เพลงประกอบภาพยนตร์ชิ้นใดเข้ากับฉากท่ามกลางฝนที่สุด

กล้องสั่นละอองฝุ่นเป็นองค์ประกอบสำคัญที่ทำให้ฉากดูมีชีวิต, และผมมักจะอธิบายให้ทีมฟังแบบชัดเจนว่าฝุ่นไม่ได้เป็นแค่าตัวประกอบภาพ แต่มันคือเครื่องมือบอกเวลา สถานที่ และอารมณ์ของตัวละคร การเริ่มต้นของฉากแบบนี้มักจะมาจากคำถามเชิงความหมายนำก่อน — เราต้องการให้ผู้ชมรู้สึกว่าโลกนี้เสื่อมสลายหรือว่ามันกำลังฟื้นตัวไหม การตอบคำถามนั้นจะกำหนดความหนาแน่นของควัน ระยะของแสง และทิศทางลม ผมจะบอกทีมไฟให้เน้นแสงขอบ (rim light) หรือแสงย้อนหลัง (backlight) เพื่อให้ละอองฝุ่นส่องเป็นเส้นๆ โผล่ขึ้นมาจากความมืด ซึ่งเทคนิคนี้ช่วยให้ซิลูเอตตัวละครโดดเด่นโดยไม่ต้องเผยรายละเอียดทั้งหมด การเลือกเลนส์ก็สำคัญ — เลนส์มุมกว้างช่วยให้ฝุ่นกระจายเป็นบริบทกว้าง แต่เลนส์เทเลโฟโตจะย้ำความชื้นและความหนาแน่นของละออง ทำให้รู้สึกอึดอัดหรือใกล้ชิด ในการจัดการเชิงปฏิบัติผมมักจะพูดแบบเจาะจงและเป็นภาพ เช่น ให้สลับพัดลมแรงอ่อน เพื่อสร้างชั้นฝุ่นที่เคลื่อนไหวไม่สม่ำเสมอ ซึ่งจะทำให้ภาพไม่เหมือนฉากที่เกิดจากควันสังเคราะห์เพียงชั้นเดียว เสมอไป ผมจะจัด blocking ของนักแสดงให้มีจังหวะหยุด-เคลื่อน เพื่อที่เมื่อแสงตัดผ่านละอองจะเกิดโมเมนต์เล็กๆ ที่ผู้ชมจะจดจำได้ นอกจากนี้ต้องคุยกับช่างภาพเรื่องค่า f-stop และ shutter speed เพราะการตั้งค่าพวกนี้จะเปลี่ยนการรับรู้ของละออง — ถ้าเปิดไดอะแฟรมกว้างจะได้ฉากที่ฝุ่นฟุ้งเบลอเป็นก้อนสวย แต่ถ้าอยากได้ฟีลเศษละอองชัดเจน ต้องปรับให้จังหวะชัตเตอร์สั้นขึ้น ท้ายที่สุดผมมักยกตัวอย่างฉากจาก 'Mad Max: Fury Road' ที่ฝุ่นใช้บอกการเคลื่อนที่ของสังคม และฉากจาก 'Dune' ที่ควันทำหน้าที่เป็นตัวละครเงียบ ๆ เพื่อให้ทีมเข้าใจว่าฝุ่นควรทำงานแทนคำพูด ไม่ใช่แค่เป็นแผงฉากอย่างเดียว การพูดคุยก่อนถ่ายซ้ำๆ และการทดลองแสงระหว่างซ้อมจะช่วยลดเวลาถ่ายจริงและเพิ่มคุณภาพของภาพเสมอ นี่คือสิ่งที่ผมจะอธิบายเมื่อยืนอยู่บนกองและมองเห็นละอองลอยผ่านแสงไฟ—มันต้องมีเหตุผล และต้องสวยในแบบที่มีความหมาย

