日本で闘牛はどの地域でいつ開催されているのですか？

興味深い問いだ。 昔から闘牛を追っている者として、起源をたどると思っていたよりもずっと複雑だと感じる。まず紀元前の地中海世界にさかのぼると、クレタ島の『トーラソス（牛跳び）』の壁画のような痕跡があり、祭礼や儀式的な身体表現として雄牛が扱われていたことが示唆される。ここでは力と再生の象徴として牛が登場していたと解釈している。 中世を経てイベリア半島では、貴族や市民の間で雄牛と向き合う実践が変容していく。特に近代の形に近づく過程では、17〜18世紀に闘牛の形式化が進み、技巧化された見世物へと移り変わった。そうした変化を見ていると、祭礼的な側面と娯楽性、技術の伝承が重なり合って今の姿になったんだと感じる。

昔から闘牛の衣装はただ派手なだけじゃないと感じている。見た目の華やかさはもちろんだが、その一つひとつに歴史と役割が染み込んでいるからだ。 まず中心になるのが『traje de luces』と呼ばれるいわゆる灯りの衣裳だ。金糸や銀糸の刺繍、ラメや小さな鏡のように光る装飾が太陽を受けて輝くことからその名がついた。短い上着（チャケティージャ）は動きを妨げないために設計され、膝下のタレギージャは馬上戦のころの機能を継承している。色や装飾の種類は階級や経験を示し、金飾りは成熟した闘牛士、銀飾りは若手といった区別を伝える場合が多い。 また帽子のモンテラや外套（カポーテ）、最後の段階で使う小さな布（ムレータ）などは、それぞれ実用と象徴の二重性を持っている。ムレータの赤は血を隠すための配慮という俗説があるが、実際には伝統と観客の視覚的効果のための色選びに近い。こうした要素の積み重ねが、闘牛という儀式をより劇的で意味深いものにしていると感じる。

意外に感じるかもしれないが、古いハリウッドの一作は今でも観る価値がある。 僕は映画を通して闘牛の勧善懲悪的なドラマをたどるのが好きで、まずは'Blood and Sand'（1941年版）を強く勧めたい。この作品はテクニカラーの豪華さと、主人公の栄光から転落への流れを映画語法として描き切っていて、闘牛そのものを劇的な装置に変えている。闘牛の儀礼性や見世物性が、人物の欲望や傲慢とどう結びつくかが明確に示されている点が心に残る。 演出は時代の古さを感じさせるが、逆にそれが物語のメロドラマ性を際立たせる。観客としては闘牛の残酷さに対する感情と、劇中人物に共感してしまう矛盾を抱えながら観ることになる。文化的背景を理解したうえで鑑賞すると、当時の人気と批判の両面が見えてきて面白いと思う。

スペインの街角で闘牛場を見かけたときの印象が、今も頭に残っている。歴史や地域文化の重みを実感する一方で、動物の扱いに関する違和感が拭えなかった。私が問題だと感じる核心は、苦痛と死が観賞の中心に据えられている点だ。闘牛では牛が身体的な苦痛と心理的ストレスを受け、しばしば出血や疲労による長い苦しみを経て命を落とす。獣医や行動学の研究は、痛みの兆候やコルチゾール値の上昇などを通じて、その苦痛を裏付けている。 一方で、支持派は伝統・芸術性・地域経済の維持を主張する。著名な文学作品『The Sun Also Rises』のように闘牛が文化表現として取り上げられることも多く、完全に否定することに抵抗感を示す人々がいる。だが動物福祉の観点からは、文化的価値がある行為でも動物に不必要な苦痛を与える理由にはならないと考えるのが一般的だ。 だから私は、同時に成り立つ解決策を模索するべきだと思う。例えば致命性を排した形のイベント、または闘牛に代わる伝統芸能の振興、動物の苦痛を最小化する法的規制や監視制度の導入などがある。文化保存と動物福祉のどちらも無視しないバランスを探ることが、現代社会における責任ある対応だと感じている。