هل يرشح النقاد فيلم ايطالي جديد لنيل جوائز دولية؟

أستحضر دائماً اللحظة التي رأيت فيها لافتة 'Spirited Away' في قائمة الفائزين بالأوسكار — كان فضولي يقودني لمعرفة من وقف خلف ذلك العمل الساحر. في حالة 'Spirited Away' بالتحديد، كانت شركة الإنتاج هي ستوديو غيبلي والشخص البارز في الإشراف الإنتاجي هو توشيو سوزوكي، بينما أبدع هاياو ميازاكي كمخرج. هذا الفيلم مثال جيد على كيف أن استوديو قوي ومنتج متحمس يمكن أن يقدما مشروعاً محلياً إلى منصة دولية. لكن الأمر لا يقتصر على أسماء فردية؛ غالباً ما تكون شركات الإنتاج اليابانية الكبرى مثل Studio Ghibli أو شركات الأستوديو التقليدية هي من يمول وينسق الأعمال التي تصل لمهرجانات عالمية. لذا عند الحديث عن فيلم ياباني فاز بجوائز دولية، فمن المنطقي البحث عن اسم الشركة المنتجة أولاً ثم عن المنتج التنفيذي الذي واجه تحديات التمويل والتوزيع. هذا يعطيك صورة أوضح عن من «قام بإنتاج» الفيلم ولماذا حقق نجاحه.

أحتفظ بذاكرة مشرقة لكل مرّة حضر فيها المخرجون الإيطاليون مهرجانًا دوليًا، وهذا شيء يحمسني دائماً. أتذكر كيف أسهمت موجة الواقعية الجديدة في الستينيات في إدخال أسماء مثل 'Roberto Rossellini' و'Vittorio De Sica' إلى دوائر المهرجانات العالمية، بأفلام مثل 'Roma città aperta' و'Ladri di biciclette' التي تحدثت بصدق عن الحياة اليومية ولفتت نظر لجنة التحكيم والنقاد. ثم جاء عصر فيديريكو فيلليني الذي قلب المفاهيم بصريًا وروحيًا؛ 'La Dolce Vita' و'8½' غيرتا قواعد اللعبة وأكدتا أن السينما الإيطالية قادرة على المزج بين الجنون والجمال بطريقة تجذب فينيسيا وكان وغيرهما. ولا أنسى الأسماء اللاحقة التي لم تكف عن حضور المهرجانات: لوتشينو فيسكونتي، ميكيلانجيلو أنتونيوتي، بل وحتى مخرجو الجيل الجديد مثل باولو سورنتينو وماتيو جارّوني الذين أعادوا إحياء الاهتمام العالمي بالسينما الإيطالية. حضورهم في مهرجانات فينيسيا وكان وبرلين جعل الجمهور الدولي يستعيد شغفه بإيطاليا السينمائية من جديد.

تركتني مشاعر الفيلم متعلقة به لفترة طويلة. كان أداء الممثل مليان تفاصيل دقيقة رتبت المشهد بالكامل في عقلي: حركة إصبعه الصغيرة، لحظة صمت قبل الجواب، وكيف تغيرت نبرة صوته حين تذكر ماضٍ مؤلم. عاشت الشخصية على الشاشة بشكل لا يوصف لأن الممثل لم يكتفِ بالنص؛ واجه المشاهد بصدق بحيث شعرت أنني أكتشف إنسانًا جديدًا وليس دورًا ممثلًا. الإخراج هداه، واللقطات المقربة كشفت تعابير صغيرة عادةً ما تُفقد في التمثيل السطحي. إضافة لأن الفيلم إيطالي والحوار احتفظ بنكهة المكان، كانت الصدقية في النطق والحركات المحلية سببًا كبيرًا في تقبّل الجمهور، خصوصًا من يعرف ثقافة البلد. في النهاية، الجمهور امتدح لأنه شعر بالأمان أمام الأداء؛ لم يُعرض عليه تفسير جاهز، بل دُعي ليشعر ويعيد التفكير. هذا النوع من الأداء يترك أثرًا يستمر بعد الخروج من القاعة، وهذا وحده يكفي لأن يُشاد به كثيرًا.

