ジョーカ映画の公開当時の批評は作品評価をどのように左右しましたか？

驚くべき話だけど、'ジョーカー'は商業的にも異例の成功を収めた作品だった。 興行収入は世界で約10.7億ドル（約1.07ビリオン米ドル）に達し、製作費が約5500万ドル前後だったことを考えると投資対効果は非常に高かった。アメリカ国内ではおよそ3億3500万ドル、海外ではおよそ7億400万ドルほどと報告されており、R指定の作品としては史上初めて10億ドルを突破した例として語られている。 どのようにここまで伸びたかを考えると、役者の演技賞の受賞や論争を呼んだテーマ、そしてオリジナルなマーケティングが大きかったと思う。例えば'ダークナイト'と比較するとジャンルや規模は異なるけれど、作品の〝注目度を現金化する力〟という点では共通項があると感じる。個人的には、この数字が示すのは単なる興行成績以上に大衆の関心の方向性だったと思う。

一つの明確な答えを挙げるなら、2019年の映画『Joker』のサウンドトラックはヒルデュル・グズナドッティルが作曲している。僕はこのスコアを最初に聴いたとき、低く唸るようなチェロや不安定な音色が主人公の内面を抉り出す感覚に唸らされた。ヒルデュルはアイスランド出身で、映画音楽の世界で独特のテクスチャー作りに長けている。 彼女の仕事はただの背景音楽ではなく、主人公の感情の道筋を音で示すような役割を果たしていると感じる。実際にこのスコアはアカデミー賞の最優秀作曲賞を受賞していて、その評価は納得できるものだった。音楽単体としても成立する重厚さがあり、映画と切り離して繰り返し聴いてしまうタイプの作品だ。

観た直後から気になって仕方なかったのは、細部に散りばめられた映画的な参照符号だった。『Joker』は単に新しいヴィラン像を作っただけじゃなく、過去の名作へのオマージュで満ちている。まず明白なのは『Taxi Driver』と『The King of Comedy』への言及で、孤独で暴走する人物像やトークショーへの執着がそのまま投影されている点だ。特にトークショーの場面は、演出や構図の選び方で『The King of Comedy』を強く想起させる。 舞台装置の中にも小さなイースターエッグがある。街角の落書きに描かれた“HA HA”や、群衆がかぶるピエロマスクはコミック的なシンボルを現実空間で反復したもので、観客に徐々に“一つの神話”が出来上がる過程を示す。さらに忘れてはいけないのが若き日のブルース・ウェインの登場で、これが作品を単独の社会ドラマにとどめず、より大きな“ゴッサムの物語”へ接続する役割を果たしている。 映像や音楽の選択もイースターエッグの一部で、曲の使いどころやカメラワークに昔の犯罪映画や心理劇へのリスペクトがにじむ。細かい小道具や掲示物に目を凝らすと、監督の影響源が透けて見えて面白い。そうした断片を拾っていくと、映画の見方がどんどん深まるのが嬉しかった。

映画の舞台裏を掘り下げると、'Joker'の撮影は圧倒的にニューヨーク市を拠点に行われたことがわかります。私はこの作品のロケ地について追いかけていて、現地の街並みがあの独特の暗さとリアリズムを生んでいると強く感じました。監督のトッド・フィリップスはゴッサムという架空都市を用意する代わりに、1970〜80年代のニューヨークの寂れた雰囲気を借りて、主人公アーサー・フレックの孤独感や社会との断絶をより生々しく描きたかったのだと思います。 撮影はマンハッタンやブロンクスなどニューヨーク市内の複数の地域で行われ、ストリートや地下鉄、古い建物がそのまま“舞台”として活かされています。有名になった階段のシーンもブロンクスの階段が使われ、多くのファンがその場所を訪れるようになりました。また、一部の外観や街並みのショットはニュージャージー州の都市（例えばニューアーク周辺）でも撮影が行われ、雰囲気作りに寄与しています。屋内の撮影や一部の追加撮影ではロサンゼルスやスタジオが使われたと聞いていますが、作品全体の印象を決定づけているのはやはりニューヨークの“生の街”です。 現地で撮られたことで得られた効果は大きく、朽ちかけた建物や落書き、交通の音といった細部が画面にリアリティを与えています。私は現場写真やメイキング映像を見て、街そのものが一つの登場人物になっていると感じました。撮影期間はおおむね2018年にかけて行われ、寒さや街の雑踏を活かしながら短期間で濃密に撮影が進められたようです。こうしたロケーションの選び方が、観る者に対してただの“スーパーヴィラン誕生物語”以上の、社会的な余韻を残す作品に仕立て上げているのだと思います。 撮影地がニューヨーク市であることは、単に背景がかっこいいというだけでなく作品のテーマやトーンと深く結びついています。現地を訪れたファンがその“現場”を確認し、映像との結びつきを楽しめるのもまたひとつの魅力です。私は今でもあの街の風景が画面に重なるたび、演出とロケーションの妙に唸ってしまいます。

