作曲家は、いちもんじのサウンドトラックでどの楽器を主軸にしましたか？

耳に残る最初の一音が三味線だったことを覚えている。あのざらついた撥のアタック、絃をはじくと生まれる瞬間的な空気の震えが、作品の世界観をぐっと引き寄せていったのは明白だ。作曲家は三味線を主軸に据え、その古色ゆかしい音色を軸にオーケストラや電子音、打楽器を丁寧に重ねている。三味線の短いフレーズがモチーフとなり、旋律の端々で反復・変形されることで、物語の情緒や登場人物の内面を音楽的に描写する手法が多用されている。

具体的には、生の三味線の演奏をマイクで近接録音し、リバーブやコンプレッションを抑えめにして生音の粒立ちを残すあたりに作曲家のこだわりが感じられた。そこに弦楽セクションがロングトーンで背景を作り、低域の打楽器がリズムの骨格を与えることで、伝統楽器と現代音楽的アレンジが自然に溶け合っている。時折挿入される電子的なパッドやサウンドデザインは、三味線の生々しさを際立たせるための“陰”として機能している。

個人的には、こうした三味線中心のアプローチが日本昔話的な懐かしさだけでなく、キャラクターの揺れる感情や場面の緊張感まで巧みに表現していると感じた。『もののけ姫』のような宮崎作品での民族楽器の扱いとは異なり、三味線が物語の語り手のような役割を担っている点がとても印象的だった。

驚きと納得が混ざった感覚で言えば、核となっているのは三味線だ。短く切れのあるフレーズ、擦れるような倍音、撥で出る強いアタック……どれもが物語のテンションを直接的に担っている。全体アレンジは三味線を中心に据えたうえで、時折尺八風のフレーズや弦楽のハーモニーが入ってきて色彩を変える構造だ。

技術的には、三味線のフレーズが反復されるときに微妙にチューニングや装飾音を変えることで単調さを避け、聴き手の感情を揺さぶる工夫が施されている。リズム面では伝統打楽器ではなく低音の電子ドラムやパーカッションが控えめに支えて、古典と現代の橋渡しをしている印象が強い。個人的には、同じ和風を主題にしながらも'薄桜鬼'などの作品とは違い、三味線が物語の”中心語”として常に顔を出す点が鮮烈だった。これが作品の音楽的な核だと確信している。

驚いたのは、主旋律が三味線の細かなニュアンスで描かれていることだった。弾き手の指先が弦を押さえる微妙な音の変化まで拾ったアレンジが曲全体の表情を決定づけている。基本ラインは三味線で作られ、そこに管弦楽の和音や低音のエレキベース的なシンセが補助線として入る。三味線がメロディを引っ張り、他の楽器は色や空気を足していくという設計が明確だ。

録音面でも三味線の倍音を活かすために高域の帯域を丁寧に残し、不要な雑音はむしろ取り払ってある。こうした処理のおかげで、三味線の切ない余韻や摩擦音がはっきり聞こえ、情景描写が立体的になっている。曲によっては撥の叩く音を強調したり、逆にサステインを効かせて琴線に触れるように作られたりと、表現の幅を三味線一つで出しているのが見事だ。

参考として挙げると、'ゴースト・イン・ザ・シェル'のように電子音で世界観を作る作品もあるが、ここでは伝統楽器でコアを作っている点が大きな違いだ。現代的な音作りを取り入れつつも、主軸は明確に三味線にあって、それが作品の“声”になっていると感じた。