แนะนำให้เริ่มจากเพลงที่เหมือนการเปิดประตูสู่โลกทั้งใบอย่าง 'Tank!' จาก 'Cowboy Bebop' — จังหวะบรู๊ซแจ๊ซที่พาใจลอยไปกับยานอวกาศและบาร์ในคืนฝน เสียงทรัมเป็ตตัดเข้ามาแบบไม่ปรานี ทำให้ผมตื่นทันทีเหมือนได้กาแฟดำแก้วแรกของเช้าวันหยุด และนั่นแหละคือความมหัศจรรย์ของเพลงชิ้นนี้: มันเป็นทั้งไวรัลและการ์ตูนในรูปแบบเสียง ดนตรีไม่ได้แค่ประกอบฉาก แต่มันเป็นตัวละครที่มีอารมณ์ จังหวะที่รวดเร็วและเปี่ยมพลังเหมาะสำหรับคนอยากเริ่มต้นฟังเพลงประกอบด้วยความกระปรี้กระเปร่า ในมุมมองของคนที่ชอบบรรยากาศภาพยนตร์นัวร์ผสมไซไฟ เพลงนี้ทำหน้าที่เหมือนคำเชิญชวนให้สำรวจซาวด์สเคปที่หลากหลาย ถ้าต้องการเข้าใจว่าดนตรีภาพยนตร์สามารถกำหนดโทนเรื่องได้อย่างไร เริ่มที่ 'Tank!' จะทำให้รู้สึกอยากเปิดตอนต่อไปและเปิดเพลย์ลิสต์ยาวๆ ต่อด้วยมู้ดแจ๊สอื่น ๆ

เราเคยสังเกตว่าฉบับหนังของ 'ท่ามกลาง' ทำหน้าที่เป็นการคัดสรรแทนการเล่าเรื่องทั้งหมด—มันเลือกฉากสำคัญ สร้างภาพสัญลักษณ์ และละทิ้งรายละเอียดปลีกย่อยที่นิยายใช้เวลาอธิบายยาวเหยียด การเล่าเช่นนี้เตะตาทันทีเพราะภาพนิ่งและเสียงสามารถบอกอารมณ์ได้เร็วกว่า คำบรรยายในหนังมักถูกแทนด้วยมุมกล้อง ภาษาเครื่องแต่งกาย หรือการใช้แสง สี และเสียงประกอบที่นิยายต้องพึ่งพาคำพูดยาว ๆ เพื่อให้ได้ความรู้สึกเดียวกัน ฉบับนิยายมีอิสระในการขยายความในหัวตัวละคร จึงมักลงลึกในจิตใจและภูมิหลังที่หนังไม่มีเวลาทำ จากประสบการณ์การอ่านและดูเปรียบกัน ผมชอบทั้งสองแบบในบทบาทต่างกัน: นิยายให้ความพึงพอใจเชิงปัญญาและการสำรวจตัวละคร ส่วนหนังให้ความกระชับและพลังของภาพที่กระแทกอารมณ์ทันที ความแตกต่างนี้ทำให้การดูฉบับหนังของ 'ท่ามกลาง' เป็นประสบการณ์ที่ต่างออกไป แต่ก็มีเสน่ห์ของมันเอง

แสงหนึ่งเล็กๆที่ฉายผ่านความมืดในเรื่องราวทำให้ฉันนึกถึง 'Fullmetal Alchemist: Brotherhood' เสมอ เพราะนิยามของความหวังในเรื่องนี้ไม่ได้มาในรูปของการแก้ปัญหาแบบง่ายๆ แต่คือการยอมรับความสูญเสีย การร่วมฝ่าฟัน และความตั้งใจที่จะทำให้โลกดีขึ้นแม้จะเจ็บปวดมากที่สุด ตัวละครอย่างเอ็ดเวิร์ดกับอัลฟ์ทั้งสองเดินทางผ่านภาพความโหดร้ายของสงคราม การทดลองผิดธรรมชาติ และการทรยศ แต่สิ่งที่ยึดพวกเขาไว้คือความสัมพันธ์ระหว่างพี่น้อง ความรับผิดชอบต่อการกระทำ และความเชื่อมั่นว่าแม้การแก้แค้นหรือพลังมหาศาลจะถูกล่อลวง มนุษย์ยังมีทางเลือกที่จะยืนหยัดทำสิ่งที่ถูกต้อง ฉากที่ตัวละครหลายคนยอมเสียสละเพื่อผู้อื่นและบทสรุปที่ให้ความรู้สึกว่าแสงนั้นไม่ได้ดับลงไปทั้งหมด ทำให้เรื่องนี้ถ่ายทอดความหวังท่ามกลางความมืดได้ทรงพลังที่สุดสำหรับฉัน ภาพของความหวังในอนิเมะแตกแขนงเป็นหลายแบบและแต่ละแบบมีเสน่ห์แตกต่างกันไป อย่างเช่น 