أي استوديو أنتج رسوم متحركه هوليوودية خلال 2023؟

فكرة بسيطة: مش ممكن نجاوب بسطر واحد على سؤال عن أي استوديو أنتج الفيلم الياباني الفائز بجوائز، لأن السينما المتحركة اليابانية مليئة باستوديوهات أثرت الصناعة كلها. لو أردت اسمًا يلمع أكثر من غيره فببساطة أذكر 'Studio Ghibli' — هذا الاستوديو هو السبب في دخول الأنمي إلى منصات الجوائز العالمية بشكل جدي. أشهر مثال هو 'Spirited Away' الذي فاز بجائزة الأوسكار لأفضل فيلم رسوم متحركة عام 2003، كما أن أفلامًا أخرى من غيبلّي مثل 'The Tale of the Princess Kaguya' و'Princess Mononoke' حصدت إشادات وجوائز داخل وخارج اليابان. لكن هذا لا يعني أن غيبلّي هو الوحيد؛ هناك أسماء كثيرة أخرى تستحق الذكر. مثلاً، استوديوهات مثل 'CoMix Wave Films' أنتجت 'Your Name' الذي لم يفز بجائزة أوسكار لكنه حاز على جوائز محلية وعالمية وحقق نجاحًا جماهيريًا هائلًا، كما جعل اسم المخرج ماكوتو شينكاي معروفًا عالميًا. 'Studio Chizu' لأعمال مخرج مثل مامورو هوسودا قدّم أفلامًا رُشحت للأوسكار مثل 'Mirai'، و'Kyoto Animation' قدمت أعمالًا مقنعة ومكافأة مثل 'A Silent Voice'. حتى استوديوهات مثل 'Madhouse' و'Production I.G' و'MAPPA' و'Studio Ponoc' لديها أفلام حصدت جوائز ومهرجانات وترشيحات، سواء على مستوى اليابان أو في مهرجانات دولية. الخلاصة العملية؟ لو السؤال يهدف لمعرفة استوديو واحد فقط فـ'Studio Ghibli' هو الاسم الأبرز بسبب فوز 'Spirited Away' بالأوسكار، أما إذا كنت تفكر بعمق فالعالم الياباني للأنمي يغنّي بعمل كل استوديو منه فاز أو ترشح لجائزة مهمة. كل استوديو له بصمته، والجوائز توزعت بين عشرات الأعمال، لذلك يستحق البحث عن كل فيلم على حدة إذا كنت تبحث عن نوع أو ذوق محدد، وصدقني ستكتشف كنوزًا أكثر مما تتوقع.

هذا النوع من الحكايات يلامسني دائمًا عندما أبحث عن شيء يهدئ قبل النوم. أحيانًا تجد على اليوتيوب قناة تحمل اسم 'قصة قصيرة قبل النوم' وتقدّم حلقات رسوم متحركة قصيرة مبسّطة ومصممة خصيصًا للأطفال الصغار — الصور هادئة، والأصوات ناعمة، والحكاية لا تطول. الكثير من هذه القنوات مستقلة؛ يملكها مبدعون يضعون اهتمامًا كبيرًا في الإيقاع الصوتي والموسيقى الخلفية لتهدئة الطفل. في تجربتي، القليل من هذه القنوات يعمل بأسلوب سردي مشابه لقصص الأمسيات القديمة: بداية موجزة، تضحية بسيطة، ثم درس لطيف ونهاية دافئة. إن أردت مثالًا عمليًا ستجد قائمة تشغيل كاملة لدى قنوات متخصّصة باسم 'قصة قصيرة قبل النوم' أو 'قصص قبل النوم للأطفال' على يوتيوب. أحب كيف تُعيد هذه الحكايات البسيطة إحساس الطفولة، وتؤمن وقتًا هادئًا قبل الإغلاق على النوم.

