研究者はショゴスの起源をどのように論じていますか？

耳でイメージを固めるところから作業を始める。僕はまず“生物らしさ”と“異質さ”のバランスを決めるために、既存の動物音を山ほど集めるところから入る。ゾウの低振動、アザラシの唸り、豚や牛の喉鳴らし、さらに人間の喉声や赤ん坊のうめき声まで、意外な組み合わせがショゴスの不気味さを生む。集めた素材を時間伸長して倍音を出し、ピッチを下げたり上げたりして“生体の幅”を広げる。 そのあとで、電気的な加工を重ねる。グラニュラー合成でざらついた粒状感を付与し、フォルマント操作で息遣いや口腔の共鳴を作る。金属を叩いたり、厚手のゴムをこすったりしたフィジカルな音を加えて、ぬめりや粘性の印象を出すことも多い。湿った音や泡立ち音を薄く重ねると有機物らしい“ねばつき”が強調される。 最後に空間処理とダイナミクスでまとめる。低域を強調して腹に響くようにし、必要ならサブベースを合成して振動を感じさせる。逆再生や時間差のディレイを使って発声の起点がつかめない印象を作り、コンボリューションで独自の空間フィルターをかけて“どの世界で鳴いているか”を曖昧にする。個人的には、こうした多層の実験が一番楽しいと思うし、完成した鳴き声が映像に馴染んだ瞬間はいつもワクワクする。

ショゴスという題材から生まれる作品群は、予想以上に多様だ。 最初の印象はもちろんクトゥルフ的な恐怖を活かしたものだけれど、それに収まらない展開を楽しむ創作がたくさんあると感じる。僕がよく目にするのは、まず古典的な恐怖再現派だ。ここでは『クトゥルフ神話』の文脈を踏まえつつ、未知の存在としての壮大さや人間の無力さを丁寧に描く。叙情的な文体や日記形式でゆっくりと狂気が積み重なる短編が多く、読み終えた後にじわじわと効いてくるタイプが好きだ。 次に驚かされるのは同情的・共感的な再解釈だ。ショゴスを単なる怪物ではなく、記憶を失った存在や感情を獲得する過程にある存在として描く作品が増えている。僕はそういう作品に弱くて、外見と内面のギャップを丁寧に掘り下げる話を読むとつい涙ぐんでしまう。 最後にクロスオーバーやパロディでの使われ方にも目を引かれる。たとえば水と孤独を扱った映画的なモチーフと絡めた短編では、予想外に優しい関係性が生まれていて、『シェイプ・オブ・ウォーター』の空気感を借りつつ独自の解釈で救いを描いているものに心を動かされた。ジャンルを横断してショゴスという素材が生きる瞬間を探すのが、僕の楽しみの一つになっている。

視覚的には、塊そのものが語るべきだと感じている。ショゴスは単なる巨大なモンスターではなく、流動する意志を持った物質のように見せたい。表面は滑らかで濡れている部分と、乾いた裂け目が混在する複雑なテクスチャで構成し、観客が触れたらどうなるかを想像させるようにするのが肝だ。色味は単色の黒や灰色一辺倒にはせず、血管の赤や緑が透けるような微妙な層を重ねて、生物であることの不気味さを強調する。 動きは断続的で予測不能、だが意図を感じさせる。腕のように見える突起がゆっくり伸び、瞬間的に粘膜を跳ね返すような瞬発力を持たせることで、「意思はあるが物理法則に従わない」と思わせる。物理的な重みを与えるために、実物大のパーツや布地を使った実写パーツを混ぜつつCGで接合する手法を考える。『パンズ・ラビリンス』の造形と操作感、そして『シン・ゴジラ』の進化描写から学べることが多い。 最終的には編集と音響で形を決定する。ショゴスを正面から長時間見せすぎず、断片的なカットで観客の想像力を刺激する。唸り、膜がはがれる音、粘液の滴下音──そうした非言語の手がかりが、ビジュアルを何倍にも恐ろしくする。自分なら実体感と神秘性のバランスを常に意識して作るだろう。