'Shoujo Shuumatsu Ryokou' (Girls' Last Tour) ที่เลือกใช้ความเรียบง่ายและความอ่อนโยนของสองตัวละครหลักเพื่อเติมเต็มช่องว่างของโลกหลังหายนะ ตอนที่พวกเธอค้นพบเศษของอดีตเล็กๆ น้อยๆ หรือได้หัวเราะร่วมกัน ท่ามกลางซากเมืองว่างเปล่านั้นให้ความรู้สึกเหมือนแสงเทียนอันน้อยนิดที่ยังคงลุกโชนในความหนาวเย็น ขณะที่ 'Made in Abyss' นำเสนอความหวังแบบมืดหม่นที่สลับกับความโหดร้ายของธรรมชาติ ความกล้าและความผูกพันที่มีต่อคนที่รักกลายเป็นแรงขับเคลื่อนให้ตัวละครเสี่ยงทุกอย่างเพื่อค้นหาความจริง อีกด้านหนึ่ง 'Puella Magi Madoka Magica' แสดงความหวังผ่านการพลีชีพและการเปลี่ยนแปลงของระบบโลก โดยท้ายที่สุดความปรารถนาของตัวเอกกลายเป็นความหวังใหม่ให้โลก แม้มุมมองจะขมขื่น แต่ก็มีประกายแห่งความหวังที่ถูกบ่มเพาะด้วยการเสียสละอย่างแท้จริง มุมมองส่วนตัวบอกได้ว่าความหวังที่ทรงพลังสำหรับฉันไม่ใช่การได้ชัยชนะอย่างสมบูรณ์แบบ แต่คือความสามารถที่จะลุกขึ้นต่อหลังจากพังทลาย ครั้งหนึ่งฉันดู '3-gatsu no Lion' แล้วสะเทือนใจกับการเล่าเรื่องการเยียวยาจิตใจของตัวเอกผ่านความสัมพันธ์เล็กๆ น้อยๆ กับเพื่อนบ้านหรือพี่น้องในสังคม ความอบอุ่นเหล่านั้นช่างตรงกับประสบการณ์การเติบโตของคนจริงๆ และทำให้ตอนจบของหลายๆ เรื่องน่าจดจำกว่าฉากแอ็กชันจนน่าตื่นเต้น นั่นจึงเป็นเหตุผลว่าทำไมหลายเรื่องถึงยังคงอยู่ในใจฉันเสมอ — เพราะแสงเล็กๆ นั่นส่องทางให้เดินต่อ แม้มืดมนแต่ก็ไม่เคยไร้ความหมาย

กลางกรุงเทพฯในยามค่ำคืนมีความเงียบที่พูดแทนคำได้มากกว่าผู้คนหลายพันคนในกลางวัน และเมื่อพูดถึงหนังไทยที่จับความเหงาท่ามกลางเมืองใหญ่ได้ตรงใจ ฉันมักจะนึกถึงงานที่ไม่พยายามอธิบายมาก แต่วางภาพ แสงเงา และความเงียบให้ผู้ชมเติมความรู้สึกเองมากกว่า หนึ่งในเรื่องที่ติดอยู่ในหัวคือ 'Last Life in the Universe' ซึ่งแม้จะพาเราไปสู่นิยายเมืองโตเกียว แต่วิธีถ่ายทอดความเปล่าเปลี่ยวของตัวละครสอดคล้องกับชีวิตคนไทยในเมืองใหญ่ได้ดีมาก ท่วงทำนองช้าๆ ของภาพและการเว้นจังหวะของบทสนทนาทำให้ความเหงากลายเป็นตัวละครอีกตัวหนึ่ง เมืองที่คนมากมายแต่ชีวิตกลับโดดเดี่ยวในห้องเล็กๆ และพฤติกรรมประจำวันซ้ำๆ กลายเป็นภาพแทนของความโดดเดี่ยวร่วมสมัย กลางเมืองกรุงเทพฯที่คับแคบยังพบการเล่าเรื่องที่ใกล้เคียงกันในหนังยุคใหม่ เช่น 'By the Time It Gets Dark' ที่เลือกใช้โทนสีและการตัดต่อแบบบรรยากาศ เพื่อให้ความเหงาเป็นสิ่งที่ซึมผ่านระหว่างฉากกับฉาก หนังเรื่องนี้ไม่ได้ยึดแค่ค่านิยมเดียวในการเล่า แต่ผสมผสานความทรงจำ วงจรการคิดถึง และช่องว่างของความสัมพันธ์ในเมืองไว้ด้วยกัน ทำให้เมื่อดูแล้วรู้สึกราวกับได้เดินผ่านตรอกซอกซอยความทรงจำของคนหลายคน อีกเรื่องที่ชวนให้คิดตามคือ 'Happy Old Year' ซึ่งใช้การเก็บของทิ้งเป็นเครื่องมือสำคัญในการสำรวจความว่างเปล่าทางอารมณ์ ตัวละครหลักพยายามเคลียร์บ้านและอดีตที่ทำให้ตัวเองรู้สึกอึดอัด แต่มันกลับทำให้เห็นว่าแม้จะทิ้งวัตถุได้ง่าย แต่การละทิ้งความทรงจำและความรู้สึกไม่เคยง่ายเหมือนการโยนกล่องทิ้ง สำหรับคนที่อยากได้มุมมองใกล้ชิดกับความเป็นจริงของคนเมืองสมัยใหม่ 'Heart Attack' กลับเป็นหนังที่จับอาการของคนที่ถูกเวลางานกลืนกินไว้ได้ดี ตัวละครแม้จะถูกล้อมรอบด้วยเพื่อนร่วมงานและคนจำนวนมากในเมือง แต่ความสัมพันธ์กลับแห้งและตื้น ความเหงาในเรื่องนี้เกิดจากการเบลอของชีวิตส่วนตัวกับงาน และการขาดการเชื่อมต่อที่ลึกซึ้งกับใครสักคน ฉันมองว่าหนังทั้งสี่เรื่องนี้ให้ความรู้สึกที่ต่างกันแต่สื่อสารหัวใจเดียวกัน—เมืองใหญ่เป็นพื้นที่ที่ความใกล้เคียงทางกายภาพไม่เท่ากับการเชื่อมโยงทางใจ ถ้าต้องเลือกเพื่อคืนที่อยากนั่งคิดเรื่องความเหงา อยากแนะนำให้เริ่มที่ 'Last Life in the Universe' สำหรับความเงียบที่งดงาม, 'By the Time It Gets Dark' สำหรับบรรยากาศเข้มข้นแบบศิลป์, 'Happy Old Year' เมื่อคิดถึงความทรงจำและการปล่อยวาง, และ 'Heart Attack' หากอยากได้ภาพสะท้อนความเหงาร่วมสมัยของคนทำงาน เมืองอาจจะกว้างใหญ่ แต่บางครั้งความเหงาที่ถูกถ่ายทอดในหนังเหล่านี้ก็ทำให้ฉันรู้สึกไม่โดดเดี่ยวเท่าเดิม

ไม่คิดเลยว่าจะมีซีรีส์ที่จับการเมืองได้หน่วงและเยือกเย็นขนาด 'House of Cards' แต่พอได้ดูจริง ๆ มันคือบทเรียนเรื่องอำนาจแบบออกอากาศ ฉันมองว่า 'House of Cards' สร้างความตึงเครียดจากการเล่นเกมจิตวิทยา—คนที่คิดว่าเป็นคนควบคุมกลับไม่ใช่คนเดียวเสมอไป ทุกฉากที่ Frank หรือ Claire เคลื่อนไหวคือการคำนวณผลประโยชน์และความเสี่ยง ทำให้คนดูรู้สึกเหมือนกำลังนั่งฟังการเจรจาลับในห้องที่ไม่มีหน้าต่าง ความน่าสะพรึงอยู่ตรงที่การเมืองในเรื่องถูกทำให้เป็นสนามแข่งของความทะเยอทะยานและการทรยศ จังหวะช้าๆ ของบทและการตัดต่อที่คมทำให้ความตึงเครียดสะสมจนแทบหายใจไม่ออก นอกจากความทะเยอทะยานแล้ว