¿Dónde Publica Mauro Entrialgo Sus Cómics Y Tiras?

Siempre ando pendiente de dónde cuelga sus cosas Mauro Entrialgo, y por lo general hay varias vías claras para encontrar originales y merchandising suyo. Primero, la fuente más directa suele ser su propia web y la sección de tienda que mantiene en ella: ahí publica tiradas de prints, camisetas y a veces originales sueltos con fotos y precios. Además, es frecuente que anuncie ventas puntuales en sus redes sociales (Instagram y X) cuando sube originales o pone a la venta material exclusivo; esos posts suelen incluir cómo pagar y enviar. Por último, no hay que olvidar los salones del cómic y las ferias: Mauro suele llevar ejemplares, fanzines y material firmado a encuentros como el Salón del Cómic, donde se pueden comprar piezas directamente. En mi opinión, si buscas algo concreto, seguir su web y sus redes te ahorra tiempo y te deja ver novedades al momento.

Me encanta recopilar las cosas que suelta Mauro Entrialgo en entrevistas porque suele mezclar gustos muy personales con referencias que cualquiera disfruta. En varias conversaciones públicas he visto que recomienda bastante cómic clásico y contemporáneo: menciona con frecuencia «Maus» por lo directo y desgarrador de Art Spiegelman, «Watchmen» por su estructura y riesgo narrativo, y a autores como Chris Ware («Jimmy Corrigan») o Daniel Clowes («Ghost World») cuando habla de cómo contar desde la intimidad. También vuelve a obras españolas que lo marcaron, como «Paracuellos» o «Arrugas», y no es raro que cite a Paco Roca para hablar de memoria y oficio. Más allá de los cómics, en entrevistas suele dejar caer títulos literarios que admira: nombres como Roberto Bolaño aparecen en su lista, sobre todo «Los detectives salvajes» y «2666», como referencia a una forma de narrar ambiciosa. Todo esto lo menciona con ejemplos concretos y anécdotas, lo que hace que sus recomendaciones se sientan cercanas y fáciles de seguir. Para mí, sus sugerencias funcionan como un mapa para explorar tanto novelas gráficas como literatura de fondo.

Hace tiempo leí sobre los inicios de Antonio Altarriba y me quedó grabada la idea de que sus primeros pasos en el cómic fueron en la escena pequeña y alternativa, más que en grandes editoriales. Yo lo veo claro: sus primeras publicaciones surgieron en fanzines y revistas de contracultura que circulaban en España durante las décadas de los 70 y 80, espacios donde muchos autores probaban formato, estilo y voz sin las ataduras del mercado convencional. En mi memoria, además, aparecen nombres de revistas alternativas donde compartió páginas con otros autores de la movida: ejemplares de «El Víbora» y «Madriz» fueron plataformas naturales para ese tipo de trabajo, así como publicaciones menores y fanzines que permitían experimentar con temas más personales. No necesariamente publiqué esas páginas yo, pero he rastreado entrevistas y reseñas donde Altarriba mismo y críticos señalan ese camino: fanzines → revistas alternativas → obras más consolidadas. Me gusta pensar en ese tránsito porque explica por qué su obra posterior, incluida la muy premiada «El arte de volar», tiene un tono tan personal y directo: nació en espacios donde el autor podía permitirse contar historias íntimas sin filtros. En fin, para mí está claro que sus primeros cómics no salieron de un gran sello editorial, sino de la escena independiente y los fanzines, pasando luego por revistas alternativas como «El Víbora» y «Madriz», hasta alcanzar una mayor visibilidad con trabajos que cruzaron al gran público. Esa evolución me parece muy interesante y refleja cómo muchos autores españoles encontraron su voz en lo pequeño antes de saltar a lo grande.

Me flipa cómo Mauro Entrialgo logra un equilibrio entre la sencillez gráfica y una carga crítica muy afilada. Su trazo tiende a ser directo, casi escueto: líneas limpias, contornos definidos y un uso del negro muy honesto que no busca embellecer sino comunicar con claridad. Eso le da a sus viñetas una lectura inmediata, ideal para la comedia breve y para el gag visual. Además, juega mucho con la expresividad de los rostros: exagera gestos, ojos y bocas para enfatizar la ironía o el sarcasmo. Otro rasgo que me encanta es su humor urbano y cinéfilo, mezclando referencias pop con un punto ácido sobre la cotidianidad. No se queda en lo políticamente correcto: hay puntería, a veces mala leche, pero siempre con una intención clara de comentar lo social. En conjunto, su estilo es reconocible por ser funcional, mordaz y muy humano; me deja con la impresión de que cada viñeta está diseñada para que el chiste y la idea lleguen al instante.