أتذكر تمامًا كيف علّقني فيلم 'Oldboy' من أول لقطة: قصة تبدأ كحكاية انتقام بسيطة وتتحول إلى دوامة من الألغاز والصدمة. البطل، أوه داي-سو، يُخطف ويُحتجز في زنزانة خاصة دون تفسير لمدة خمسة عشر عامًا، ثم يُطلق سراحه فجأة بمال وملابس وهاتف محمول. الهدف الواضح: معرفة من وراء هذا السجن ولماذا. ما يجعل الحبكة أكثر قوة هو الرحلة الشخصية التي يخوضها داي-سو بعد الإفراج؛ لا يقتصر الأمر على معركة جسدية لاستعادة العدالة، بل يستكشف الفيلم أعماق الهوس والندم والهوية. أثناء بحثه يلتقي مي-دو، نادلة شابة تصبح محورًا لعاطفة معقدة ومتنامية، وفي المقابل تتكشف مؤامرة أعمق من مجرد رغبة في الانتقام. الخصم، لي وو-جين، يكشف عن دافع مؤلم يعود إلى ماضيهما المشترك في المدرسة، وأفعال شباب صغيرة كان لها أثر تدميري. الأفكار حول الأخلاق، المساءلة والنتائج غير المقصودة تتصاعد مع كل كشف، حتى يصل الأمر إلى ذروة تنبض بالرعب والمرارة. الحركة في الفيلم، خاصة لقطة القتال الشهيرة في الممر، تُقدّم بشكل خام وواقعي، لكنها ليست فقط عن تبادل اللكمات؛ هي وسيلة لعرض التحول النفسي. وفي النهاية هناك منعطف أخلاقي: داي-سو يختار مسارًا غريبا للتعامل مع الحقيقة، والفيلم يتركك مع مزيج من الإعجاب والرغبة في الهروب من الفضيحة. هذا السم المزدوج بين الذهنية الانتقامية والندم هو ما جعله يلمع دوليًا ويحصد جوائز مثل الجائزة الكبرى في مهرجان 'كان'.

لما خرجت من السينما كنت أتهيأ للانقسام، ولكن المفاجأة أن نقاد السينما إلى حد كبير اتفقوا على أن التجربة تستحق المشاهدة. أنا شعرت بأن المدح كان مركزًا على الأداء التمثيلي؛ الممثل الرئيسي أعاد بناء شخصية معقدة بشكل يجعل المشاهد مستثمرًا من المشهد الأول، والنقاد امتدحوا التفاصيل الصغيرة في اللغة الجسدية واللقطات المقربة. هناك مدح كبير للمخرج الذي استطاع تقديم رؤية واضحة دون أن يفقد الفيلم تماسكه البصري. مع ذلك، لم يخلُ النقاد من ملاحظات: البعض وجد الإيقاع بطيئًا في القسم الأوسط وبعض الحوارات تبدو مكررة، لكنهم اعتبروا هذه العيوب قابلة للتغاضي أمام قوة المشهد النهائي والرسالة التي يحملها الفيلم. في المجمل، قراءة آراء النقاد جعلتني أؤمن أن هذا الفيلم يناسب من يبحث عن العمل الفني المتأمل أكثر من محبّي الأكشن الصرف؛ خرجت بابتسامة وتوقُّع لأرى رد فعل الناس بعد أسابيع على العرض.

لا أنسى المشهد الافتتاحي لـ 'Apocalypse Now'؛ لما أتذكره أجد نفسي أفكر أولًا بمن يقف خلف الكاميرا من الناحية المالية والتنفيذية. الفيلم أُنتج بشكل أساسي على يد فرانسيس فورد كوبولا، الذي لم يكتفِ بالإخراج بل تولى دور المنتج أيضًا، وكان له شركاء إنتاج مثل غراي فريدريكسون وفِرق إنتاج كبرى دعمت المشروع. هذا العمل نال جوائز دولية مهمة، من بينها جائزة السعفة الذهبية في مهرجان كان (مشارَكةً) وبعض الجوائز الفنية مثل الأوسكار لفئات فنية، مما جعله واحدًا من أكثر أفلام حرب فيتنام تأثيرًا وشهرةً في السجلات السينمائية. أحب أن أروي كيف أن إنتاج فيلم بهذا الحجم تطلب مجهودات غير اعتيادية وإصرارًا من كوبولا وطاقمه، خاصة مع تحديات التصوير والميزانية والصراعات الإبداعية داخل وخارج موقع التصوير. النتيجة كانت فيلمًا يمتلك لغة سينمائية فريدة وتجربة بصرية وصوتية استثنائية، وهذا ما جعل جائزة كان والأوسكار أمورًا منطقية بالنسبة للعمل.