ยังชอบมุมของซีรีส์ยุโรปอย่าง 'Borgen' ที่พาไปดูความตึงเครียดแบบละเอียดอ่อนและมีมิติ ในเรื่องนี้การเมืองไม่ถูกถ่ายทอดผ่านคดีใหญ่หรือการลอบสังหาร แต่ผ่านการประนีประนอม จริยธรรม และชีวิตส่วนตัวของคนที่อยู่ในอำนาจ ความตึงเครียดเกิดจากการต้องตัดสินใจที่ไม่ถูกต้องสมบูรณ์แบบ—เลือกอย่างใดอย่างหนึ่งแล้วต้องยอมสูญเสียอีกอย่างไป บทของ 'Borgen' ทำให้ฉันนึกถึงช่วงเวลาที่การเมืองคลุกเคล้ากับสื่อและภาพลักษณ์ ทำให้ทุกการแถลงข่าวมีน้ำหนัก และทุกคำพูดกลายเป็นลูกศรที่พร้อมจะพุ่งใส่คนอื่น สุดท้ายอยากยก 'The Handmaid's Tale' เป็นอีกตัวอย่างที่ต่างออกไป เพราะความตึงเครียดเกิดจากการขีดเส้นโยงระหว่างการเมืองกับการกดขี่ เมื่อระบบรัฐศาสนาเข้ามาควบคุมร่างกายและความคิดของประชาชน ความตึงเครียดเลยแปลงเป็นความหวาดกลัวผสมกับความโกรธแค้น การถ่ายภาพและซาวนด์สเคปในเรื่องช่วยย้ำให้ทุกฉากรู้สึกอึดอัดและรุนแรง การ์ตูนทางการเมืองทั้งสามเรื่องนี้ให้ความรู้สึกต่างกัน—บางเรื่องหนักด้วยกลยุทธ์ บางเรื่องหนักด้วยการต่อสู้เชิงอุดมการณ์—แต่ล้วนทำให้เราไม่อาจละสายตาจากหน้าจอได้ในยามที่นาฬิกาการเมืองเดินช้าลง

เวลาที่ฉันจมอยู่กับหน้ากระดาษของ 'The Lord of the Rings' บทที่พาเราเดินผ่านพงไพร ความรู้สึกเหมือนถูกดึงเข้าไปในโลกที่ต้นไม้เป็นพยานและผู้เล่นคนหนึ่งในเรื่องราวเลยทีเดียว ฉากใน 'Fangorn' ที่มี Treebeard กับเอ็นท์อื่น ๆ หรือความสงบลึกลับของ 'Lothlórien' ไม่ใช่แค่ฉากหลังธรรมดา แต่เป็นตัวละครที่มีความทรงจำ สำนึก และอารมณ์ การวาดภาพป่าของนักเขียนคนนี้เต็มไปด้วยรายละเอียดเล็ก ๆ เช่นเสียงลมผ่านใบไม้ กลิ่นความชื้น และความเก่าแก่ของแต่ละต้นไม้ ทำให้ผู้อ่านรู้สึกว่ากำลังเดินบนทางเดินที่มีประวัติศาสตร์ยืนยาวอยู่เบื้องหน้า น้ำเสียงของการบรรยายมักจะให้ความรู้สึกเหมือนนิทานโบราณที่ถูกเล่าต่อกันมาจากยุคสมัยหนึ่งสู่ยุคสมัยหนึ่ง ฉากป่ามักเชื่อมโยงกับธีมของความเป็นต้นกำเนิดและการปกป้องโลกเก่าแก่จากการรุกรานของอุตสาหกรรม ตัวอย่างเช่น 'Mirkwood' ใน 'The Hobbit' เป็นป่าที่กลายเป็นอันตราย เมื่อตัวละครต้องเผชิญกับความหลงทางและความกลัว ขณะเดียวกัน 'Lothlórien' ก็ให้ความรู้สึกของที่หลบภัยเหนือกาลเวลา ฉันชอบวิธีที่ต้นไม้ไม่ใช่เพียงสิ่งตั้งอยู่เฉย ๆ แต่มีเจตจำนงบางอย่าง การใช้เพลงและบทกวีแทรกเข้าไปในฉากป่าทำให้บรรยากาศสะท้อนถึงความลึกของวัฒนธรรมและตำนาน