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不揃いなリズムと偶然の音の重なりが『雑然』を表現する鍵だと思う。例えば、異なるBPMのドラムループを無理やり同期させたり、フィールドレコーディングで拾った生活音をランダムに切り貼りしたりすると、自然とカオスな空気が生まれる。
『NieR:Automata』のサウンドトラックでは、機械音と生楽器の不協和音が廃墟の世界観を見事に表現していた。あのような意図的な『乱れ』を作るには、まず完成形をイメージせず、実験的な姿勢で音を積み上げていく過程が重要。完成度よりむしろ、素材同士の偶然の化学反応を楽しむ余白が必要だ。
違和感をテーマに作曲してみたら面白いかも。例えば、クラシックピアノの旋律の途中で突然ゲーム機の効果音が割り込むとか、ジャズドラムの上に工事現場のドリル音を乗せるとか。『雑然』は単なる騒音ではなく、異質な要素が衝突した時に生まれる緊張感。むしろ各パートを完璧に演奏しない方が、生きているような臨場感が出せる。
複数のテープレコーダーで別々の曲を同時再生するというインスタレーションを観たことがある。個々のメロディは美しいのに、重なると不可解な調べになる——そんな矛盾を追求するのが良い。DAWのレイヤー機能で、意図的に調性の違う曲を5つほど重ねてみる。そこから不要な部分を削ぎ落とすのではなく、むしろ『耳障り』と感じる周波数を強調していく逆転の発想が効く。
部屋の窓を全開にして街の騒音を録音したことがある。車のクラクション、子どもの笑い声、風で揺れる看板のきしみ——それらを逆再生したりピッチを変えたりしているうちに、なぜか懐かしくも不穏な音景ができあがった。『雑然』の本質は、秩序と無秩序の絶妙なバランスにある。サンプリング技術を使えば、現実の音に少しだけ『ずれ』を加えることで、聴き手の記憶を揺さぶるような音が作れる。
アナログシンセのノイズジェネレーターを最大限活用する方法がおすすめだ。ランダムに発生するホワイトノイズにフィルターをかけ、そこに手書き楽譜で演奏した弦楽器を重ねると、予測不能なのにどこか人間味のあるサウンドが生まれる。『攻殻機動隊』の川井憲次さんがTV版で使っていた、意図的にチューニングを外した琴の音みたいな、人工と自然の狭間を感じさせるアプローチが参考になる。