¿Qué Influencias Muestra Alarum En Su Música?

Me fascina cómo Alarum transmite una mezcla extraña de precisión y calor humano desde el primer compás. Yo percibo a Alarum como una banda que toma la vertiente técnica del metal y la sazona con toques de jazz, groove y progresión poco ortodoxa. En comparación con bandas estrictamente técnicas como «Necrophagist» o «Spawn of Possession», Alarum suele respirar más: hay espacio para grooves pegajosos entre los riffs intrincados y para secciones que suenan más ‘orgánicas’ que robóticas. Eso no significa menos virtuosismo; al contrario, los pasajes instrumentales muestran una técnica enorme, pero con énfasis en el pulso y el fraseo. Además, su enfoque compositivo me parece distinto: en vez de apilar solo complejidad, juegan con dinámicas, cambios de tempo y momentos que invitan a mover la cabeza en lugar de solo admirar la ejecución. En vivo esto se nota mucho y les da una personalidad propia dentro del espectro del metal técnico y progresivo. Yo, personalmente, disfruto esa mezcla porque suena humano y desafiante al mismo tiempo.

Nunca me canso de encontrar melodías escondidas en sus páginas. He notado que la música no es solo un tema pasajero en la vida de Bryan, sino una brújula que orienta su narrativa: sus frases tienen cadencia, sus descripciones funcionan como compases y algunos pasajes parecen escritos pensando en un tempo concreto. A menudo usa repeticiones como si fueran estribillos, y hay imágenes recurrentes —grabaciones antiguas, estaciones de radio, vinilos— que actúan como leitmotiv a lo largo de su obra. En lo personal, eso me atrapa porque leerlo se siente casi como escuchar un disco: hay subidas, bajadas, silencios intencionales y momentos de catarsis sonora. Me parece que su biografía musical se derrama en su escritura y le da una coherencia emocional que pocas veces veo en autores que no vienen de un trasfondo sonoro. Termino con la sensación de haber leído una playlist hecha cuerpo literario.

Recuerdo la primera vez que escuché un poema de «Cantares Gallegos» convertido en canción en una sobremesa familiar; la sensación fue de algo antiguo que volvía a latir con fuerza. Rosalía no sólo escribió versos hermosos, también legitimó el gallego como lengua digna de la creación cultural, y eso abrió la puerta a que músicos y comunidades los tomaran como materia prima. Muchas de esas estrofas, cargadas de imágenes del mar, la montaña y la emigración, se adaptan de forma natural a melodías sencillas y profundas. Con el paso de las décadas, esos poemas alimentaron repertorios de cantos populares, arreglos corales y baladas para guitarra o gaita. En fiestas y reivindicaciones culturales he escuchado versiones que van desde arreglos tradicionales a interpretaciones más contemporáneas: la base emotiva del texto se mantiene, pero la instrumentación puede pasar de la pandeireta a sintetizadores. Creo que ese puente entre palabra y música es la mayor herencia de «Cantares Gallegos»: ofrecer letras con ritmo y sentido que sirven tanto para una ronda en el bar como para un concierto más elaborado. Esa mezcla de raíz y adaptabilidad me parece lo que sigue manteniendo viva la influencia hoy.

Me encanta cómo suena Alarum en su etapa actual; su formación se ha asentado en una alineación compacta y muy enfocada al rendimiento técnico. En los directos y en estudio suelen aparecer cinco piezas fundamentales: un vocalista que se encarga de las partes agresivas y, en ocasiones, de pasajes más limpios; dos guitarristas (uno más orientado a solos y melodías, otro al ritmo y texturas); un bajista que ancla las armonías y juega con líneas complejas; y un baterista con mucha presencia rítmica y técnica. He seguido sus conciertos y grabaciones durante años, y lo que más me llama la atención es cómo cada miembro aporta espacio para los demás sin saturar el sonido. En algunos tours traen músicos invitados o sustitutos puntuales, pero la estructura base sigue siendo esa: voz, dos guitarras, bajo y batería. En definitiva, la formación actual de Alarum funciona como un bloque sólido donde la técnica no mata la canción; se nota la sinergia entre los instrumentos y esa mezcla me termina convenciendo en cada escucha.