การอ่านฉากป่าของนักเขียนคนนี้ทำให้ฉันมองธรรมชาติด้วยสายตาใหม่ บางช่วงเหมือนเดินคุยกับปู่ย่าตายายที่เล่าประวัติศาสตร์ บางช่วงก็เหมือนถูกทดสอบโดยป่าที่มีอารมณ์ขันแปลก ๆ เมื่อย้อนไปเห็นภาพ Treebeard ที่สั่งสอนมนุษย์ด้วยวิธีช้า ๆ มันชวนให้คิดว่าป่ามีเรื่องเล่าของตัวเอง และความรู้สึกนั้นเองทำให้ฉันชอบอ่านซ้ำไปมาในคืนที่ต้องการหลบหนีจากความเร็วของโลกสมัยใหม่

ฉันมักจะสังเกตว่าของสะสมที่ใช้ภาพคาแรกเตอร์แบบชัดเจนและมีองค์ประกอบที่เล่าเรื่องมักจะขายดีเสมอ เพราะภาพไม่ได้เป็นแค่องค์ประกอบสวย ๆ แต่ทำหน้าที่เรียกความทรงจำหรือความรู้สึกร่วมของคนซื้อได้ทันที สำหรับฉัน รูปแบบที่เตะตาและใช้งานได้จริงเป็นตัวชี้วัดสำคัญ ยกตัวอย่างเช่นการ์ดสะสมที่มีอาร์ตเวิร์กแบบเต็มตัวพร้อมเอฟเฟกต์ฟอยล์หรือเวอร์ชันวาดพิเศษ คนรักการ์ดมักจะมองหา ‘ภาพที่พูดได้’ — มุมโฟกัสที่จับอารมณ์ตัวละคร ท่าทางที่คุ้นเคย หรือซีนที่แฟนคลับจดจำได้ทันที นอกจากนี้ ไอเท็มที่หยิบมาใช้ในชีวิตประจำวัน เช่น สติ๊กเกอร์ชุดโปสการ์ดหรือพิมพ์ลงบนซองใส่โทรศัพท์ ก็ขายดีเพราะผู้คนอยากแสดงตัวตนผ่านของที่เห็นทุกวัน การเลือกสไตล์ภาพมีผลมาก ฉันชอบเวอร์ชันชิบิเมื่ออยากได้ของน่ารัก ราคาปานกลางเข้าถึงได้ง่าย ส่วนภาพเต็มตัวแบบอิลัสเทรตมักดึงกลุ่มที่พร้อมจ่ายสูงขึ้น สำหรับสินค้าแบบลิมิเต็ด อาร์ตคอลลาบกับศิลปินยูนิกหรือฉากพิเศษจากอีเวนต์จะเพิ่มมูลค่าได้อย่างชัดเจน ทำให้แฟนคลับรู้สึกว่ากำลังได้ชิ้นที่ไม่มีใครเหมือน กลยุทธ์ที่เห็นผลจริงคือการมีชอยส์ของฟินนิชต่างกัน เช่น เคลือบแมตต์ เคลือบกลอส หรือโฮโลแกรม การเพิ่มสตอรี่เล็ก ๆ บนแพ็กเกจ เช่น หมายเลขผลิตหรือคำอธิบายฉาก จะทำให้สินค้าดูมีเกียรติมากขึ้นและกระตุ้นการสะสม จากประสบการณ์ส่วนตัว สินค้าที่ใช้ภาพเด่นและมักขายดีในชุมชนที่ฉันเล่นคือโปสเตอร์อาร์ตขนาดกลางที่ใส่กรอบง่ายและเซ็ตโปสการ์ดธีมซีรีส์ — คนมักจะซื้อต่อเป็นเซ็ตเพื่อจัดแสดง นอกจากนี้ ของที่สามารถถ่ายรูปแล้วดูดีบนโซเชียลก็เป็นตัวเปลี่ยนเกม: แพ็กเกจออกแบบสวย ๆ และการจัดองค์ประกอบภาพถ่ายช่วยให้สินค้าแพร่กระจายแบบปากต่อปาก สรุปว่าถ้าจะทำของสะสมให้ขายดี ควรให้ความสำคัญทั้งที่อาร์ตสไตล์ การใช้งานจริง ความพิเศษเชิงจำนวน และการนำเสนอที่ทำให้คนอยากโชว์ — นั่นแหละคือหัวใจของของที่มีภาพคาแรกเตอร์แล้วคนควักเงินซื้อกันจริง ๆ