Me encanta curiosear por ferias y tiendas pequeñas, y con Carlos Manga pasa algo parecido: suele vender tanto en eventos presenciales como por vías digitales. En ferias y convenciones de cómic y manga en España es habitual encontrarle; piensa en citas como «Salón del Manga» o en convenciones locales de cómic en ciudades grandes donde monta mesa propia o comparte puesto con editorial pequeña. Ahí puedes comprar directamente, hablar con él y conseguir ediciones firmadas o fanzines que no están en otros sitios. Por otro lado, Carlos tiene presencia online: suele anunciar lanzamientos y reposiciones en Instagram y en su tienda web (muchos autores usan plataformas tipo BigCartel, Etsy o una tienda propia en Shopify), además de gestionar envíos por paquetería dentro de España. También es bastante común que deje ejemplares en librerías especializadas y tiendas de cómics en depósito o consigna, así que si no le pillas en una feria, revisa las tiendas independientes de tu ciudad. Yo he comprado así y la experiencia de recogerlo en tienda siempre fue un puntazo.

No puedo ocultar la emoción que tengo cuando veo las pistas que deja Mauro en sus redes y colaboraciones; parece que no para de reinventarse. Por lo que he seguido, está involucrado en un cortometraje animado que adapta uno de sus relatos cortos, con un estilo visual muy reconocible: líneas crudas, humor ácido y un color que choca con la sensibilidad mainstream. Además, hay movimiento en el terreno de la serie: contribuye en el desarrollo creativo de una serie de formato corto para plataformas digitales, aportando guion y diseño de personajes. Paralelamente está trabajando en piezas más íntimas —microvídeos y videoclips— donde mezcla ilustración, animación 2D y collage audiovisual. Todo eso se siente como una etapa en la que experimenta con formatos breves y colaborativos, buscando que lo gráfico y lo sonoro se respiren por igual. Me encanta ver cómo mantiene su sello sin cerrarse a probar cosas nuevas; da ganas de seguir cada lanzamiento con lupa y palomitas.

Me encanta fijarme en los nombres que han definido la tira cómica en España y cómo cada generación le dio su propio tono ácido o tierno. Si miro hacia atrás, no puedo dejar de mencionar a «Forges» (Antonio Fraguas), cuya manera de atrapar lo cotidiano y lo político con un humor directo marcó a toda una época; su trazo y su léxico eran reconocibles al instante. También pienso en «Mingote», que durante décadas dejó viñetas en la prensa con un humor más clásico y elegante. Por otro lado, autores como «El Roto» (Andrés Rábago) llevan un tono más conceptual y a veces áspero, jugando con la ironía y la crítica social. En paralelo están los que han pasado del papel a lo digital y han ampliado el formato de tira: «Peridis» mezcla historieta y crítica con cariño por la historia y la arquitectura, mientras que autores contemporáneos como «Max» (Francesc Capdevila) o «Jan» (Juan López Fernández) han transitado tanto la historieta extensa como las tiras cortas, con estilos muy personales. También hay equipos clásicos como «Gallego y Rey» que dejaron huella con series cortas y colaboraciones en revistas. Si eres de los que hojean periódicos y suplementos o navegan por redes, encontrarás que España tiene una tradición muy rica: desde la prensa tradicional hasta revistas como «El Jueves» y los portales digitales, hay autoras y autores para todos los gustos. Me sigue fascinando cómo una viñeta puede decir tanto con tan poco; siempre vuelvo a ellas por la mezcla de humor y mirada crítica que ofrece la escena española.

Siempre me ha gustado rastrear cómo los autores que sigo aprovechan la red, y con Miguel Ángel Martín eso fue muy claro: gran parte de su obra llegó al público a través de su propia web personal. En su sitio oficial él colgó páginas, galerías y archivos que permitían ver cómics completos, tiras y muestras de sus proyectos; era una ventana directa a su trabajo sin filtros editoriales, ideal para quien quería leer en el momento y a su ritmo. Además de su página, recuerdo que Miguel Ángel utilizó espacios de autopublicación y foros especializados en cómic para compartir adelantos y actualizar proyectos. Eso facilitó el diálogo con lectores y la difusión internacional: aficionados de habla hispana y de fuera podían encontrar enlaces, descargar páginas y comentar en hilos. En resumen, su presencia online fue una mezcla de web personal + espacios comunitarios del mundillo del cómic, lo que potenció su voz única y su alcance entre lectores curiosos.

Me emocionó escucharlo describir cómo trabaja ahora, porque su enfoque mezcla oficio y libertad de una forma muy concreta. Me contó que gran parte del proceso sigue siendo ritual: cuaderno, lápiz, apuntes sucios, y después una selección implacable de lo que merece convertirse en viñeta. Hay páginas que no pasan de bocetos; otras se afinan hasta la perfección. Me gustó cómo insistía en pequeños objetivos diarios: una tira, un chiste, una idea desarrollada, cosas que sumadas mantienen el pulso creativo sin quemarse. También habló de la convivencia entre lo analógico y lo digital: primero el trazo rápido, luego el retoque en pantalla, y en ocasiones la colaboración con otros medios para animaciones o proyectos más largos. Lo que más me quedó fue la sensación de trabajo práctico y de jugar con limitaciones: eso le da frescura a su humor y a su mirada, y me dejó con ganas de releer muchas de sus tiras con más calma.