Me resulta fascinante cómo alexandro no se queda en una sola etiqueta: su música huele a ciudad, a radio antigua y a playlists nocturnas al mismo tiempo. Yo tengo poco más de veinte años y me encanta detectar en sus temas ecos de reggaetón contemporáneo y trap, pero también pasajes donde asoma el soul y el R&B en las progresiones de acordes y en la manera en que sostiene las notas. Hay beats electrónicos con percusiones sincopadas que recuerdan al hip hop alternativo, y momentos más íntimos donde aparecen guitarras acústicas y arreglos que parecen inspirados en la trova o el indie folk. A nivel vocal, juega con el fraseo propio del canto urbano—raps melódicos y estribillos pegajosos—pero los matiza con falsetes y coros que le dan textura. Además, percibo influencias de la música latina más clásica: patrones rítmicos que coquetean con la cumbia y pequeños toques de salsa en la instrumentación; no es una recreación fiel, sino una reinterpretación moderna. En producción utiliza capas de sintetizadores atmosféricos y efectos lo-fi que acercan algunas canciones al post-downtempo o al chillwave. En conjunto, eso crea un sonido híbrido: visceral y pulido, popular pero con pulgas de autor. Me gusta cómo cada tema revela una influencia distinta sin perder coherencia; es música que abre la playlist y también invita a escuchar con atención.

No esperaba que un disco me hiciera repensar a la banda como lo hizo «su último álbum». He leído muchas reseñas y, en general, los críticos coinciden en que aquí hay una mezcla de virtuosismo técnico y corazón: elogian la precisión instrumental —batería y bajo que parecen jugar al ajedrez con la guitarra— y al mismo tiempo destacan pasajes sorprendentemente emotivos que rompen con la frialdad que a veces acompaña a la música demasiado cerebral. Algunos comentarios apuntan a la producción, que describen como nítida pero con espacio para la suciedad orgánica; otros subrayan la valentía compositiva, esa tendencia a explorar time signatures inusuales sin perder la melodía. No faltan voces que critican la accesibilidad: para varios críticos el álbum exige varias escuchas y paciencia, pero lo colocan como un trabajo que recompensa al oyente que se entrega. Personalmente, me dejó con la sensación de que la banda ha crecido sin traicionarse, y que este disco será de esos que vuelves a poner cuando buscas algo que te rete y te conmueva al mismo tiempo.

No dejo de recordar conversaciones con colegas cuando surge el tema de Shakira: muchos músicos la mencionan como un ejemplo vivo de cómo mezclar tradición y modernidad sin perder identidad. En mis años tocando en bares y haciendo arreglos, he notado que lo que más admiran es su capacidad para tomar ritmos folclóricos —cumbia, vallenato, elementos árabes— y colocarlos en estructuras pop que suenan actuales en cualquier país. Esa mezcla no es casual; es fruto de una curiosidad musical enorme y de un oído para las texturas rítmicas que hace que un guitarrista como yo quiera rehacer sus progresiones para encontrar ese mismo balance entre nervio y melodía. Además, muchos compañeros resaltan su enfoque vocal: esa combinación de registros, pequeños quebrados y una energía casi percutiva cuando canta frases rítmicas, que obliga a la batería y al bajo a responderle. He reescrito partes simplemente imitando su manera de acentuar las sílabas porque le da punch a la canción. Y fuera del sonido, los músicos valoran su inteligencia para elegir colaboradores y productores, lo que le permitió saltar a mercados distintos y, a la vez, reforzar su voz artística. Veo en la trayectoria de Shakira una hoja de ruta para quienes quieren conservar raíces mientras experimentan con electrónica, reguetón o pop global. Hay un aspecto humano que igual pesa en las charlas: su presencia en el escenario y su trabajo con la danza. Para mucha gente en bandas, eso marca la diferencia entre un buen concierto y un recuerdo que perdura. No solo es cantar bien; es construir momentos donde el arreglo, la coreografía y la atmósfera se retroalimentan. Y por último, no puedo obviar la influencia social: varios músicos más jóvenes reconocen que Shakira abrió puertas para artistas latinos —sobre todo mujeres— al demostrar que se puede ser auténtica y, al mismo tiempo, llenar estadios en todo el mundo. A mí me inspira ver cómo alguien mantiene una visión artística clara mientras se adapta sin perder la esencia; me dan ganas de arriesgar en mis propios proyectos y de buscar esa misma mezcla de raíz y exploración sonora.