أذكر جيدًا النقاش الحماسي الذي طلع بعد عرض تلك النهاية الغامضة، وكنت واحدًا من الذين تابعوا تلاوين تفسيرات النقاد بشغف. بصيغة مباشرة، النقاد لم يقدّموا تفسيرًا موحّدًا واحدًا فحسب، بل شكّلوا سلسلة من شروحات مترابطة بدأت بتفكيك البنية السردية: أولًا فصلوا الأحداث التي تُرى كوقائع عن مشاهد الحلم أو الذاكرة، وأوضحوا أي لقطات تُؤطر كذاكرة داخل الشخصية وأيها حدث خارجي. ثم اتجه النقد إلى العلامات البصرية—الألوان المتكررة، نمط الإضاءة، والحركة البطيئة للكاميرا—ككودات تُعيد قراءة النهاية بحيث تصبح موضوعية رمزية لا حلّا نهائيًا، بل خاتمة تعبر عن فقدان أو قبول. كما شرحوا دور الصوت التصويري والموسيقى في إيهام المشاهد بوجود توافق أو تضارب داخلي لدى البطل. أحببت كيف أن بعض الشروحات لم تتوقف عند التفسير النفسي فقط؛ بل انتقلت إلى قراءة اجتماعية وسياسية تربط النهاية بسياق إيطاليا المعاصر أو بتاريخ مخرج الفيلم. هذه الطريقة جعلت النهاية أقل غموضًا تقنيًا وأكثر ثراءً دلاليًّا بالنسبة لي، ونقلت المشاهدة من إحساس بالضياع إلى تجربة قراءة متعددة الطبقات.

لا شيء يضاهي متعة فيلم إثارة مُحكم يخليك تفكر في كل مشهد بعد ما يخلص؛ لذلك أتابع توصيفات النقاد بعين ناقدة ومتحمّسة. أنا أحب الأفلام اللي تجي بتوازن بين حبكة ذكية، أداء قوي، وإخراج يخلي كل لقطة لها وزن. من الأفلام الأجنبية التي حازت إعجاب النقاد مؤخراً وأجدها تستحق المشاهدة: 'Anatomy of a Fall' لجوستين ترييه، فيلم محكمة نفسي ومشوق فاز بجائزة السعفة الذهبية ويُقدَّم بذكاء في تركيب الوقائع والشهادات بحيث تتأرجح قناعتك طوال الوقت. كذلك 'The Killer' لديفيد فينشر، عمل بارد ومشحون بالتوتر يقدّم مطاردة قاتل محترف بتصوير دقيق وإيقاع قاتم. لا أستطيع أن أغفل عن 'Killers of the Flower Moon' لمارتن سكورسيزي، وهو أكثر من مجرد تحقيق جنائي؛ الأداء والإحساس التاريخي جعلاه من الأفلام التي رُشّحت وتُذكر كثيراً. وأخيراً لو تحب الإثارة الدرامية الواقعية، 'Society of the Snow' يُعيدك لحادثة ناجية بطريقة سردية مكثفة وصادمة. كل واحد من هذه الأفلام نال استحسان النقاد لأسباب مختلفة—من الكتابة إلى الإخراج والتمثيل—فاختر بحسب مزاجك: لغز محاكم؟ 'Anatomy of a Fall'. إثارة باردة ومهنية؟ 'The Killer'. ملحمية جريمة؟ 'Killers of the Flower Moon'. أحسّ بأن مشاهدة هذه الأعمال اللي نالت رضى النقاد تمنحك تجربة إثارة متنوعة: عقلية، نفسية، وتاريخية، وتبقى معك أفكارها حتى بعد ما تخلص الفيلم.