¿Qué Bandas Interpretan Música De Afrofuturismo En España?

Me flipa comprobar que el afrofuturismo ya no es un nicho invisible en España; se siente en varios espacios y festivales aunque rara vez venga presentado con esa etiqueta exacta. He visto propuestas afrofuturistas en festivales de música electrónica y en ciclos de cine que buscan cruzar tradición africana, tecnología y futurismo. En Barcelona, por ejemplo, Sónar y su rama Sónar+D suelen traer artistas y piezas audiovisuales que juegan con esas estéticas y conceptos: luces, ritmos y visuales que reimaginan identidades. No siempre todo el mundo lo llama “afrofuturismo”, pero la mezcla de electrónica, ritmos del continente africano y narrativas sobre futuro aparece con fuerza. En el terreno cinematográfico, el Festival Internacional de Cine Africano de Tarifa/Tetuán (FCAT) y muestras como la Mostra de Cinema Africà de Barcelona incluyen cortos y largometrajes que exploran mitologías, tecnología y futuro desde voces africanas, que encajan con esa sensibilidad. Además, festivales de world music como WOMAD (cuando pasa por España) o Rototom Sunsplash tienden a programar artistas que remiten al imaginario afrofuturista en sus puestas en escena y sonoridades. Al final, lo que más me fascina es la descentralización: no hay un único festival “oficial” del afrofuturismo, sino un tejido de noches en salas, programaciones especiales en festivales mayores y ciclos en centros culturales que, en conjunto, alimentan una escena vibrante. Me deja con ganas de seguir buscando joyas escondidas en carteleras pequeñas y propuestas experimentales.

Me interesa mucho este tema y creo que merece más visibilidad en el panorama televisivo español. He mirado con ojo crítico la oferta de series producidas en España y, para ser honesto, el afrofuturismo como corriente estética y cultural casi no tiene presencia clara en la televisión mainstream nacional. Lo que sí existe es una mezcla de proyectos independientes, cine de animación y cortometrajes que coquetean con elementos afrodiaspóricos, pero pocas series de largo aliento que se presenten explícitamente como afrofuturistas. Un ejemplo cercano en espíritu es «Black is Beltza», una película de animación y proyecto transmedia nacido en Euskadi que fusiona historia, música negra y aventura con una mirada transnacional; aunque no es una serie de televisión tradicional, su universo es lo más parecido a una propuesta afrodiaspórica hecha desde España. Más allá de producciones nativas, lo que veo en las plataformas que consumo en España son series internacionales con claras raíces afrofuturistas o inspiradas por ellas —por ejemplo, producciones anglosajonas que sí exploran tecnología, mitología africana y utopías/distorciones futuristas— y que se ofrecen en catálogos accesibles para el público español. En lo que respecta a la escena local, creo que hay mucho espacio para que creadoras y creadores afroespañoles desarrollen series serializadas que combinen ciencia ficción, tradición africana y crítica social. Personalmente, me apena que aún falte representación televisiva real aquí, pero también me entusiasma la escena indie y los festivales que empiezan a abrir puertas a estos relatos; ojalá veamos más producciones así pronto.

Me encanta ver cómo en España los jóvenes están ampliando sus lecturas hacia el afrofuturismo y obras afines; hay una curiosidad real por voces que mezclan tecnología, mitología africana y cuestiones de identidad. En los círculos que frecuento se suelen citar títulos como «Binti» de Nnedi Okorafor por su mezcla de tradición y ciencia, y «Parable of the Sower» de Octavia Butler porque conecta con temas sociales y personales que resuenan fuerte entre la gente joven. También aparece mucho «Rosewater» de Tade Thompson, sobre todo entre los que buscan ciencia ficción con atmósferas urbanas y extrañas. Otro grupo suele recomendar obras más recientes o de corte juvenil, como «Children of Blood and Bone» de Tomi Adeyemi, que, aunque se acerque más a la fantasía, comparte raíces culturales y estéticas que interesan a lectores jóvenes. No faltan los que discuten «The Fifth Season» de N. K. Jemisin en debates por su construcción de mundos y su mirada sobre el poder y la marginación. En librerías y ferias (especialmente en eventos de Sant Jordi y encuentros universitarios) se nota ese interés variado: unos buscan representatividad, otros, pura imaginación futurista. Al final, lo que más me llama la atención es la mezcla de canales: lectores que descubren estos libros en redes, en clubes de lectura y en reseñas, y que luego se los pasan entre amigos. Esa mezcla de curiosidad y búsqueda de identidad hace que títulos distintos circulen y se recomienden con pasión; personalmente, me alegra ver esa apertura y la riqueza que aporta al panorama lector local.

