¿Hay Películas Españolas Donde Usen Mucho Gilipollas?

Hay personajes en series españolas que, por su actitud o acciones, pueden resultar realmente insoportables. Uno que me viene a la mente es Raquel Murillo de «La Casa de Papel». Al principio parece una figura fuerte, pero su indecisión y cómo maneja ciertas situaciones, especialmente en las temporadas finales, la hacen caer mal. No es que sea mala, pero su falta de coherencia frustra. Otro ejemplo claro es Aitor Carrillo de «Las Chicas del Cable». Su manipulación constante hacia las protagonistas, especialmente hacia Lidia, lo convierte en un personaje odioso. Es de esos que parece encantador al principio, pero luego revela su verdadero carácter egoísta y calculador. La serie hace un buen trabajo mostrando su evolución, pero eso no lo salva de ser un gilipollas. Y no puedo dejar fuera a Fermín de «El Ministerio del Tiempo». Su arrogancia y falta de empatía lo pintan como alguien difícil de soportar, aunque tenga momentos brillantes. Es interesante cómo estos personajes, aunque molesten, añaden capas de conflicto que enriquecen las tramas.

Esa es una pregunta curiosa y me gusta el enfoque tan concreto que planteas: buscar una hora exacta como símbolo en el cine español revela mucho sobre cómo los creadores usan detalles pequeños para cargar de significado una escena. Tras revisar referencias conocidas y mi bagaje de cine español, no encuentro ejemplos populares o reconocidos en los que la hora 9:09 aparezca repetidamente como motivo simbólico en una película de gran difusión. Es más habitual encontrar horas redondas o marcas más narrativamente relevantes (por ejemplo, el minuto exacto de un accidente, una hora que coincide con un suceso histórico, o relojes «parados» que señalan la tragedia), pero 9:09 como cifra exacta no parece formar parte del repertorio simbólico convencional del cine español mainstream. En el terreno del cine independiente y los cortometrajes puede haber excepciones: festivales y muestras locales suelen albergar piezas que juegan con números y tiempos muy concretos, y ahí es donde es más probable hallar una hora tan concreta repetida como leitmotiv. También es interesante considerar el caso de películas españolas que sí giran en torno al tiempo como concepto —por ejemplo, «Los cronocrímenes» usa bucles temporales y el manejo del tiempo es el motor de la trama—; aunque no marque 9:09 específicamente, es un buen ejemplo de cómo el tiempo puede convertirse en símbolo y estructura narrativa. Para períodos o detalles puntuales, los cineastas suelen preferir números con carga cultural o visualmente simétricos; 9:09 tiene cierto atractivo visual (el reflejo del 9 y el cero central) y simbólico (el 9 en numerología suele relacionarse con cierre o culminación), lo que podría explicar por qué algún cortometraje o pieza experimental lo use, aunque no haya saltado al gran público. Si me pongo en modo creativo, usaría 9:09 como recurso para sugerir algo interrumpido: un reloj que se queda en 9:09 tras una interrupción, notificaciones en móviles que siempre marcan esa hora como eco de un recuerdo, o escenas que se repiten con pequeñas variaciones cada vez que el reloj marca ese minuto, insinuando bucle o memoria fragmentada. Ese tipo de microdetalles funciona muy bien en cortos o en tramas psicológicas, donde el espectador acaba asociando ese instante con la emoción o el evento clave. En definitiva, no hay evidencia de una película española icónica que use 9:09 como símbolo recurrente en la cultura popular, pero la posibilidad existe en el circuito de cine corto e independiente, y la precisión de esa hora la convierte en una herramienta potente para cualquiera que quiera jugar con repetición, simetría y finalización en pantalla. Me quedo con la sensación de que es una mina creativa poco explotada y perfecta para una historia íntima o inquietante.