冒頭から幕切れまで反芻してしまう映画で、画面に映るラストは単純な結末ではなく象徴の重なりだと感じる。僕はラストシーンを、単なる出来事の完結ではなく主人公の内面が完全に変容した瞬間として読む。笑いと悲劇が混ざり合い、観る側の倫理感や社会観を映す鏡になる。その意味で『ジョーカー』の終わり方は、彼が“誰か”ではなく“何か”──不満や怒りの代弁者──へと変わる過程を示している。 映画全体に散りばめられた不確かな記憶や空想のモチーフを考えると、ラストもまた事実か夢か判別がつかない。その曖昧さが意図的に残されていることで、観客は単純な勝利や敗北で心を閉じず、社会構造や個人の孤立に目を向けざるを得なくなる。僕はこの曖昧さが最も強烈なメッセージだと思う。 余談になるが、同じように個人的な狂気と社会的な不満を重ねて提示する作品として、'タクシードライバー'を思い出す。だが『ジョーカー』はそこで終わらず、象徴性を強めて観客の想像力を刺激することで、単なるリメイクや模倣を超えた独自性を保っていると感じる。

撮影の語り口が映画全体の感情を決定づけていたと感じる。僕は映像の細部に目を凝らすのが好きで、『ジョーカー』では撮影監督の選んだ画づくりが主人公の内面へとじわじわと観客を引き込む仕掛けになっているのが印象的だった。 まず、被写体との距離感の操作がうまかった。アップを多用して顔の皮膚感や微かな表情の揺らぎを拾い、観客を不安定な感覚に浸らせる。一方で引きの画では街の圧迫感や孤立を見せ、心理と環境を同時に語らせている。色調のコントロールも巧みで、寒色と暖色の対比が主人公の変化を視覚的に補強していた。 さらに、カメラの動きひとつで呼吸を作っていた点も忘れがたい。テンポを変えるためのスローなパンや突発的な手持ちの揺れが、演技と有機的につながり、結果として作品全体のトーンを統一していた。そうした積み重ねが、ただの物語以上の「体験」を生んでいると感じるよ。

余韻の残し方次第で続編は一変すると思う。『ジョーカー』が投げた問い──正気と狂気、同情と恐怖の境界線──その曖昧さこそが続編にとっての宝物になるはずだ。たとえば、前作で語られなかった周辺人物の視点を拾い上げることで、主人公像をさらに揺らがせることができる。観客はつい主人公の内面に寄り添いたくなるが、別の視点を入れることで「本当に見ていたものは何だったのか」を再考させられる。 具体的には、出来事の記憶そのものが信用できない形式を続編に持ち込むと面白い。時間軸を断片化して断章ごとに語り手が変わる構成や、映像美と日常のディテールで観客の同情心を操る手法が考えられる。こうした余白は、説明で埋めずに残すほど力を持つ。観客が想像を巡らせる余地があると、映画は長く語られる作品になる。 あと、自分が特に魅力を感じるのは社会的文脈の掘り下げだ。『タクシー・ドライバー』のように都市の荒廃や孤独が人物を変えていくプロセスを、続編では別の角度から描ける。復讐や暴力がどう伝播するのか、あるいは一度の暴挙が個人にもたらす長期的な代償──そうした余白を丁寧に扱えば、続編は単なる娯楽以上の深みを持てると感じる。結末を完全に説明しないことで、余白が観客の心に残る作品になれると信じている。

画面の隅に寄せられた肖像のようなショットが、観客を主人公の精神へじわりと引き込む仕掛けになっている。僕は特にクローズアップの使い方に惹かれる。ジョーカーの顔のディティール――薄れた唇の震え、瞳の揺らぎ、メイクのはがれ方――を長く写すことで、観客は理屈を超えてその内面の揺れを“読む”ようになる。表情の微細な変化を見せることで同情や不安、共感が累積していくのを感じるんだ。 カメラの動きやフレーミングも重要だ。静かなパンや徐々に寄るプッシュインが、心理的な接近を演出している。長回しやテンポの遅い編集は、観客に時間感覚を共有させ、登場人物の思考の重さを体感させる効果がある。たとえば階段での踊りや地下鉄の場面では、リズムと身体の動きが映像と同期していて、観客はつい彼の視点に立ってしまう感覚を味わう。 また色調や照明も共感形成に寄与している。寒色の沈んだ街と、時折差し込む強い赤や黄色のコントラストは、心情の揺らぎを視覚化する。こうした技法は、観客が単に出来事を追うだけでなく、登場人物の内面に入り込み、良し悪しの判断を揺さぶられるように設計されていると僕は思う。だからこそ映像表現は観客の感情を巧みに操り、見終わったあとも心に残る余韻を作るのだ。