Toda mi curiosidad se disparó cuando empecé a buscar voces en español que exploraran futuros negros; pronto descubrí que, si hablamos de autores nacidos en España que practiquen afrofuturismo de forma clara y reconocida, la lista es muy corta y en muchos casos inexistente. En mi experiencia leyendo y husmeando en librerías especializadas, la mayoría de las propuestas afrofuturistas en lengua española provienen de autorías afrodescendientes de África occidental o de América Latina, o bien de autoras y autores que, aunque escriben en español, nacieron fuera de la península. Esto no es un vacío cultural indiferente: habla de una escena todavía en construcción dentro del propio territorio español. Por eso suelo recomendar mirar más allá de la nacionalidad y centrarse en la tradición hispanohablante: autores como Donato Ndongo o Juan Tomás Ávila Laurel —procedentes de Guinea Ecuatorial— y figuras históricas latinoamericanas como Manuel Zapata Olivella ofrecen herramientas, mitos y relecturas del pasado y del porvenir que conectan con el afrofuturismo. También hay voces femeninas imprescindibles de la tradición africana en español, como María Nsué Angüe, que plantean preguntas sobre identidad, tecnología y memoria desde perspectivas que dialogan con lo que entendemos por afrofuturismo. Personalmente me emociona ver cómo jóvenes narradores y narradoras, tanto en España como en la diáspora hispanohablante, están recuperando esas raíces y experimentando con géneros (ciencia ficción, mitopoética, fantasía especulativa) para construir futuros posibles. Si buscas lanzarte a leer en este terreno, yo empiezo por indagar en la literatura ecuatoguineana y afrocolombiana en español, seguir editoriales pequeñas y revisar antologías y revistas de ficción especulativa en español; ahí siempre aparecen traducciones y trabajos de autoras y autores que amplían la noción de afrofuturismo en nuestra lengua. Al final me quedo con la sensación de que la escena española como tal va despertando, y lo más interesante es que la producción en español está cada vez más conectada con movimientos globales negros, así que la recomendación que doy siempre es abrir la búsqueda más allá de la etiqueta y dejarse sorprender por las voces de la diáspora.

Me encanta perderme por las salas de Madrid en busca de propuestas que mezclen tecnología, memoria y futuro. En mis paseos he visto que los afrofuturismos se presentan en sitios muy distintos: desde las grandes salas del Museo Reina Sofía y CaixaForum hasta espacios más experimentales como Matadero, Tabacalera o La Casa Encendida. Allí suelen montar instalaciones multimedia, proyecciones de videoarte, fotografía y piezas sonoras que mezclan tradición africana con electrónica, moda y ciencia ficción. Muchas veces las exhibiciones no se anuncian como «afrofuturismo» de manera literal, sino bajo etiquetas como «diáspora», «futuro(s)», o «arte contemporáneo africano», por eso conviene mirar la programación por artistas y temáticas. He disfrutado especialmente las muestras que incorporan actividades paralelas: charlas, sesiones de DJ, talleres y ciclos de cine. Los barrios como Lavapiés o Embajadores también ofrecen pop-ups y galerías pequeñas donde el enfoque es más íntimo y comunitario. Para contextualizar, me gusta pensar en las referencias literarias y cinematográficas que suelen acompañar estas exposiciones —por ejemplo obras que evocan el espíritu de «Black Panther» o las novelas de Octavia Butler como «Parable of the Sower»— porque ayudan a entender la mezcla de relato, estética y política que define el afrofuturismo. Al final, lo que me sorprende es cómo Madrid está abriendo espacios para estas narrativas: a veces grandes, a veces en un sótano, pero siempre estimulantes y necesarios.

Recuerdo con claridad cómo los salones y bares de mi ciudad retumbaban con Héroes del Silencio y Extremoduro: eran los gigantes que marcaban el pulso del rock en España durante los noventa. Yo venía de conciertos pequeños y esos discos sonaban en todas partes; Héroes con su épica internacional y Robe de Extremoduro con letras crudas y volcánicas que conectaban con la gente de a pie. Esas dos bandas, junto con Los Rodríguez, trajeron una mezcla perfecta de intensidad, melodía y actitud. Los Rodríguez aportaron ese sabor hispano-argentino que llenó pistas y radios con temas pegadizos como «Sin Documentos», y bandas como El Último de la Fila o Celtas Cortos dieron variedad: folk-rock y melodías que quedaron en la memoria colectiva. En definitiva, los noventa en España tuvieron un corazón rockero que se escuchaba en la calle y que todavía me emociona cuando los oigo; fueron la banda sonora de muchos momentos personales y colectivos.