Me encanta cómo el cine español puede pasar en segundos del descaro más físico a la sátira afilada; por eso, cuando pienso en buffoonery, me vienen a la cabeza películas que manejan lo grotesco y lo ridículo con una sonrisa cómplice. Para empezar, no puedo dejar de recomendar «Torrente, el brazo tonto de la ley»: es el arquetipo del humor bufonesco moderno en España, intentionalmente chabacano, con un antihéroe que encarna la torpeza y la desvergüenza hasta extremos que duelen de la risa. Le sigue «El milagro de P. Tinto», una joya de Javier Fesser que mezcla surrealismo y slapstick: la ingenuidad de sus personajes y situaciones imposibles te hacen soltar carcajadas por la pura acumulación de absurdo. También disfruto mucho de las comedias clásicas que rozan la buffoonery desde la sátira social. Películas como «Atraco a las tres» tienen ese humor de enredo y mala ejecución que convierte un simple golpe en una sucesión de tropiezos cómicos; y las obras de Luis García Berlanga —pienso en «Plácido», «Bienvenido, Mister Marshall» o «El verdugo»— aunque son más negras y críticas, usan lo ridículo de los personajes para subrayar la estupidez humana, que al final funciona como una versión más contenida pero igualmente efectiva de la bufoneada. En cambio, si quieres algo más cercano a la comedia popular contemporánea, «Ocho apellidos vascos» y «Airbag» apuestan por estereotipos exagerados y situaciones histriónicas que no se toman demasiado en serio. Para mí, la mejor forma de acercarse a este tipo de cine es dejarse llevar: busca la exageración física, los personajes que nunca aprenden, los planes que salen peor de lo imaginable. Si te apetece algo excéntrico y tierno, «El milagro de P. Tinto» es una puerta perfecta; si prefieres la irreverencia sin filtros, «Torrente» no decepciona. Y si disfrutas de la mezcla entre crítica social y ridículo humano, Berlanga te regalará risas con filo. Al final, estas películas funcionan porque permiten reírse de lo humano en todas sus torpezas y contradicciones, y a mí me siguen conquistando cada vez que las vuelvo a ver.

Me echo a reír cada vez que recuerdo el humor soez de ciertas comedias españolas; hay películas que, sin complejos, usan gags con excrementos para provocar risa y choque. Si tuviera que dar nombres claros empezaría por la saga «Torrente» (desde «Torrente, el brazo tonto de la ley» y sus secuelas), que es prácticamente un manual de humor vulgar: escenas de suciedad, alusiones a los fluidos y todo tipo de golpes bajos están a la orden del día. Otra película que aparece en todas las listas de humor escatológico es «Airbag», que mezcla road movie con gags brutales y momentos que rozan lo grotesco; su tono desenfadado hace que la escena choque pero funcione como comedia. También he visto cómo algunas obras de Álex de la Iglesia, como «El día de la bestia» o «Perdita Durango», recurren a lo grotesco y a lo corporal para provocar risa nerviosa más que para hacer un chiste limpio sobre cacas. En fin, si te interesa el tipo de comicidad que no se corta, empieza por «Torrente» y «Airbag» y después mira a estos directores más extremos: funcionan si aceptas que la risa sale de lo transgresor y un poco asqueroso. A mí me hacen reír precisamente por lo incómodo que resultan.

Me encanta cómo ciertas películas españolas capturan la esencia de la cotidianidad con diálogos auténticos. En «Ocho apellidos vascos», por ejemplo, el uso de «muchas gracias» aparece con naturalidad, reflejando la cordialidad andaluza. La película juega con estereotipos regionales, y el lenguaje es clave para eso. Cada «gracias» suena espontáneo, casi como si lo dijera un vecino en el mercado. También en «Volver» de Almodóvar, los personajes usan frases coloquiales con frecuencia, aunque aquí el agradecimiento tiene un matiz más emocional. La película está llena de momentos donde la gratitud es un puente entre personajes. No es solo un formalismo, sino parte de su conexión humana. Almodóvar tiene ese talento para convertir lo mundano en poesía.

Me fascina cuando un objeto tan cotidiano como una moneda se transforma en motor narrativo dentro de una película. Si hablamos de cine español, el ejemplo más claro y potente que recuerdo es «Intacto». Esa película convierte la suerte y el azar en el eje central: no es sólo una escena aislada de ‘cara o cruz’, sino todo un universo donde la fortuna, los rituales y los juegos de apuesta marcan destinos. La manera en que usan herramientas sencillas —monedas, dados, rituales— para poner en juego la vida de los personajes es escalofriantemente efectiva y muy propia del cine de tensión que me atrapa. Fuera de «Intacto», no siempre aparece la tirada de moneda literal, pero sí la idea de decidirlo todo al azar. Directores como Julio Medem o algunos autores del cine independiente español exploran la coincidencia y el destino en historias donde una decisión al azar podría haber cambiado el rumbo. En comedias o thrillers urbanos también he visto escenas puntuales donde el ‘cara o cruz’ sirve para tensar un conflicto o dar un giro rápido al guion. En definitiva, sí hay cine español que usa ese recurso, desde formas explícitas y dramáticas hasta usos simbólicos. Me gusta cómo una simple moneda puede poner en evidencia la fragilidad de los personajes y el capricho del destino; para mí, eso hace la experiencia más intensa y memorable.

