¿La 1917 Película Ganó Algún Oscar Importante?

Siempre me ha fascinado cómo el Oscar puede premiar tanto lo que sucede delante como detrás de la cámara. En mi caso, recuerdo leer la noticia y pensar que Brad Pitt ya tenía méritos de sobra para ser reconocido de varias formas: ganó un Oscar como actor y otro como productor. El primero, y el más comentado por muchos fans, fue el Oscar a Mejor Actor de Reparto por su papel de Cliff Booth en «Érase una vez... en Hollywood» (la película de 2019 de Quentin Tarantino). La Academia valoró su interpretación contenida, con una mezcla de carisma, misterio y brutal sencillez que le dio una presencia memorable sin robarle el centro a la historia principal. El otro Oscar llegó en una faceta distinta: como productor de «12 años de esclavitud» («12 Years a Slave»), película que ganó el Oscar a Mejor Película. Ahí el reconocimiento no fue por una actuación, sino por formar parte del equipo que llevó una historia poderosa al cine y convencer a la Academia de que era la mejor en su año. Personalmente, me gustó que recibiera premios por caminos distintos; habla de una carrera con varios registros y una capacidad real para elegir proyectos con peso.

Me llamó la atención descubrir que la película «1917» se rodó mayoritariamente en el Reino Unido y que muchas de las escenas que parecen campo abierto y trincheras reales fueron fruto de un trabajo inmenso aquí cerca. Recuerdo leer que gran parte del rodaje se hizo en Salisbury Plain, en Inglaterra, donde el paisaje amplio y dramático ayudó muchísimo a crear la sensación de inmensidad del frente. Además, muchas secuencias se rodaron en estudios como Shepperton, donde se construyeron tramos de trincheras y sets interiores para mantener el plan-secuencia continuo que define la película. Me sigue impresionando cómo combinaron rodaje en exteriores con trabajo en plató y efectos digitales discretos para que todo pareciera un único plano secuencia; ver eso en pantalla me dejó con la sensación de que cada lugar elegido estaba pensado para el propósito narrativo y técnico, y que el Reino Unido ofreció los recursos perfectos para lograrlo.

Me fascina cuánto puede decir un solo premio sobre la percepción pública, y en el caso de Nicole Kidman hay una historia clara: sí, ella ganó un Óscar. Concretamente obtuvo el premio a la Mejor Actriz por su interpretación en «Las horas», película que le valió el reconocimiento en la ceremonia de 2003. Esa actuación, intensa y contenida, la consolidó como una actriz capaz de abordar personajes complejos y emocionalmente densos. Además del triunfo, su carrera frente a la Academia incluye varias nominaciones: fue reconocida por «To Die For», «Moulin Rouge!», «Rabbit Hole» y «Lion» (en este último como actriz de reparto). En conjunto, esas candidaturas muestran una trayectoria versátil, desde papeles más extravagantes hasta otros íntimos y desgarradores. A mí me impresiona cómo va renovando su arsenal interpretativo sin perder esa presencia tan personal; el Óscar es solo una de las formas en que la industria validó lo que muchos espectadores ya veíamos en su trabajo.

Nunca había sentido tanta tensión en una sala de cine como con «1917». Yo salí del cine con el corazón todavía latiendo rápido y la cabeza llena de imágenes: Sam Mendes es el director detrás de la película, y su apuesta fue clara desde el concepto narrativo: contar la misión como si fuera una única carrera en tiempo real. Mendes se apoyó muchísimo en la cinematografía de Roger Deakins para lograr esa ilusión de plano-secuencia continuo. La película usa tomas largas y movimientos de cámara coreografiados hasta el detalle, a menudo montados sobre Steadicams, gimbals y plataformas especiales para poder seguir a los actores sin cortes visibles. Cuando no era posible mantener la toma real, recurrieron a cortes invisibles en postproducción, uniendo planos con efectos digitales que camuflan transiciones en movimientos por objetos, sombras o cambios de luz. Además del truco del falso plano-secuencia, la película vive de un diseño de producción y de sonido impecables: sets construidos para permitir recorridos largos, iluminación natural y fuego real en escenas claves, y una mezcla de sonido que enfatiza pasos, respiraciones y explosiones para mantener la inmersión. El resultado es una experiencia casi física: sientes el barro, la fatiga y la urgencia, y esa decisión técnica de Mendes me pareció perfecta para la historia que quería contar.