أتذكر جيدًا كيف كان الاستوديو يتعامل مع تصميم الشخصيات في الأفلام الكلاسيكية كأنها ولادة بطيئة ومدروسة لشخص حي. كنت أتابع الخطوات من قرب: تبدأ الفكرة في غرفة القصة كملخص بسيط عن شخصية، ثم ينتقل الفنان لرسم سكتشات سريعة تُدعى thumbnails لتحديد اللغة البصرية والشكل العام. بعد ذلك يُطوّرون 'التورن أراوند' أو لوحة الالتفات من كل الجهات، مع أوراق تعابير تظهر الابتسامات، الغضب، الحزن، والضحك حتى يبقى الأداء متسقًا مع كل مؤدي حركة. في تجربة العمل لاحقًا، كانت التجارب الصوتية مع الممثل مهمة جدًا؛ التسجيلات المبكرة تحدد نغمة الشخصية والإيقاع. ثم تأتي اختبارات القلم الرصاص (rough tests) لتجربة التوقيت والتثبيت، حيث يرسم كبار الرسامين المفاتيح (key poses) ويتركون الفراغات للرسامين الوسطيين (in-betweeners). نظريًا كل حركة تتناقش مع مدير التحريك للتأكد من قواعد الـ squash and stretch، خطوط الطاقة، وسلاسة الأقواس التي تجعل الشخصية تبدو طبيعية. اللمسات الأخيرة تشمل التحديد والتنظيف، تلوين الأنساب اللونية وفق 'سكربت الألوان'، ودمج الشخصية مع الخلفيات باستخدام كاميرا متعددة الطبقات أو تقنيات عصرها مثل xerography في بعض أفلام 'ديزني' الكلاسيكية. كل خطوة كانت تتطلب تعاونًا بين القصة، الصوت، الخلفيات، والتحريك؛ وهذا ما يمنح الشخصية الإحساس بأنها أكثر من رسمة—إنها شخصية تعيش على الشاشة.

اكتشفت مرارًا أن الاستوديوهات تحب تحويل القصص القصيرة إلى رسوم متحركة بطرق مفاجئة ومبدعة، الأمر أشبه بتحويل قصة صغيرة إلى عالم بصري كامل. أعطيك مثالاً واضحاً: استوديوهات كبيرة مثل ديزني اعتادت على اقتباس الحكايات الخيالية القصيرة مثل قصص الأخوين غريم أو حكايات هانس كريستيان أندرسن، وحتى أنتجت ديزني قصصاً قصيرة متحركة حديثة مثل 'The Little Matchgirl' التي اعتمدت على حكاية أندرسن. أما في اليابان، فاستوديوهات مثل غيبلي استلهمت أعمالاً شعبية قصيرة؛ 'The Tale of the Princess Kaguya' مأخوذ عن حكاية يابانية قديمة، و'Ponyo' له جذور واضحة في 'The Little Mermaid' لأندرسن. هذه الأمثلة تظهر كيف يمكن تحويل مادة قصيرة إلى فيلم طويل عن طريق التوسيع في الشخصيات والعالم. غير أن التحويل لا يقتصر فقط على توسعة القصة؛ هناك أيضاً أفلام وأنمي مختصر أو مجموعات أنثولوجية مخصصة لقصص قصيرة، مثل 'Robot Carnival' و'Memories' و'Short Peace' و'Genius Party'، حيث يحصل كل مخرج على مساحة لصنع قطعة قصيرة مستقلة. كما تُستخدم هذه الطريقة لتجارب فنية أو عروض مهرجان، أو حتى كوسيلة لاستكشاف فكرة دون الالتزام بفيلم طويل كامل. بالنسبة لي، مشاهدة كيف تُترجم فكرة مختصرة إلى صورة وصوت دائمًا مثيرة وتجعلني أبحث عن النص الأصلي لأقارن بين اللعبات الفنية والنيّة الأصلية.

