音楽担当は『恋する乙女 コード』のサウンドをどう制作しましたか？

思い返すと、制作ノートを読み返すだけで当時の熱量がよみがえる。僕は『恋する乙女 コード』のサウンドについて、まず楽曲コンセプトが“コード＝心の結びつき”という二重の意味を持っている点に惹かれた。制作陣は各ヒロインに固有の和声進行とモチーフを割り当て、それを物語の転機で少しずつ変形させることでキャラクターの成長や揺らぎを音で示していた。例えばあるキャラのテーマは五度連続の安定感を基調にしていたが、心情が揺れる場面では短調の借用和音や転調で不安定さを演出している。

録音では生楽器と電子音のハイブリッドが徹底されていた。弦は少人数の室内弦を生で録って温かみを出し、木管やグロッケンは近接マイキングで繊細さを強調。シンセはパッドで空間を満たしつつ、ビートやエレクトロニックな処理で現代的なテンポ感を与えている。個人的に興味深かったのは、音色の“色合わせ”作業だ。色彩豊かなシーンにはハープやヴィブラフォンを重ねて透明感を出し、日常の軽快なやりとりにはアコースティックギターのアルペジオで柔らかさを添えていた。

ミックス段階ではダイナミクスと帯域の整理に時間をかけたと聞く。ボーカルや主旋律を前に出すために低域は軽く削ぎ、リバーブは長めのホール系で奥行きを出しつつ、臨場感を損なわないよう高域を調整していた。参考にあげると、僕は『四月は君の嘘』の音作りが一つの影響源になっていると感じるが、『恋する乙女 コード』はさらにゲーム的な反応性を取り入れて、同じテーマを場面に応じて鳴らし分けることで物語と音楽を密に結びつけている。最終的には、その“コード”の意味が音で伝わるかどうかが最大の勝負だったと思う。

些細な観点だが、僕はマスタリング以降の工程が『恋する乙女 コード』の印象を決定づけたと感じている。音作り自体は物語性重視で、主題を繰り返すたびにアレンジを変えて聴き手の解釈を誘導する作りだったが、最終段階での音圧や周波数の整え方が楽曲の響きを劇的に変えた。

具体的には、劇中でテーマが繰り返される際に各パートをステムとして残し、場面に応じてそれらをミュート／アンミュートして使い分ける手法が取られていた。会話主体の場面では低域やベースを抑えてメロディを浮かび上がらせ、対峙する感情が高ぶる場面ではストリングスのレイヤーを前面に出して厚みを出す。こうすることで同じモチーフでも受け取られ方が変わる。

また、演出的な工夫としては効果音や環境音と音楽を密に連携させ、音楽が場面の因果関係を示す役割を担うよう調整していた点が印象的だ。例えば短いフレーズの端切れをSEと同期させることで音楽が心理描写の補助線になるよう設計されている。参照作品として僕が思い浮かべるのは映画『君の名は。』のような音楽と映像の一体感で、あの映画の感覚をコンパクトに物語へ落とし込んだ印象を受けた。こうした細部の積み重ねが、最終的に作品全体の“音の説得力”を支えているんだと感じている。

楽曲の裏側に触れるとき、俺はまず台本と絵コンテを何度も読み返して情景を音に落とし込む過程を思い出す。『恋する乙女 コード』では、音楽担当が各シーンごとの感情曲線を重視していて、序盤の軽やかさ、中盤のもどかしさ、終盤の開放感を和声・リズム・楽器編成で明確に区別していた。テンポや拍子感の変更はドラマツルギーに合わせた仕掛けで、日常パートでは二拍子のスイングや小節のゆらぎを入れて親密さを演出し、クライマックスでは拍子を揃えずに重心を変えることで緊張感を作っていた。

歌ものの制作では歌詞とメロディのすり合わせが重要視された。キャラクターを演じる声優の声質に合わせてメロディラインを細かく調整し、ブレスや語尾の伸ばし方まで打ち合わせている様子が伝わってきた。レコーディングではまずピアノやギターで基礎トラックを作り、それをもとにストリングスやコーラスを重ねてゆく。生演奏と打ち込みのバランスを取りつつ、特定のフレーズにだけ生楽器を差し込むことで“生の瞬間”を際立たせる手法をよく使っている。

個人的には、プロデューサーが提示した参照曲リストを元にサウンドの方向性を固める段階が面白かった。ある曲では80年代のシンセポップ風味を取り入れたり、別の曲ではアコースティック寄りに寄せたりしている。その辺りは『ラブライブ!』などのアイドル系作品で培われた“場面に合わせて色を変える”手法の応用が見られる。結果として、各楽曲が物語の中で自然に息づき、プレイヤーや視聴者の感情移入を助ける仕上がりになっている。