Me flipa ver cómo se transforma la sala cuando suena el tema que abre el set; ese primer riff siempre marca el tono y los fans lo saben. En los conciertos de alarum la gente destaca sobre todo cuatro tipos de canciones: la que abre, la que hace saltar el mosh pit, la pieza técnica donde se lucen los solos y la balada o cierre emotivo que todos cantan. Esa primera canción suele traer riffs potentes y un tempo que invita a moverse, perfecta para calentar la multitud. Luego están los cortes técnicos, esos que parecen complicados en estudio y en directo se vuelven una demostración de virtuosismo: la batería más compleja, cambios de compás y duetos de guitarra que la peña aclama. En mis conciertos favoritos, cuando llega esa canción, el público contiene el aliento entre compás y compás y estalla en aplausos al terminar. Finalmente, los momentos más recordados son los coros masivos y los temas que bajan un poco las revoluciones para generar empatía: la gente canta cada palabra y salen las linternas o los móviles. Para mí, esos contrastes son lo que hacen que un set de alarum sea redondo y memorable.

Nunca imaginé que un western pudiera sentirse a la vez tan clásico y tan dispuesto a desmontar sus propias leyes; «Sin perdón» lo hace con una precisión que me sigue golpeando años después. Yo veo en la película una mezcla clara de influencias: por un lado, la herencia del western clásico —la idea del pistolero legendario, los pueblos polvorientos, la justicia al margen de la ley— y por otro, la mirada revisionista que comenzó a permear el género en los 60 y 70. Clint Eastwood recoge ecos de directores como John Ford en la construcción del paisaje y la iconografía del Oeste, pero también está muy marcado por la dureza moral y el pesimismo que trajeron Sergio Leone y Sam Peckinpah. Leone aportó la concentración en el rostro, el silencio y la tensión antes del disparo; Peckinpah, la representación cruda y dolorosa de la violencia como algo feo y traumático, no épico. Me atrae cómo «Sin perdón» usa y subvierte los tropos clásicos: el antihéroe envejecido —William Munny— recuerda al pistolero solitario del cine de Eastwood, pero aquí ya no hay glamour en el gatillo; la violencia tiene consecuencias visibles y morales. La figura del sheriff —Little Bill Daggett— invierte el rol tradicional del hombre de ley: no es el guardián del bien idealizado, sino alguien autoritario que impone un orden brutal. La trama incluye los elementos esperados —saloon, apuesta, recompensa por un crimen— pero los transforma en comentarios sobre la mitología del Oeste: las leyendas se venden y se exageran, y la violencia se convierte en espectáculo pagado. Visualmente, la película incorpora primeros planos que recuerdan a Leone, pero también una paleta más sobria y realista, cortes y silencios que hacen que cada disparo resuene más. La elección de ritmo pausado y planos largos obliga al espectador a contemplar el peso ético de cada acción en vez de disfrutar la acción por sí misma. A nivel temático, «Sin perdón» dialoga con la tradición literaria y cinematográfica del Western para preguntar quién escribe la historia y a qué precio: redención, culpa, masculinidad desgastada, memoria y lucro aparecen constantemente. Yo siento que la película critica la glamorización del matón y muestra cómo el mito del héroe oculta heridas y vidas rotas. Además, su enfoque en las repercusiones humanas de la violencia influyó en muchos filmes posteriores que buscaban un western más realista y reflexivo. En definitiva, «Sin perdón» es un puente entre lo clásico y lo crítico, un título que me obliga a replantearme lo que siempre di por sentado sobre el Viejo Oeste y que sigue resonando por su honestidad brutal y su capacidad para desmontar mitos sin perder la belleza del género.

Me fascina la manera en que el surrealismo trastoca lo cotidiano y lo convierte en cine; a veces una escena no tiene que explicar todo para conmover. En mi cabeza, el legado del surrealismo aparece como una caja de herramientas: imágenes oníricas, asociaciones libres, rupturas del tiempo y el espacio, y una ética de la sorpresa que todavía empuja a directores a arriesgarse. Pienso en películas como «Un perro andaluz» y «La edad de oro» que desmontan la narrativa tradicional y muestran que el choque de imágenes puede ser más poderoso que cualquier explicación racional. Trabajo con películas muchas noches y veo cómo esa influencia se filtra en géneros inesperados: los videoclips, la publicidad, algunos thrillers psicológicos y hasta el cine de animación. No es solo estética; es una invitación a pensar en el cine como un lugar para explorar lo irracional, los deseos reprimidos y las metáforas visuales sin pedir permiso. Esa libertad formal cambió la forma de editar, de montar secuencias, de usar el sonido y el silencio. Al final me quedo con la sensación de que el surrealismo enseñó a los cineastas a confiar en lo inquietante y lo inexplicable: a darle la misma importancia a una imagen absurda que a la trama. Eso sigue haciendo del cine un terreno fértil para la sorpresa y la emoción.