La riqueza del español está en su diversidad, y cada región tiene formas creativas (y no tan creativas) de llamar a alguien «gilipollas». En Argentina, por ejemplo, lo más común es escuchar «pelotudo», palabra que tiene un peso similar pero con ese sabor rioplatense que le da un toque único. También usan «boludo», aunque este término puede variar según el contexto; entre amigos incluso puede ser un apelativo cariñoso, pero en una discusión adquiere su significado original. En México, la cosa cambia. Ahí dirían «pendejo» con esa contundencia que caracteriza al habla coloquial mexicana. Es una palabra versátil, aplicable desde un error tonto hasta un insulto directo. Otros países, como Colombia, optan por «gonorrea» (sí, como la enfermedad), que aunque suene fuerte, es de uso común en ciertas regiones. Y en Chile, «weón» es la estrella, aunque su significado puede oscilar entre «tonto» y «amigo» según el tono y la situación. Perú tiene su propio estilo con «cojudo», mientras que en España, además de «gilipollas», usan «capullo» o «subnormal» con distintos matices. Lo curioso es cómo algunas palabras pueden ser ofensivas en un lugar y casi neutras en otro. El español nunca deja de sorprenderme con su capacidad para adaptarse y evolucionar según el contexto cultural. Al final, lo que en un sitio es un insulto grave, en otro puede ser parte del día a día sin mayor drama.

El otro día me pegué una maratón de comedias españolas y me quedé pensando en cómo el humor pícaro funciona tan bien cuando está bien medido: juega con la picardía sexual, las dobles intenciones y un punto de descaro sin caer en lo gratis. Películas como «Jamón Jamón» muestran ese equilibrio: Bigas Luna no es sutil, pero utiliza la ironía sexual y el erotismo como crítica social y como motor narrativo. Los personajes son exagerados, los enredos sexuales se mezclan con aspiraciones sociales y todo termina provocando risa y cierta incomodidad que, para mí, es la clave del buen pícaro. En otro registro, «Kika» y algunas primeras obras de Almodóvar se acercan al pícaro desde la supervivencia emocional y el humor negro. No es picardía solo por chistes subidos de tono, sino por cómo los personajes usan la sensualidad y la manipulación para salir adelante. Y si buscas algo más bruto y callejero, «Torrente, el brazo tonto de la ley» lleva la picardía hacia lo grotesco y lo zafio, jugando con un antihéroe que ofende y divierte a partes iguales. Personalmente disfruto más cuando ese humor va acompañado de reflexión o sátira; cuando la risa tiene una punzada crítica, la película se queda en la memoria.

Me gusta pensar en los símbolos como olas: a veces llegan suaves y otras veces te arrastran entero, y en el cómic eso se nota mucho cuando aparece la idea de 'inundado'. En mi experiencia siguiendo la escena española de cómic con estética manga y la de autores que beben de esa influencia, no es muy habitual encontrar un recurso único y explícito que utilice la palabra 'inundado' como leitmotiv literal en títulos mainstream. Lo que sí veo es un uso recurrente del agua y las crecidas como metáfora: personajes que se sienten desbordados por la memoria, historias que muestran sociedades que se ahogan en sus propios silencios o tramas de catástrofe ecológica que funcionan como crítica social. En fanzines, webcómics y obras más íntimas, el agua se emplea para mostrar emociones contenidas que, cuando revientan, transforman el relato. Si te interesa rastrear ese símbolo, conviene mirar obras independientes y antologías donde los dibujantes experimentan con metáforas visuales; allí las imágenes de inundación aparecen sin necesidad de nombrarlas y funcionan como signo de abandono, duelo o renacimiento. Personalmente me emociona cuando una viñeta de agua hace sentir el peso de una generación: no siempre dicen 'inundado', pero lo transmiten con fuerza. Al final, más que la palabra, lo interesante es cómo el agua reorganiza el espacio narrativo y obliga a los personajes a redefinirse.

Me encanta cuando el cine español juega con el lenguaje coloquial, y «petarda» es una de esas palabras que resuenan mucho. Recuerdo especialmente «Torrente: El brazo tonto de la ley», donde Santiago Segura la usa con ese humor ácido y callejero que caracteriza la saga. También en «El día de la bestia», de Álex de la Iglesia, hay diálogos cargados de slang madrileño donde podría aparecer. Otra película donde podría escucharse es «Airbag», con ese ritmo frenético y diálogos llenos de jerga juvenil. La palabra encapsula esa energía rebelde y descarada que define parte del cine español más transgresor. Es fascinante cómo el lenguaje refleja la identidad de una época.