No te imaginas lo meticuloso que fue el trabajo detrás de la banda sonora de «Desiree» en España; me atrapó la mezcla entre tradición y tecnología desde el primer vistazo al tráiler. Recuerdo que todo empezó con sesiones de spotting donde el director y los músicos discutieron atmósferas más que melodías: qué emociones debía sostener la música en cada escena, qué silencios eran necesarios. A partir de ahí, los compositores tiraron de dos hilos principales: la raíz musical española —guitarra clásica, palmas, cajón y alguna bandurria— y texturas electrónicas sutiles para dar ese aire contemporáneo y oscuro. Las maquetas iniciales se hicieron con librerías orquestales y sintetizadores, pero se pulieron con sesiones en vivo en estudios de Madrid y Sevilla; los metros rítmicos se grabaron con percusionistas locales para mantener la autenticidad. Lo que más me sorprendió es cómo se trabajaron los motivos temáticos: cada personaje tiene un motivo breve que se transforma según su arco, a veces en una guitarra despojada, otras en un colchón de cuerdas y electrónica. Hubo grabaciones de campo —ruidos de calles, respiraciones— integradas con cuidado para que la música no compitiera con la imagen. La mezcla final mantuvo el pulso íntimo; no es grandilocuente, sino certera y pegada a la emoción de cada escena. Al final, me dejó esa sensación de haber escuchado algo muy español pero con un pulso moderno, y eso me emocionó bastante.

Me despierto con la sensación de que una buena banda sonora puede empujar tus emociones hacia arriba en cuestión de segundos. He pasado noches enteras reescuchando la partitura de «El laberinto del fauno» porque esa mezcla de violines y coros me pone la piel de gallina y, al mismo tiempo, me regala una especie de subidón cálido: pura endorfina cinematográfica. En mis tardes de sofá también vuelvo a las composiciones de Alberto Iglesias en las películas vinculadas a Pedro Almodóvar; hay una inteligencia melódica que te atrapa sin alardes y que funciona como ese abrazo sonoro que necesitas tras un día pesado. No puedo olvidar la energía oscura de Roque Baños en ciertos thrillers españoles: su música acelera el pulso y luego te deja flotando. Para mí, las bandas sonoras españolas que mejor despiertan endorfinas combinan tradición (rastros de flamenco o tonos folclóricos) con arreglos modernos, y funcionan tanto en la pantalla como en una playlist personal. Al terminar una sesión así siempre me quedo con ganas de apagar las luces y dejar que los acordes sigan reverberando en la cabeza.

Me divierte cómo la música puede ponerte en una escena y dejarte oliendo polvo y combustible: para mí, lo que más evoca al Afrika Korps en bandas sonoras españolas son las texturas de metales secos, redobles de caja militar y percusión desértica que recuerdan marchas y patrullas en dunas. Si quieres un ejemplo claro dentro del cine español, piensa en la grandilocuencia y la paleta instrumental de Roque Baños en «Alatriste»: allí hay pasajes de bronces contundentes, tambores marciales y atmósferas sombrías que, aunque no traten directamente la campaña del norte de África, generan esa sensación de ejército mecanizado cruzando un paisaje árido. Complementa eso con las marchas históricas interpretadas por bandas militares españolas (grabaciones de conservatorios o bandas municipales) y obtienes el componente marcial puro. También encuentro que muchas bandas sonoras de westerns rodados en Almería —aunque compuestas por autores internacionales— aportan la arena y el viento que asociamos al Afrika Korps; combinadas con arreglos de compositores españoles más modernos, el efecto puede ser muy convincente. En lo personal, me quedo con esas combinaciones: bronces austeros, percusión seca y sintetizadores ambientales para crear la sensación de un ejército al sol. Me encanta cómo, sin alusiones políticas, la música puede reconstruir con tanta fuerza una época y un lugar.

Al investigar este nicho me di cuenta de algo básico: no hay muchas bandas españolas que compongan explícitamente sobre jusnaturalismo como doctrina jurídica, pero sí hay grupos y cantautores que tratan ideas muy afines —derechos naturales, dignidad humana, ley versus poder— desde la música. Pienso en artistas de la Transición y del movimiento de protesta que, aunque no nombraban la teoría, cantaban contra la arbitrariedad del poder y a favor de la dignidad humana. Por ejemplo, artistas que interpretan poesía y canciones con carga ética como Paco Ibáñez o Joan Manuel Serrat han difundido textos que rozan esa tradición humanista y de derechos universales. En otro frente, el punk y la canción de autor en España siempre han sido un caldo de cultivo para hablar de justicia natural: letras que apelan a lo que “es justo por naturaleza” frente a leyes impuestas por el poder. Bandas como La Polla Records o Kortatu no hablan de jusnaturalismo con términos técnicos, pero sí ponen el foco en la injusticia y la legitimidad moral, lo que conecta con la esencia del pensamiento sobre derechos naturales. Así que, si buscas música que trate las grandes preguntas del derecho natural en España, más que buscar un listado literal de bandas “jusnaturalistas”, yo miraría a los cantautores de compromiso y a la escena punk/rock crítico: ahí están las ideas, disfrazadas de rabia, de poesía o de himnos sociales. Esa mezcla es la que me emociona.