Me sorprendió lo cariño que generó «Wonder» entre la gente cuando la vi en cartelera, y creo que esa acogida popular es parte importante de su historia de premios. Yo diría con confianza que la película no llegó a ganar los grandes galardones de la industria —no obtuvo premios de la Academia ni de los Globos de Oro—, pero eso no la dejó sin reconocimiento. Recibió nominaciones y varios premios en certámenes más orientados al público familiar y en galardones que valoran actuaciones juveniles y mensajes sociales. Además, el reparto recibió elogios en reseñas y listas de fin de año. Personalmente pienso que la ausencia en las categorías más elitistas no le quita mérito; para mí, el hecho de que tantas familias y escuelas la usaran como herramienta para hablar de empatía y bullying ya es un triunfo significativo.

Me fascina hablar de cine clásico, y «Titanic» es una de esas películas que marcó época. En España, como en el resto del mundo, la película arrasó en los premios Oscar. Ganó 11 estatuillas en total, incluyendo Mejor Película y Mejor Director para James Cameron. Aquí, la gente todavía recuerda cómo se convirtió en un fenómeno cultural, con su banda sonora y escenas icónicas repitiéndose en televisión durante años. Lo curioso es que, aunque España no tiene un sistema de premios propio para películas extranjeras, «Titanic» se benefició del reconocimiento global. Fue proyectada en cines durante meses, y su impacto fue tal que incluso hoy sigue siendo referencia en conversaciones sobre cine épico. No hay duda de que su éxito en los Oscar contribuyó a su legado.

Me acuerdo de la noche en que la entrega de los Óscar se sintió distinta para mucha gente: veía a todo el mundo hablando de una película que no era en inglés y aun así arrasó. «Parásitos» ganó cuatro premios en la 92ª ceremonia de los Academy Awards en 2020: Mejor Película, Mejor Director para Bong Joon-ho, Mejor Guion Original compartido por Bong y Han Jin-won, y Mejor Película Internacional (antes llamada Mejor Película en Lengua Extranjera). Eso fue histórico porque nunca antes una película en un idioma distinto al inglés había ganado Mejor Película. Si la pregunta puntual es si «Parásitos» ganó algún Óscar 'en España', conviene aclarar que los Óscar son otorgados por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos y la ceremonia se celebra en Los Ángeles; no es una premiación que se entregue en territorio español. Dicho esto, en España la película tuvo mucha repercusión: salas llenas, críticas entusiastas y cobertura mediática, y para los cinéfilos aquí significó una pequeña revolución en cómo se entiende el cine internacional. Al final, yo lo viví como una celebración global: la película ganó sus estatuillas en la ceremonia de los Óscar en EE. UU., pero el impacto y el orgullo entre espectadores de muchas partes del mundo, incluida España, fue real y duradero. Siempre me pareció un momento en el que el cine se volvió menos fronterizo y más universal.

Recuerdo bien cómo los periódicos de la época explotaban en elogios y dudas cuando hablé con viejos recortes sobre «1918». Muchos críticos celebraron la ambición técnica: la fotografía, los encuadres y la manera de jugar con la luz fueron vistos como pasos adelante frente a la estética más plana de otros filmes mudos de esos años. Hubo columnas que alababan al reparto por transmitir tanto sin palabras, y a la dirección por construir escenas que se sentían casi teatrales pero con una libertad nueva para el cine. Al mismo tiempo, no faltaron las voces críticas que achacaban a «1918» cierto melodrama excesivo y una narrativa que, a ratos, se apoyaba demasiado en los recursos sentimentales para conmover. Algunos críticos más conservadores encontraron el ritmo lento y prefirieron obras más directas o cómicas. En suma, el estreno fue bien recibido por quienes buscaban innovación visual y tono serio, mientras que los que preferían entretenimiento ligero mostraron reservas. Yo lo veo como un estreno que abrió puertas y polarizó opiniones, algo que me encanta en una obra antigua: despierta debate incluso hoy.