監督はジュブナイル作品の映画化で原作の魅力をどのように守りますか？

脚本の段階で優先するのは、誰の視点で物語を語るかを明確にすることだ。登場人物が多く複雑な内面を持つジュブナイル作品では、すべてを平等に扱おうとすると散漫になりがちだと実感している。だから私は特定の人物の感覚を軸にしてエピソードを絞り、その人物を通して原作のテーマを浮かび上がらせる戦略を取る。たとえば『桐島、部活やめるってよ』の映画化が示したように、直接語られない部分を映像で示唆することで原作の集団心理を映画の短い尺に収めることができる。脚本化では、原作の長いモノローグや心理描写を対話や行動で代替する工夫が必要になる。私は対話を書き直す際、原作の言葉遣いのトーンを尊重しつつ、映画として自然に聞こえるセリフに落とし込むことを心がける。キャスティングも重要で、外見の一致だけでなく、微妙な間合いや表情の移り変わりが原作の微妙な心の動きを伝えられるかを重視する。こうして脚本の初期段階で方向を決めることで、撮影や編集に入ってから原作の持つ魅力を失わずに済む確率が高くなると感じている。

映像表現の細部にこだわると、原作が持つ微妙な感情の機微を画面に残す道筋が見えてくる。映像化に際して最初に気をつけるのは、青春の「瞬間」をただ列挙するのではなく、それらをつなぐリズムを守ることだと考える。私は物語の中にある象徴的なモチーフ──ある音、匂い、あるいは何気ない仕草──を映像言語で繰り返すことで、原作の呼吸を残す試みをすることが多い。たとえば『君の名は。』のように時間や記憶が主題にある作品では、カットの間の余白やクロスカッティングが原作の不確かさを補強する。形式の選択で原作の情緒を守ることができるのだ。 サウンドデザインと編集は、登場人物の内面を外側に伝える非常に強力なツールだ。場面の始まりや終わりでフェードイン・アウトや環境音をどう扱うかで、観客が感じ取る距離感が変わる。私は台詞で説明しすぎないように気をつけ、むしろ俳優の目線や沈黙を使って原作に漂う未完成さや戸惑いを映すことを重視する。原作のファンが期待する「核」――テーマやキャラクターの本質――を映像の選択で守るのが肝心だ。 最後に、原作者や原作ファンとの対話は避けられない。対話を通じて、どの要素が作品にとって譲れない核であるかを確認することで、映像側の創意工夫が暴走するのを防げる。だが忠実であることと臨場感を生むことは必ずしも同義ではないため、私は常に「どうすれば観客の胸に原作の余韻が残るか」を基準にして判断している。映像化は変換の行為であり、原作の魅力を再発見させるチャンスでもあると思う。

場面の余白を信じることで、観客が自分の経験と物語を結びつけられるスペースを残せる。映画は何でも説明できるメディアではないから、私は余白を恐れずに使う。『世界の中心で、愛をさけぶ』のような作品は感情の純度が命で、説明過多にすると生の痛みや瑞々しさが薄れてしまう。演出では、決定的な瞬間を見せる代わりに、その前後の小さな仕草や沈黙を伸ばしておくことで、観客が登場人物の心情を自分で補完できるよう誘う。映像美だけに頼らず、間の取り方、カメラの視線、そして役者が息を吐く瞬間を大事にすれば、原作の核にある純粋さを守りつつ映画独自の表現が生まれる。私にとって大切なのは、原作の読後感を映画でも再現することだが、それは強引な説明ではなく、控えめな表現と信頼に基づく手法でしか得られないと思っている。