enseñan en la fiesta mezcla pasos de reguetón con toques de salsa y funk, y te atrapa de inmediato. Yo me encontré guiando a un grupo variado: hay quien viene con dos pies izquierdos y quien ya trae ritmo incorporado, pero la rutina está pensada para que todos se enganchen. Empieza con un conteo de ocho sencillo —paso lateral, toque, paso atrás con cadera, y un giro pequeño— que luego se encadena con un movimiento de brazos muy marcado para dar esa sensación de energía. Los bailarines usan palmadas y chasquidos para marcar los compases y ayudan con indicaciones verbales para los cambios. Lo que más me gustó es cómo alternan momentos de libertad con secciones sincronizadas; hay un bloque de “todos iguales” que hace que la pista se vea compacta, y luego se suelta en una especie de freestyle donde cada quien añade su sello. Al final, la coreografía cierra con una pose grupal que funciona como remate, y yo salí con ganas de repetirla en la próxima reunión.

Me atrapó el ritmo y la voz en cuanto empezó el videoclip, y al instante supe quién estaba al frente: es Marc Anthony quien canta «que rico». Su timbre le da a la canción ese sabor salsero y caliente que esperaba, la producción del video realza ese carisma con planos cercanos y mucha energía en las escenas de baile. Se nota que la interpretación es de alguien con trayectoria: la frase «que rico» suena juguetona y poderosa al mismo tiempo, y él la lleva con naturalidad. No solo es la voz, sino cómo la cámara y la puesta en escena acompañan cada nota; por eso, cuando veo ese videoclip me quedo con la sensación de fiesta y nostalgia tropical, algo que Marc Anthony domina sin esfuerzo.

Me flipa ver cómo una expresión tan sencilla como «qué rico» se ramifica por toda España en formas que suenan distintas según la mesa, la ciudad o la generación. En mi casa se usan un montón de versiones afectuosas: «está para chuparse los dedos», «de rechupete» o «está buenísimo». Cuando quiero exagerarlo en plan festivo digo «pa' morirse» o «de muerte», que son hiperbólicas pero comunes en encuentros de familia. En platos más formales tiro de «delicioso» o «exquisito», que suenan más de restaurante pero funcionan. También noto el uso en sentido no solo gastronómico: «qué rico» sirve para decir que algo o alguien resulta muy atractivo o placentero, y ahí aparecen variantes como «qué bueno» o «qué sabroso». Al final, lo que me encanta es cómo una misma idea se adapta al contexto y al tono: una expresión simple, mil matices, y siempre con ganas de repetir plato.

Me fascina ver cómo un grito colectivo puede convertirse en herramienta artística y emocional en un concierto. He asistido a montones de shows y he notado que coreografiar los oles no es solo una cuestión de espectáculo: es una táctica para modular la energía del público. Cuando el artista pide o dirige un ole en un momento concreto, está marcando el ritmo emocional del recinto; sube la adrenalina, crea un clímax y da a la canción un punto culminante memorable. Además, un ole sincronizado hace que la gente se sienta parte de algo mayor, una comunidad que comparte el mismo impulso en el mismo segundo. También hay un componente visual y práctico: desde el escenario se ven los patrones de luz y movimiento que el equipo quiere capturar para las cámaras o las fotos del público. Un público que coreografía sus olés genera imágenes potentes y uniformes que, a su vez, alimentan redes sociales y la mitología del concierto. En definitiva, es espectáculo y solidaridad en un solo gesto, y siempre me deja con la piel de gallina.

Me llamó la atención desde el primer beat cómo abren con los puños extendidos y lo mantienen como motivo visual a lo largo de todo el videoclip de «Puños Fuera». La coreografía en sí mezcla golpes sincronizados de brazo con pasos cortos y contundentes: los bailarines hacen series de punches hacia adelante y hacia arriba marcados en los tiempos fuertes, seguidos de islas de desplazamiento donde el grupo rota en formaciones en V. Hay momentos de contacto visual directo con la cámara, lo que hace que el gesto de sacar los puños se sienta casi como un reto compartido con el espectador. Además incorporan pequeñas secuencias de hip hop callejero, con popping sutil y acentos de torso que contrastan con los golpes de brazo. El clímax viene con una ruptura rítmica donde la percusión baja y los puños se amplifican en cámara lenta para terminar en una pose congelada. Me quedé con la sensación de que cada puño no solo es un movimiento, sino una firma del tema y de la actitud del grupo.