لو سألت مجموعة من الناس في الساحة الترفيهية، أنا أرجّح أن التحالف بين ديزني وبيكسار كان الأكثر حضورًا وشهرة خلال العقد الأخير. بالنسبة لي، ده مش مجرد اسم كبير على الملصق، ده سلسلة من الأفلام اللي دخلت في ثقافتنا اليومية: 'Coco'، 'Coco' طبعًا تمثّل تواصلًا عاطفيًا مع التقاليد والموسيقى، و'Toy Story 4' خلّف عندي مزيج من الحنين والوداع، أما 'Soul' و'Encanto' فقدما تجارب مختلفة — الأولى أفكار فلسفية عن الهدف والهوية، والثانية انفجار لوني وموسيقي دخل بسرعة في قوائم الأغاني والمنصات. السبب اللي يخليني أقول ديزني/بيكسار هو التوازن بين النجاح التجاري والقبول النقدي، إلى جانب تأثيرهم على منصات البث والمهرجانات وجمهور العائلة. أفلامهم ما بس بتحقق أرقام كبيرة، بل كمان بتخلق صورًا ومقاطع تُعاد مشاركتها وتُقتبس، سواء على تيك توك أو في المدارس أو بين الأصدقاء. طبعًا في استوديوهات تانية قدمت أعمال رائعة، لكن لو بحكم على الأكثر شهرة وتأثيرًا جماهيريًا خلال السنوات الأخيرة، فالتمازج بين أساليب السرد، الموسيقى، والجودة التقنية لدى ديزني/بيكسار خلّى أعمالهم تبقى على ألسنة الناس واتحوّلت لرموز ثقافية بالنسبة لي ولجمهور واسع.

من النادر أن يمر عقد كامل دون أن تتبدّل خارطة جمال الرسوم المتحرّكة أمام عينيّ، وأحب أن أبدأ بالقلب: الاستوديوهات اليابانية الكبيرة. شاهدت الكثير من الأفلام هذا العقد، وما يميّزهم عندي هو التوازن بين الحرفة والخيال. على رأس القائمة أضع 'ستوديو غيبلي'، خاصة بعد 'The Boy and the Heron' ('ولد والغراب') في 2023 الذي أعادني إلى إحساس الحكاية اليدوية والزوايا البصرية المليئة بالتفاصيل؛ الألوان، الحركة اليدوية، والصوت تجعل المشاهد يعيش كأنه داخل لوحة متحركة. ثانياً أقدّر كثيراً أعمال 'CoMix Wave Films' التي يقودها ماكوتو شينكاي؛ 'Suzume' مثال واضح على كيفية مزج المشاعر الكبيرة مع تصميمات بصرية دقيقة، حيث الكادرات الطويلة والإضاءة تلعب دور الراوي. بالمقارنة، شركات مثل 'Pixar' و'Studio Laika' (حينما تصدر أعمالاً متقنة) تجلب مستوى مختلف من الجمال: 3D مدعوم بقصص تقرع أوتار القلب، كما في 'Soul' و'Turning Red' اللذين أظهرا أن الجمال لا يقتصر على نوع واحد من الخامات. بالنهاية، الجواب عندي يعتمد على ماذا تقصد بـ'الأجمل' — هل هو جمال الرسم اليدوي، سينمائية اللقطة، أم الابتكار التقني؟ لكن إن طلبت اسمًا واحدًا أراه بقوة هذا العقد فأنحاز لِصانعي الحكاية البصرية: الاستوديوهات اليابانية الصغيرة والكبيرة التي توازنت بين تراث الرسم اليدوي واحتضان التقنيات الحديثة، لأنّها أحيت فيّ شعور الدهشة كما لم يحدث في أماكن أخرى هذا العقد.

كنت أتابع صفحة الاستوديو على كل منصات السوشال ميديا لأسابيع قبل أن أقدّم، فالحقيقة أن الاستوديو غالباً ما يعلن عن فرص العمل بطرق واضحة وغير واضحة في نفس الوقت. أولاً، الإعلانات الرسمية تظهر عادة على صفحة 'التوظيف' في موقعه الرسمي أو في حسابه على 'LinkedIn' و'Twitter' و'Instagram'، خصوصاً للوظائف الدائمة أو المناصب الإشرافية. ستجد هناك متطلبات واضحة—خبرة، برامج مطلوبة، ونطاق العمل—وموعد انتهاء التقديم. لكن لا تقتصر الطريقة على ذلك؛ كثير من الاستوديوهات تفضل نشر فرص التدريب الصيفي أو الوظائف المؤقتة عبر منشورات على حسابات القيمين الفنيين أو مديري الإنتاج، أو حتى عبر مجموعات خاصة على فيسبوك وتيليغرام. ثانياً، هناك فرص لا تُعلن أبداً بشكل رسمي: استوديوهات صغيرة أو مشاريع مستقلة تعتمد على التوصيات، اللقاءات في المؤتمرات، أو رسائل مباشرة من فنانين متابِعين للعمل. نصيحتي العملية هي أن يكون لديك ملف أعمال جاهز (رييل مُحدّث من دقيقة إلى دقيقتين)، رابط واضح للعمل على 'Vimeo' أو 'YouTube' أو محفظة على 'ArtStation'، وسيرة ذاتية موجزة. تابع حسابات إفرادية داخل الاستوديو ولا تتردد بإرسال بريد مهني قصير يربط مهاراتك بمشروعهم. هذه الطرق المشتركة تعطيك أفضل فرصة لاكتشاف الإعلان قبل أن يزدحم المتقدّمون، وتمنحك انطباعاً أقوى عند القائمين بالتوظيف.

أميل دائماً لمتابعة مشهد السينما الدولية من زوايا مختلفة، وفي 2024 لاحظت أن شركات إنتاج وتوزيع محددة كانت حاضرة بقوة في تقديم أفضل الأفلام الأجنبية. A24 تظل من أهم الأسماء لأنّها تراهن على مخرجين أصليين وتجارب سردية جرئية؛ أنا أقدّر كيف تمنح مساحة لصوت مبدع قد لا يتألق لدى الاستوديوهات الكبيرة. بالمقابل، Searchlight Pictures وFocus Features يقدّمان أفلاماً تميل للجوائز والجودة الفنية، وهما مثالان على إنتاج سينمائي يرتكز على النص والتمثيل والمهرجانات. من جهة أخرى، لا يمكن تجاهل قوة المنصات الكبرى مثل Netflix وAmazon MGM التي استثمرت بكثافة في الإنتاجات الدولية والتعاونات عبر دول متعددة، ما سمح بظهور أفلام بلغات مختلفة وبجودة إنتاجية عالية. شركات يابانية مثل Toho حافظت على حضورها في السوق الآسيوي وقدّمت أعمالاً مهمة لمحبي السينما غير الغربية. أما شركات أوروبية مثل Studiocanal وGaumont وPathé فكانت عماد تمويل وتوزيع المشاريع الأوروبية التي لاقت استحسان النقاد والجمهور المختص. في النهاية، أرى أن اختيار "أفضل" شركة يعتمد على ذائقة المشاهد: إن أردت تجربة مستقلة ومجرّبة فستتجه إلى A24 أو Neon، وإن كنت تميل إلى الإنتاجات الضخمة أو التعاونات العابرة للقارات فستجد Netflix وAmazon في المقدمة. أنا شخصياً أحب رؤية التنوع بين هذه الأسماء لأنها تُثري المنصة السينمائية العالمية وتشبع فضولي كمشاهد.

أستطيع أن أعدّ لك خمسة مخرجين أحب أعمالهم للأطفال، وكل واحد فيهم بيقدم طعم مختلف من السحر. أولهم هو هاياو ميازاكي، صاحب تلك القدرة العجيبة على خلق عوالم مليانة تفاصيل ودفء مثل 'My Neighbor Totoro' و'Spirited Away'. أحب أن الأطفال يشعرون بالفضول أكثر من الخوف مع أفلامه، وهي مناسبة لعائلات تبحث عن جمال بصري وقصص تحمل معانٍ عميقة دون أن تكون فوق رؤوس الصغار. ثانيًا من اليابان مامورو هوسودا، اللي يكتب قصص عائلية عن النمو والهوية، شوف له 'Wolf Children' و'Mirai' لتعرف ليش أحبها. ثالثًا، بيت دوكتر من بيكسار، اللي حابب طريقة تعامله مع مشاعر الأطفال في 'Inside Out' و'Up'. رابعًا، دين ديبلويس/كريس ساندرز مع روح المغامرة في 'How to Train Your Dragon' و'Lilo & Stitch' لمن يحبون الأكشن الحنون. وأخيرًا، نيك بارك في الستوب موشن مع روح الدعابة البريطانية في 'The Curse of the Were-Rabbit' و'Wallace & Gromit'. أنا أختار بينهم بحسب مزاج اللي قاعدة تشاهد معاه: لو تبي هدوء وخيال أذهب لميازاكي، لو تبي درس عاطفي فدوكتر، وهكذا — وكل اسم منهم يعطيني إحساس مختلف بالحنان والمرح.