Me encanta recordar cómo la danza en «West Side Story» llegó a ser casi otro personaje dentro de la película: el responsable principal de esas coreografías inolvidables fue Jerome Robbins. Él no solo imaginó los pasos; creó todo un lenguaje corporal para las pandillas, mezclando ballet, jazz y movimientos callejeros que comunicaban tensión, deseo y territorialidad sin casi necesidad de diálogo. Las escenas del gimnasio y números como «America» o el famoso enfrentamiento en la calle llevan su sello: precisión, dramatismo y un sentido cinematográfico del espacio que todavía corta el aliento. Recuerdo la primera vez que vi cómo los cuerpos ocupaban el escenario en bloque, con entradas y salidas casi arquitectónicas; eso es Robbins. Su formación en ballet y su experiencia en Broadway le permitieron construir secuencias teatrales que, al filmarlas, se transforman en piezas visuales perfectas para cámara. Además, la cooperación con el director y con la orquesta permitió que la música de Leonard Bernstein y la coreografía se miraran de frente, generando momentos que ya forman parte de la historia del cine musical. En mi opinión, decir que Robbins solo puso pasos sería quedarse corto: reinventó la manera de contar una pelea, una fiesta o un cortejo a través del movimiento. Por eso, cuando veo esas escenas, siempre termino maravillado por la claridad dramática que aportó, y por cómo su trabajo sigue inspirando a coreógrafos y cineastas hoy en día.

Me flipa la energía que tiene esa coreografía; cuando la escucho se me acelera el pulso y quiero moverme ya. Lo primero que hago es conseguir el mejor video posible: busco la versión más clara en YouTube o TikTok, y la pongo en mi teléfono para poder repetirla sin líos. Luego la divido en secciones cortas, de 8 tiempos o incluso de 4, y trabajo una sección por sesión. Así no me saturan los movimientos y puedo memorizar el patrón rítmico. Después practico en espejo y a cámara: el espejo me ayuda con la simetría y la postura, y grabarme me muestra detalles que no noto en el momento. Uso apps para ralentizar el clip al 75% o al 50% cuando hay pasos rápidos o transiciones complicadas. También hago drills de pies y brazos aislados para solidificar cada parte antes de juntarlas. Por último, cuido el cuerpo: caliento antes, hago ejercicios de core y estiramientos, y descanso si noto fatiga. Si es una coreografía con otra persona (tu "daddy" o pareja), coordina tiempos y espacios con él, practiquen lento y suban la velocidad juntos. Con paciencia y repetición, todo encaja; a mí me funciona y me divierto cada sesión.

Me resulta fácil imaginarla repitiendo pasos en estudios de madera y espejos; según lo que he leído y oído en entrevistas, Miranda Garrison se formó sobre todo en estudios de danza y en el ambiente de los rodajes, donde pulió sus coreografías combinando técnica clásica y baile popular. Pasó horas practicando ballet y jazz para tener una base sólida, y complementó eso con entrenamiento en ritmos latinos y sociales, lo que explica la mezcla de elegancia y calor en sus piezas. Además, aprendió muchísimo trabajando codo a codo con otros coreógrafos en set, y esa experiencia práctica —hacer las coreografías para cámara, adaptar movimientos a planos y actores— fue clave para su estilo. Si piensas en películas como «Dirty Dancing», verás esa convergencia entre estudio y set: técnica formal trasladada al lenguaje cinematográfico. En mi opinión, su formación no fue solo una escuela, sino una suma de estudios, maestros y mucha práctica en contacto directo con la industria, y eso se nota en la precisión y el sentido dramático de sus coreografías.

Me intriga esa pregunta porque 'baile de la victoria' puede significar muchas cosas dependiendo del contexto, y yo suelo pensar en cómo la cultura popular reutiliza pasos sin que haya un único autor. En los últimos años, muchos de los llamados 'baile de la victoria' no nacen de un coreógrafo tradicional sino de creadores individuales o equipos técnicos: por ejemplo, el gesto del 'Floss' se hizo viral gracias a Russell 'Backpack Kid' Horning, mientras que otros movimientos virales como el 'dab' vienen de la escena del hip-hop de Atlanta y de artistas como Migos y Skippa Da Flippa. En videojuegos y transmisiones, las celebraciones suelen salir del estudio de animación o ser licenciadas de creadores independientes. Así que, si la pregunta va a lo puntual, la respuesta corta es que no hay un único coreógrafo universal del 'baile de la victoria'; hay muchos autores según la canción, el videojuego o el evento. Personalmente me encanta rastrear esos orígenes porque muestran cómo la cultura se construye entre fans, jugadores y creadores espontáneos.